El Mundo Entre Las Manos Virtual

NUEVOS SITIOS DE REFERENCIA

2010-07-08T09:53:00.000-07:00

Hemos decidido dejar este blog, no así nuestro trabajo y compromiso con el periodismo gráfico que intentamos desarrollar.
Los responsables de este medio de comunicación, formamos dos nuvos sitios virtuales con el fin de seguir contribuyendo y haciendo lo que nos da placer.
Esperamos que nos sigan acompañando como lo han hecho aquí y les agradecemos los comentarios y las buenas energías para seguir apostando a esto....

Los nuevos sitios:

http://www.rocknuestro.com.ar/
http://www.habladuriasdelmundo.com.ar/

Hubo un Sol en el Tsunami.

2010-02-07T17:02:00.001-08:00

Show: Sol Pereyra.
Lugar:Tsunami Tango.
Fecha:Sábado 6 de febrero del 2010.
Ciudad: Córdoba.
Por: Fabricio Alvarez.
Foto: Fabricio Alvarez.

Sol Pereyra hizo su última presentación de “BLA BLA BLA” antes de llevar su música por tierras brasileras y mexicanas. La cita tuvo lugar en “Tsunami tango” (Laprida 453).

En el marco de las fiestas: “Kizombeat: Afrocyberdelia Brasilera”, bajo la producción de Difusa Fronteira, Sol paseó por su disco debut mostrándose mucho más cómoda y suelta al frente de su banda.

La cantautora estuvo acompañada por Mauricio Canducci en teclados, Ignacio Falco en guitarras y la participación especial en los vientos de: Julio Galindo en trompeta y Nico Riera en trombón.

Cerca de las de dos de la mañana y ante algunos cientos de personas la banda terminó con una larga espera, al igual que en el disco, la apertura estuvo a cargo de “bla bla bla” seguida de “Al día”. Luego agradeció la presencia de los allí convocados y sin hablar demasiado convidó entre canción y canción su particular humor en un ambiente casi familiar.

El show siguió con una canción que se perfila para ser parte de su nuevo material “Hilo de sol”, este fue algunos de los temas nuevos que se escucharon, como también hicieron presentación: “Fuera de mi camino” y “Gusano mariposa”.

A pesar de las altas temperaraturas y la humedad que no tuvo piedad, ni arriba ni abajo del escenario, la hora y media que duró el show estuvo acompañado por un clima festivo.

Para cerrar el show Pereyra entonó el cover:“Lanza Perfume” en portugués, mostrando su capacidades vocales, sus influencias y también para dejar en claro que la alegría no es solo brasilera. Así Sol Pereyra culminó una sólida performance.

Pese del poco recorrido de la banda, Sol parece cada vez más cómoda en su nuevo rol de solista y ahora se prepara para convidar su música en otras tierras.

Córdoba y Sabina, un amor que no naufraga

2010-02-07T06:45:00.000-08:00

Show: Joaquín Sabina.
Lugar: Estadio Chateau Carreras
Fecha: Viernes 5 de febrero del 2010.
Ciudad: Córdoba.
Por: Martín Kardaz.
Foto: Fabricio Álvarez.

Joaquín Sabina se presentó en la docta con la excusa de mostrar las canciones de su último disco. Ante unas ocho mil personas y pasadas las 21.30 hs. comenzó el show del oriundo de Úbeda.
“Tiramisú de limón”, tema que abre su último disco “Vinagre y Rosas”, fue la canción elegida para romper el silencio, que hasta ese momento sólo había sido perturbado por la ovación que desató el público al ver el ingreso del músico al estadio. “Buenas noches Córdoba”, saludó Sabina, por primera vez.
“Viudita de Clicqout”, también de su última obra, fue el segundo tema de una noche que mostró al músico de muy buen humor, dispuesto a seguir enamorando a un afición que por momentos parecía hipnotizado ante cada frase que se desprendía de esa persona de voz quebrada y excesos atenuados.
Un frac negro y un sombrero, que no se quitaría en toda la noche, fue la vestimenta que Joaquín eligió para la cálida noche cordobesa. Con un tono bajo expresó: “Es un honor y un gustazo, y un calorcito en el corazón estar acá. En mi otra Córdoba, cuando llegué a tocar allá, eso era New York para mí, y quién me diría que iba a estar acá”.
La poesía que inunda cada canción se extendió para introducir a otras y así llegó “Cristales de Bohemia”, en una versión desgarradora. Esta fue precedida por otras gemas de discos anteriores que son una cita obligada en cada presentación, sonaron “Medias Negras”, “Aves de paso” y “Peor para el sol”.
La última parte del show mezcló canciones de diversos discos, y regaló en “Una canción para la Magdalena” uno de los puntos mas altos de la noche, junto a el clásico “19 días y 500 noches”. El desamor, al que Sabina le dedicó su vida en cada canción, esta vez fue ajeno, y llegó de la mano del poeta Benjamin Prado, cuya inspiración dio luz a varias obras de Vinagre y Rosas. “Yo le canto al desamor, que es lo que nos pasa a todos”, disparó el cantante.
Un piano sonó de fondo, y “Contigo”, fue el motivo para que el Chateau cayera definitivamente a los pies de éste trovador. El final fue muy rockero, sonaron “La del pirata cojo” y “Pastillas para no soñar”.
Sabina pasó una vez más por Córdoba, donde fue declarado ciudadano ilustre. Lejos de algunos vicios, y cada vez mas cerca de su gente, que atraviesa diferentes generaciones y se renueva año tras año, el español demostró que aunque algunos lo hayan dado por muerto el sigue “vivito y coleando” y que pisar un escenario va a ser siempre “un sacramento”.

Gabo en Alta Gracia.

2010-01-25T10:01:00.000-08:00

Gabo Ferro pasó por Alta Gracia, compartiendo canciones de todos sus discos, el viernes 15 de enero, aportando delicadeza y concentración, a la segunda noche del quinto encuentro de cantautores que se había iniciado con las presentaciones de Pipa Martin, Rosario Bléfari y con el uruguayo Daniel Drexler.

Por Guillermo Romani.

Foto: Inés Domíngues Cuaglia.

El momento de Gabo Ferro llegó para el show final por partida doble: el de la noche, y el de la sala. En los posteriores días el encuentro se realizó en la cancha de basketball del colegio Anglo Americano.

Una ciudad con tanta historia, como lo es Alta Gracia, albergó a un artista esencialmente historicista, como lo es Gabo Ferro.

Su concierto fue decidido, desplegando una atmósfera profunda, haciendo sentir a quien pase por allí parte de esa historia, de la cual Gabo entiende, y de la que fue un protagonista destacado, por lo brindado, y por que logró incluir a cada espectador que también hace historia desde su lugar.
De buen humor Gabo Ferro interpretó canciones de sus cinco discos, imantando con su interpretación a un auditorio, donde el silencio sabe a respeto para el que canta y cuenta.
Solo con su guitarra, y de pié, concedió momentos de concentración y de mayor soltura rítmica como “Cuando el amor no entra”, de su disco Mañana no debe seguir siendo esto.
Con acordes alegres llegó “Mi vida es un vestido”, y dio paso a la primera interacción con el público. Tras saludar aclaró: “va a ser un show un poco más acotado de los que hago, considerando la preciosa noche que estamos pasando”, para luego presentar a “La casa nuestros discos” ( de Amar, Temer, Partir), que inició con ocho golpes en la caja de su guitarra para desatar la rítmica potente de su toque. El humor envolvió a Gabo y preparó a cada escucha, despejando malos entendidos, como esos de que la música de Gabo Ferro se la emparenta con la amargura. Aún en atmósferas desnsas, Gabo, demostró que sus canciones contienen una situación más que agradable.
El músico e historiador apostó a que se desembale la memoria, que se no confunda el apetito con el hambre, como así también no se lo mal interprete; con canciones como “Soy todo lo que recuerdo”, “No te mires en el agua”, o “Solo tenemos ciencia” entre otras. Notable fue el manejo de su voz y de los silencios, con los que extasió a los espectadores.
Gabo deslumbró con su actuación, y para los bises eligió, el por momentos mántrico, “El Amor no se hace”, dejando en claro que las cosas se hacen solo por amor, y cuando pasa.

Gabo es uno de los músicos más importantes de la actualidad, y sus canciones apuntan a la memoria, como el Festival que lo disfrutó.

Relacionadas: Especial 5to. Encuentro de Cantautores en Alta Gracia.

5to. encuentro de cantautores en Alta Gracia.

2010-01-25T08:23:00.000-08:00

Por Guillermo Romani.

Fotos: Inés Dominguez Cuaglia - Guillermo Romani.

Del 14 hasta 17 de enero, en la ciudad de Alta Gracia, se realizó uno de los festivales más interesantes que comparte el verano cordobés: “El encuentro de cantautores”. En su quinta edición, con artistas del orden local, nacional e internacional, el festival, una vez más cobijo a una inmensa minoría.
A diferencia de ediciones anteriores, la quinta edición contó con algunos agregados: se sumó una noche más a la estupenda grilla, la que sufrió un mínimo cambio en la noche de clausura, suplida por un reemplazo a la altura de las circunstancias. También éste interesante encuentro contó con la sumatoria de dos jornadas diurnas, en las que se brindó la posibilidad de asistir a talleres como espacio lúdico: uno de canto, nominado “El canto popular”, a cargo de Sandra Corizzo (Rosario), y otro de producción literaria titulado "Generación de textos para canciones, poemas y relatos", coordinado por el gran autor Adrián Abonizio.
Los talleres se llevaron a cabo los días viernes y sábado por la mañana, en el mismo colegio donde por la noche diversos cantautores, de gran nivel, brillaron ante excelente respuesta de público, que se dio cita en las cuatro jornadas.
Cada uno de los artistas que intervinieron en el festival fueron presentados con humor y gracia, algo que se va tornando un clásico de estos encuentros; otra característica es el respeto hacia uno de los cantautores de mayor inspiración para los participantes del festival: las versiones de temas de Eduardo Mateo, no faltaron. Y no dejan de inspirar, y generar mística en esta apuesta a la cultura musical de raíces latinas: la gran mayoría de los artistas reflejaron influencias de Mateo, además de dejarlo en claro mediante palabras o versiones de sus canciones.
Es importante destacar el esfuerzo llevado a cabo por el organizador: Adolfo Barrera, y todas las personas que colaboraron, e hicieron sentir a los cantautores como en su casa. Absolutamente todos (los músicos) declararon su comodidad y resaltaron la buena onda de Barrera.
Ésta vez el encuentro tuvo dos locaciones: en las primeras dos noches las presentaciones se dieron dentro del auditorio del colegio Anglo Americano, y las dos últimas (sábado y domingo) en salón de deportes del mismo, en las cuáles se incrementó público. El auditorio es de capacidad limitada, para un tanto más doscientas cincuenta personas (cómodas), y en el salón más del doble de localidades, que en las cuatro noches se colmaron, en cada uno los dos lugares en su totalidad.

Vestidos de Bienvenida: inicio del festival.

La primera jornada de Encuentro de cantautores inició el fuego con una noche estupenda, con gran afluencia de público que disfrutó cada uno de los artistas encargados de templar la quinta edición en el comienzo.
El jueves, el músico local, Martín Lapidus dio la bienvenida compartiendo composiciones propias junto a algunas músicas consagradas de artistas como Fito Páez o Pedro Guerra.
Ya con la noche en marcha llegó el turno de la primera de las tres damas, que con las que se vistió la jornada (Viki Fontana, Yusa y Ana Prada): Viki Fontana se mostró agradecida y emocionada, empuñando su guitarra electro - acústica., con la que interpretó composiciones propias, alternándolas con nuevas versiones, y acompañada, por momentos, por un armoniquista de excelente performance. Fontana también aprovechó para invitar a cantar a Griselda Castro, justo antes del final.
La ex Lucila Cuevas, dejó sentado de su capacidad musical y brilló en su nueva etapa como cancionista con nombre propio; Fontana dio paso la cubana Yusa, quien preparo el camino hacia el cierre de la primera noche a cargo de la cantante oriunda de Paysandú: Ana Prada. En su segunda presentación en el Encuentro de Cantautores (participó en la segunda edición) Prada se despidió ovacionada con su tema “Tierra adentro”.

De Poetas y juglares : Segunda noche.
La segunda jornada renovó su público y se tiñó de juventud; tal vez alentado por la presencia de los artistas como: Bléfari, Daniel Drexler, o el local, Pipa Martín que proporcionó su fuerza para el inicio, y dejó en claro que el festival también alienta a los artistas locales.
Rosario Bléfari, fue la segunda de la partida con sus canciones que dieron importancia a lo escrito (y escuchado). Como Bonus y aperitivo musical de la segunda noche, fue la presencia de Adrián Abonizio, que amenizó la espera de Daniel Drexler, quien se presentó en solitario junto a un puñado de efectos, y una soltura energética que recorrió el auditorio junto a él: Drexler recorrió el recinto, y hasta cantó a capella captando la energía del lugar. Para el cierre la aparición de Gabo Ferro coronó la segunda noche a puro cantautor.

Sofisticados y populares: Tercera jornada.
La tercera cita se dio en el salón de deportes (polideportivo), y comenzó con un mínimo retrazo, que permito ultimar detalles para otra jornada de excelencia. Por tercera noche consecutiva la bienvenida la dio un grupo local, en esta ocasión a cargo de Tres bestias perfumadas.
La armonía tomó por asalto al lugar con la presencia de Diego Penelas y Cecilia Zabala, quienes desplegaron una gran actuación previo a la presentación del dúo cuyano Orozco – Barrientos, para generar un clima más festivalero, con canciones equilibradas entre sonidos clásicos y letras austeras. Si bien el festival se caracteriza por tener propuestas musicales populares, en la tercera noche contó con momentos mas experimentales acentuados por Aca Seca Trío, que desplegó su sofisticación popular recreando canciones de reconocidos autores.

El niño que llevamos dentro: Día de cierre.

Una constante del Encuentro de cantautores fue el clima de distensión que mostraron los músicos, desplegando un alto grado de humor refinado, que tuvo su peso en la noche de clausura del festival, la misma se inicio una hora antes, (que las demás jornadas), siendo coherente con su espectáculo de bienvenida a cargo de Luis María Pesceti, “despanzando” de risa a padres y deleitando al público más pequeño. Tornado así a la última noche más familiar, apostando puntualmente al humor con la presencia de Sebastián Monk, quien también ha realizado algunos trabajos para niños.
En esta ocasión Monk desplegó su ironía y preparó el camino para recibir a uno de los artistas más esperados: Edú “Pitufo” Lombardo. Uruguayo que dio cátedra de rítmicas rio platenses, entre candombe y milongones encantó a un público eufórico.
El broche de la noche, y del festival, llegó de la mano de Raúl Carnota; otro artista que abrillantó al festival en ediciones anteriores. Carnota fue expeditivo y deleitó con su toque.
La quinta edición del Encuentro de cantautores sumó esperanzas para la música hecha con esfuerzo y compromiso. El Festival fue transmitido en vivo por la emisora radial local Radio Tortuga 97.5 fm y sumó la posibilidad de que el quinto encuentro se escuchase en directo y simultaneo para todo el mundo.
El encuentro de cantautores dá mucha tela que cortar, y esperemos que se torne un clásico altagraciense y por que no Argentino/latinoamericano.

Relacionadas: Gabo Ferro en Alta Gracia.

EL rock recuerda a Sokol y a Gabo

2010-01-12T10:05:00.000-08:00

Por Santiago Ramos.

El 12 de enero se transformó en una fecha trágica para el rock argentino. Hace un año el verano se puso oscuro con la noticia de la temprana desaparición física de Alejandro Sokol, fundador de Sumo y Las Pelotas. Un año antes el bajista de Babasónicos, Gabo Manelli se fue de la vida tras una larga enfermedad.
Gabo fue un músico de perfil bajo que aportó su talento a un grupo que no tiene techo. Fue mentor de muchas de las ideas interesantes que hicieron enriquecer al sonido babasónico.
Sokol fue un ciudadano de Los Hornillos y de Las Rabonas, en el Valle de Traslasierra. Casi todos los jóvenes de esa zona vinculados al rock, tuvieron/tuvimos la oportunidad de conocerlo en su hábitat natural: escucharlo tocar en pequeños reductos temas de Pink Floyd, David Bowie o U2, compartir fogatas con guitarreada incluida a la vera de algún río, largas trasnochadas en fiestas electrónicas al aire libre en plena Comechingones, o simplemente charlar viajando en el Panaholma rumbo a Córdoba Capital.
La vida bohemia tantas veces exacerbada por algunos rockeros demagogos, en Alejandro era totalmente natural. Siempre vivió al margen de lo que un grupo profesional considera como políticamente correcto. Pareciera ser que no le cupo el molde del éxito y de estrella de rock, simplemente su cuestión era practicar la vida hedonista y libertaria. De sus excesos jamás hizo alarde, los disfrutó y los sufruió.
Si hacemos una lista de los artistas que más contribuyeron a enriquecer al rock de estas pampas en os últimos 20 años, Gabo y Alejandro no sólo no pueden faltar, sino que ocupan los primeros renglones.

Viajantes: el nuevo rumbo.

2010-01-09T10:33:00.000-08:00

Alguna vez Jorge Pinchevsky dijo:“antes era necesario romper, ahora es necesario unir”, y algo de eso existe en la flamante banda de Manuel Onís, Pablo Dacal, Alfonso Barbieri y Juan Jacinto, donde cuatro compositores arman una sola maleta, la de Viajantes.
Viajantes es una banda a cuatro voces, a ocho manos y ocho pies, que inician un viaje por el terreno de las nuevas composiciones, que pintan un color nuevo sin clishés o riéndose de ellos.
Viajantes comenzó a bosquejarse en verano/ otoño del 2009 y para finales del mismo editaron su debut discográfico llamado Viajantes, que contiene frascas canciones en compañía de contemporáneos músicos como Pablo Grinjot, Volco entre otros, las canciones también fueron nutridas con poemas de Tátala Rodríguez y Fernanda Laguna. En este disco la banda reavivó “La hora de los magos” compuesta por Jorge de la Vega, donde se dieron el lujo de contar con grandes invitados como: Daniel Melingo, Palo Pandolfo, Jorge Serrano, Litto Nebbia, Miguel Zavaleta, Andrés Calamaro, Miguel Cantilo, Horacio Fontova, Fito Páez que recrean junto a Viajantes la profundidad en Humor y sensibilidad de Jorge De La Vega.
Los reyes magos pasaron por este sitio y nos trajeron varias sorpresas, entre ellas la posibilidad de tomar contacto con Viajantes para comentarnos sobre el sendero que desembocó en su disco homónimo. Alfonso Barbieri y Pablo Dacal comparten su hoja de ruta con el Mundo Entre Las Manos.

Por Guillermo Romani.

Fotos: Lola García Garrido.

Desde El embudo de León Gieco que no oye unidas todas la voces todas...¿Cómo surgió la idea de "la Hora de los Magos",del artista Jorge De la Vega, y como se las arreglaron para lograr grabar con todos los músicos que participaron en el tema.?

Pablo Dacal: Espontáneamente, con teléfono y un espíritu paciente.

Alfonso Barbieri: Es para hacer un pequeño cuentito. Fue muy divertido, todos fueron muy amables. Muchos admiran a De la Vega, por sus pinturas y por sus temas. Algunos de ellos lo vieron tocar en vivo en los 60´s en sus muestras. “Los magos” es un himno muy actual y es del año ¡1967!

¿Dónde grabaron el disco?
Pablo Dacal: En un campo, nuestras casas y el estudio de Anetol Delmonte.

Alfonso Barbieri: Fue una experiencia de laboratorio, Aquelarre!

¿Van a presentarse en banda, para a su vez presentar el disco?

Alfonso Barbieri: En marzo. Tenemos muchas ganas de tocar este disco en vivo.

Pablo Dacal: Así será.

En las letras hay una utilización de la segunda persona del singular, lo que genera una atención notable y directa. ¿De alguna manera quisieron lograr una ironía hacia soportes como el facebook entre otros, donde todos se tutean sin conocerse, o se hacen amigos sin saber quien es realmente cada uno, generando un gran hermano de vigilancia?
Lo noto en canciones como “Hablarte a vos” y en “Discurso de la servidumbre voluntaria”

Pablo Dacal: Más que la ironía, utilizar el lenguaje actual de comunicación y llamar la atención sobre él fue parte del plan.

Alfonso Barbieri: ¡Estamos dando una nota por mail! Hay que hablar de estas cosas. Otra Gente tiene sexo por internet y después hijos. Quizás se vieron menos tiempo en persona que por la computadora y arman una familia. Tengo un amigo que le pasó eso. “Hablarte a vos” es eso en un punto.

¿Es verdad que una de las primeras veces que se juntaron, previo a la formación del grupo, hacían canciones de La Máquina de Hacer Pájaros etc.? ¿Eso fue de modo improvisado, o a partir de allí se inicio la idea de crear en conjunto?

Pablo Dacal: Es parte de la verdad, cantamos cada línea de la Máquina en un camarín. Y nos encontramos al otro día y al otro, y la próxima semana, después a conversar y beber y cantar, y componer y grabar, comer y grabar y mezclar, y aquí tenemos un disco maravilloso!

Alfonso Barbieri: Cantamos los 2 discos de la máquina en el camarín del Tasso. Nos gusta mucho la obra de (Charly) García, es una influencia muy grande para nosotros, eso se ve en el disco.

Relacionadas: Presentación de la hora de los Magos - La hora de los Magos (Audio)

La hora de los Magos.

2010-01-09T10:20:00.000-08:00

Canción: La Hora de los Magos.

Artista: Viajantes.

Disco: Viajantes.

Año: 1967 / 2009

Autor: Jorge de la Vega.

Por Guillermo Romani.

En Vísperas a Reyes tomamos contacto con Viajantes. Luego, en su viaje, los reyes magos pasaron y nos dejaron un regalo, para compartir con aquellos oídos inquietos: la versión de “La hora de los magos”, que traza un link con Jorge de la Vega (1930 – 1971), el creador de la canción, que en versión Viajantes reunió a otros compositores de la arena de rock, o mejor dicho de la música popular de Argentina.

Es así es como llegó a las virtuales manos del mundo esta excelente y aún actual canción de 1967 en visión y versión de Viajantes junto a : Daniel Melingo, Palo Pandolfo, Jorge Serrano, Litto Nebbia, Miguel Zavaleta, Andrés Calamaro, Miguel Cantilo, Horacio Fontova y Fito Páez.

Señoras y señores: es la hora de los magos, todo de golpe es perfecto. Con el consentimiento de Viajantes aquí les compartimos el primer regalo de la década.

Escuchar Canción.

Relacionadas: Entrevista con Viajantes

Empápate de Jorge de la Vega

Sandro: 1945 - 2010.

2010-01-05T16:42:00.000-08:00

Por Guillermo Romani.

Ha muerto Roberto Sánchez en el día de ayer04/01/2010. En el día de hoy comenzó su despedida, y en el día de mañana se le dará el saludo definitivo; el que lo enviará para siempre a los aleros del recuerdo, con personalidad jurídica en el inconciente colectivo latinoamericano. Sandro parte hacia la abstracción proviniendo de ella, porque sus canciones habrán de seguir provocando a la imaginación de cada escucha.

Rockeros como Javier Martínez o Miguel Cantilo, lo consideran como el primer rockero actitudinal del país; algunas leyendas lo emparentan como dueño de La Cueva, o cosas por el estilo. Lo cierto es que Sandro es parte de la música popular de Argentina y ha compartido la energía en el comienzo de la formulación de la llamita rockera en un país engominado hasta en los bigotes.

Dentro del cancinero que tiene que ver con el rock criollo, Sandro se lució en varias canciones: recordemos "Bailando en la vereda", junto a Raúl Porchetto o recreando "Rompan Todo", junto a Charly García y Pedro Aznar en Tango 4 de 1991. Las nuevas generaciones también lo pueden recordar desde aquel disco: "Tributo a Sandro, un disco de rock", que inició los tributos en vida desde la cultura rock.

Ha muerto Sandro. No es ageno al sentimiento de la música popular argenta, por eso es pesadumbroso saber de su pérdida; quedan sus canciones para colorear algún sentimiento.

Hasta siempre Roberto Sánchez: Sandro de América.

¡Salud ! por los sueños que vendran.

2009-12-31T14:57:00.000-08:00

A nivel calendario se culmina un ciclo de doce meses, y aunque parezca mentira de una hora a otra, de un minuto a otro, de un segundo a otro se renovarán las esperanzas; porque, aunque la maquinaria no pare, el paso de un año a otro pareciera tener la virtud de recuperar ilusiones.
Qué renueven muy bien sus energías, y un buen augurio para el nuevo ciclo de doce largos, o cortos meses; lo que no hay que variar es la intensidad, para que los sueños se cumplan en buen plan.

Despidamos el año viejo con tanta, o más, energía ¿qué? ¿cómo? ¿cuando? lo comenzamos, que no se nos pase.

Por el éxito del Amor...Salú.

Canción: Cosas de un soñador.

Artista: Lisandro Aristimuño.

Álbum: Las crónicas del viento.

Año:2009.

Sello: Viento Azul.

ESCUCHAR CANCIÓN

Los destacados de 2009 en El Mundo Entre Las Manos Virtual.

2009-12-30T07:45:00.000-08:00

Llegar a fin de año implica hacer instantáneamente un flashback de lo que aconteció en el mismo, y desde este espacio no quisimos desafinar con las costumbres; es por ello que decidimos conocer cuales discos, solistas y grupos, fueron los destacados de 2009. Para dar con ellos decidimos ponernos en contacto con colegas y músicos para hacer una mini encuesta, y compartir con vosotros lo que el año nos dejó en materia de rock argentino.
Este sitio agradece, y se saca el sombrero ante quienes colaboraron para llevar a cabo esta selección. (Nota: podés hacer clic en los nombres de los discos o artístas para encontrar reseña de los discos y entrevistas de los artistas en cuestión)

1º:Fuerza Natural - Gustavo Cerati.

2º: Las Crónicas del Viento - Lisandro Aristimuño/Simetria de Moebius - Catupecu Machu/ Una Temporada en el amor - Estelares.
3º:X(Por) Daniel Melero.

4º: Boca Arriba - Gabo Ferro/Alamut- Jorge Serrano.

5º: Nuevo orden de la libertad - Los Natas.
Artista del Año: Luis Alberto Spinetta.

Grupo del Año: Onda Vaga.

Colegas y músicos que nos dieron sus destacados:

Carlitos Julio Carballo: Periodista/Conductor Radial.
1-X (Por) - Daniel Melero.
2.-Uoiea - Carca.
3-Armonía casera Mayor -Birabent.
4-Placer- Incurable.
5-El Retorno-Banda de Turistas.
6-Dj Pareja -Marcha.

Grupo del año:
El Mató a Un Policía Motorizado/ Massacre.

Solista del año: Gustavo Cerati.
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Martín Kardaz: Periodista/Colaborador del EMELMV.

1- Fuerza Natural - Gustavo Cerati
2- Las cronicas del viento – Lisandro Aristimuño.
3- Psicomágico - Cuentos Borgeanos.
4- Una temporada en el amor – Estelares.
5- Simetria de Moebius - Catupecu Machu.
6- El Retorno - Banda de Turistas.

Solista del año: Spinetta.

Grupo del año: Onda Vaga.
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Germán Arrascaeta: Periodista de La Voz del Interior/ suplemento Vos.

1- Transpirando alegría - Los Caligaris.

2- Ararat - Sergio Chotsurian.

3- Alamut - Jorge Serrano.

4- Fuerza Natural - Gustavo Cerati.

5- X (Por) - Daniel Melero.

Solista del año : Carca.

Grupo : The Tristes.
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Martín Pérez: sub editor del suplemento Radar (Pagina/12) e integrante del consejo de dirección de La Mano.

1.- Compañero Asma - Guitarra dulce hogar
2.- Estelares - Una temporada en el amor
3.- Nico Landa - Formosa
4.- Alfonso Barbieri - Las canciones que se me cantan
5.- Sol Pereyra - Bla bla bla
6.- Yo Soy Ramsés - Alberto Tanguito Iglesias.

Grupo del año: Invisible.
Solista del año: Spinetta.
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La Barahunda. Power FM 102.3 Cba.

Solista del año: Alfonso Barbieri
Grupo del año: Onda Vaga.

Disco: Bipolar- Cuarteto de Nos.
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Santiago Ramos: Periodista - El Mundo Entre Las Manos Virtual.

1- Fuerza Natural - Gustavo Cerati.
2- Alamut - Jorge Serrano.
3- Simetría de Moebius: Catupecu Machu.
4- Las Crónicas Del Viento - Lisandro Aristimuño.
5- X (Por) - Daniel Melero.
6- Boca Arriba - Gabo Ferro.

Solista: Spinetta.
Grupo: Onda Vaga.
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Guillermo Romani: Periodista - El Mundo Entre Las Manos Virtual

1- Las crónicas del viento – Lisandro Aristimuño.
2- Fuerza Natural – Gus Cerati.
3- Vinagre y rosas – Joaquín Sabina.
4- Una temporada en el Amor – Estelares.
5- Simetría de Moebius - Catupecu Machu.
6- Temporada de Conejos - Martín Buscaglia.

Solista del Año: Litto Nebbia.
Grupo del año: Onda Vaga.
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Teby (Casa Babylon) Productor de shows/Músico.

1 - jorge serrano - Alamut
2 - mama perfecta - Beat & blood (san juan)
3 - El nuevo orden de la libertad - Los natas.
4 - Diente Libre (Córdoba) - Los cocineros.
5 - Dia de los muertos - El mató a un policia motorizado.
6 - Fuerte y caliente - Onda vaga.

Solista del año: Lisandro Aristimuño.
Grupo del año - kameleba (Villa Mercedes, San Luis)
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César Martín Pucheta: Periodista – Conductor de radio revés.

1- Las crónicas del viento - Lisandro Aristimuño
2- Simetría de Moebius - Catupecu Machu
3- Quema- Bicicletas.
4- Boca Arriba - Gabo Ferro.
5- Álbum Para la Juventud Vol.2 - Juan Ravioli
6- Fisura expuesta.- Juan Subirá

Banda: Bicicletas.
Solista: Spinetta.
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Jano Seitun (Alvy singer): Músico/Alvy Singer Big Band.

1- Estar de camisón - Julieta Sabanes.
2- De todos los días - Las cosas del mundo - Ezequiel Borra.
3- El festival del beso - Pablo Malaurie.
4- Doido Siro - Bercetche.
5- El corazón fantasma - Alvy Singer Big Band.

Artista del año: Pablo Malaurie.
Grupo del año: Onda Vaga.
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Gastón Martínez: Periodista/Colaborador EMELMV

1 Alamut- Jorge Serrano.
2- Nuevo orden de la Libertad - Los Natas.
3- Fuerza Natural - Gustavo Cerati.
4- Una tenporada en el amor - Estelares
5- X - Daniel Melero.
6- Boca Arriba - Gabo Ferro.
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Fabricio Álvarez: Periodista- El Mundo Entre Las Manos Virtual

1- Simetría de moebius - Catupecu Machu.
2- Fuerza Natural - Gustavo Cerati.
3- Una temporada en el amor – Estelares.
4- Ratones Paranoicos – Ratones Paranoicos.
5- Las Crónicas del viento - Lisandro Aristimuño.

Solista del Año: Luis Alberto Spinetta.
Grupo del año: Catupecu Machu.

Temporada de Conejos: Martín Buscaglia

2009-12-29T19:25:00.000-08:00

Disco: Temporda de conejos.

Artista : Martín Buscaglia.

Año:2009

Sello: Los años luz discos.

Por Guillermo Romani.

El músico Uruguayo Martín Buscaglia ha editado nuevo disco, y otra vez no decepciona. Su quinto material discográfico lleva por nombre Temporada de Conejos, en que sobrevuelan sus influencias y donde por primera vez aparece la de Michael Jackson.

Temporada de conejos comienza con “Jaula de motos”, al grito de “improvisation”, de plan funk deleitante, que ondula las palabras y por momentos, si sólo escucháramos sus sonidos (el de las palabras), nos lleva hacia las costas del Brasil directo, regalando swing y groove desde el inicio, para luego, en “No vamos a parar nunca”, aprovechar el tema y mandarle un saludo a Yoko Ono, mientras se hace un hueco para presentar a los Bochamakers, la banda que lo acompaña haciendo las delicias del funk tropical.
El Funk descansa al comenzar “Oda a mi bicicleta”, que desarrolla como mástil (de la canción) la melodía que provoca una kalimba, que nos acerca a la circularidad del girar de una rueda de bicicleta; en esta ocasión Buscaglia le declara su amor a su “corcel oxidado” con poéticas descripciones como: “ ¿qué será que me inspira?, ¿ serán tus rayos que giran?. Con gran swing, y con el poder que tienen las grandes y cortas melodías, “Oda a mi bicicleta” mantiene el latir infante del uruguayo, que también dedica su tiempo para editar discos de carácter infantil.
Un blues con peso folclórico reluce en “blues del carrito”, a puro bombo legüero junto a Kiko Veneno.
Precisa es la manera de entonar, logrando una delicia de los juegos de voces, coros y arreglos de piano.
El charrúa parece sacarle la lengua al diablo en, justamente, “diablo débil”, tornándolo trágico hacia la coda final.
Entre tantas, una de las características de Martín Buscaglia es su juego en el universo de la convención del habla: dobla el lenguaje y por momentos logra iconizar imágenes con sus malabares de construcciones vocales, ejemplo de ello es “Que importa blablabla”.
Una instrumentación variada abriga, o dá aire, a las canciones de este disco: teclados, guitarras funk, loops, guitarras acústicas y criollas, y una base sólida que genera un groove que arrolla.
Como es costumbre ya, la ironía sobrevuela algunas de sus letras que desempeña con gracia. La burla a los avatares del adelanto tecnológico se conjugan en la triada: “Si no está roto no lo arregles”, “Spam” y “Corto circuito”. “Si no esta roto no lo arregles” alienta a no guardar viejos trapos, mientras que Spam se desarrolla con extrañas contrucciones vocales, propias del correo basura. La antinomia a la electricidad se dá en “Cortocircuito” al ritmo del son cubano.

Dieciséis tracks conforman el quinto álbum de Buscaglia, que se dá el lujo de incluir la célebre “4'33' “ del estadounidense John Cage. Notable es el tratamiento sonoro que recorre a Temporada de conejos, que se reparte en poquito más que tres cuartos de hora, y viaja a la velocidad del correr de los conejos, imparable.

Una atmósfera en sintonía con lo infante recorre a Temporada de conejos: canciones para aprender a cantar, pero bien.

Ficha Técnica:

Grabado en La Casa del Transformador (Montevideo, Uruguay) en julio y agosto de 2009, por Martín Buscaglia y Nico Ibarburu.
Mezclado por Campi Campón, M. Buscaglia y N. Ibarburu en Mr. Jones Studio (Madrid, España).
Masterizado por Andrés Mayo (Buenos Aires, Argentina).
Diseño gráfico: Espartaco Martínez
Producido por Martín Buscaglia y Nico Ibarburu

Entrevista a Abril Sosa (Cuentos Borgeanos)

2009-12-21T08:35:00.001-08:00

“La literatura y el rock son dos cosas diferentes, difíciles de emparentar.”

Cuentos Borgeanos editó en este 2009 su cuarto trabajo discográfico: “Psicomágico”, un material que parte de un concepto que relaciona al Psicoanálisis y la magia.
Abril (Sosa), define las canciones desde este concepto: “Son instrumentos mágicos, vitales y motores (…) pueden servir para sanar”.
El ex integrante de Catupecu Machu también nos glosó su relación con la literatura, su otra pasión además de la música.

Por: Fabricio Álvarez.

Foto: Gentileza diario "La Nación"

¿Cuáles fueron las impresiones que te dejó el disco que editaron éste año y cómo lo recibió la gente?

Creo que las impresiones son siempre muy dispares y torpes, ya que es muy difícil mirarse (escucharse) a uno mismo. Pero si podría hablar de sensaciones y emociones, que es, en definitiva, lo que me impulsa a componer y escribir. Y creo que en este disco se transparente completamente esa "emocionalidad" que provoca nuestra música, y la gente, los fans, lo notan.

En relación al disco. Por qué el nombre, más allá de lo que se sabe de Alejandro Jodorowsky. Digo, ¿Cómo surgió la idea?

El nombre surge puntualmente de la idea más básica y clara de la psicomagia. Jodo (Alejandro Jodorowsky), cree que hay problemas que el psicoanálisis no puede alcanzar, y a través de un acto instantáneo y absoluto podrían resolverse ciertas cosas. Entonces aplicando un poco esta idea a nuestra música, creemos que las canciones son instrumentos mágicos, vitales, motores, y que en cierta medida puede servir para sanar, para ayudar, para correr un poco de los obstáculos personales a los que la escuchen.

Se sabe que sos de leer mucho y que eso está influyendo tu música continuamente. ¿Qué estás leyendo ahora? Y ¿Cómo ves la relación rock- literatura actualmente?

Bueno, estoy leyendo, como ávido e inquieto lector, muchas cosas. Por empezar, releyendo la obra completa de Onetti, uno de mis grandes maestros. Empezando un libro epistolar de Gibran. Y leyendo mucho a Osho, de quien se sabe muy poco y se entiende menos, ya que su imagen está distorsionada por los prejuicios y la mala información. Ayer (16 de diciembre) me agarraron ganas, como de costumbre, de una dosis borgeana que nunca puede faltar.Respecto a la relación de la literatura con el rock, creo que no la hay. Son dos cosas diferentes y muy difíciles de emparentar. Es como querer casar a un elefante con la princesa de Inglaterra. (No voy a especificar quién es quien -risas-).
Pero si hay compositores de rock que pueden de una forma austera o concreta, incluir esa mirada poemática y literaria, que le da su afición por las letras, en el caso que la tenga.

El disco tiene algunos matices melancólicos: en tu voz y en algunas melodías, pero al mismo tiempo se nota en las canciones una madurez, un asumir, en este caso “resistiendo”. ¿Coincidís con eso? ¿Cuál fue el proceso que acompañó las composiciones en ese sentido?

Bueno, me gusta lo que decís, ya que creo que la única manera que hay para progresar en la Argentina y haciendo rock es resistiendo. El proceso que acompañó este disco fue, como siempre, muy traumático, ya que es muy difícil no sentirse incómodo cuando la presión de decir y hacer se tornan una obligación. Digo esto fundamentalmente por las letras, ya que, como me cuesta mucho escribirlas, tuvimos que retrasar un poco las cosas para poder continuar.

¿Cuál es tu relación con el psicoanálisis? Digo por el nombre del disco y las influencias que Alejandro tiene ahí.

El psicoanálisis me llega mucho tiempo antes de Jodo. Yo me psicoanalizo desde que tengo diez años, y con el tiempo, la búsqueda personal, etc., Comencé a entender más profundamente su función. Siempre me interesé por autores como Freud, o Jung, que además de ser grandes pensadores, eran muy buenos escritores. Recomiendo también a Irvin Yalom, que es un escritor, profesor en la universidad de psiquiatría, y tiene, además de grandes novelas-filosóficas, algunos ensayos geniales. Uno de ellos "Mirar al Sol" da título a un tema de nuestro último disco.

El disco también tiene un sesgo existencial, de preguntas. Vos cantas que son “preguntas que ayudan a andar”. ¿Cuáles son esas preguntas? O ¿Cómo canalizás esos desafíos existenciales?

Yo creo que, justamente, lo que plantea esa canción es que no hay una pregunta en sí, estipulada, ya dada. Lo importante es cuestionarse. Lo importante es no sentir que todo tiene respuesta, y por añadidura solución. Que el interrogante deja infinidad de caminos abiertos. Los canalizo, de la única forma que puedo y me sale: haciendo canciones.

¿Qué literatura estás consumiendo en estos momentos? ¿Y música?

Bueno, nombré algunos autores ya. Me gustar ir saltando todo el tiempo de los clásicos a los más contemporáneos. Murakami es un autor de los últimos tiempos, de lo más genial.Y música, trato de escuchar todo lo nuevo de las bandas que más me gustan. Amo a Silvio. Soy fanático de Radiohead y me gusta mucho escuchar bandas nuevas, que me llegan a través de los demos que me regala la gente, o de mi intensa búsqueda por descubrir algo. Así conocí a Beirut, una banda europea increíble.

En una entrevista leí que la composición es mucho más trabajo que inspiración. ¿Cómo trabajas vos las composiciones? ¿Cuál es tu proceso?

El proceso siempre es el mismo. Pasamos muchos meses ensayando todos los días en nuestra sala, llevando ideas de todas las formas y colores. Luego empezamos a filtrar lo mejor, que serán 20 temas, y por último los pulimos. De ahí se eligen las que creemos necesarias para el disco. Y luego llega la parte de la escritura, la que más cuesta, y la que busco de la manera que me sea necesaria. Ya sea en mi cuarto, ya sea viajando, ya se en una plaza. La mayoría de las letras del último disco las escribí en Villa Gessel, ciudad que amo.

¿Cuáles son los proyectos para el 2010?

Los proyectos, o el proyecto, son ¡tocar, tocar, tocar y tocar!

Attaque hasta estallar.

2009-12-21T08:12:00.000-08:00

Disco: Estallar

Artista:Attaque 77
Año: 2009
Por : Fabricio Alvarez

Attaque 77 presenta nuevo material. Ya sin la participación de “Ciro” Pertusi, la banda exhibe su reciente trabajo titulado: Estallar.

El álbum presenta 15 canciones, (más un bonus track), que siguen convidando heterogéneos estilos: Rock, Punk, Pop, Ska, etc.
El sonido presenta algunas variaciones en relación a su antecesor Karmagedon (2007), aquel presentaba una beta cuartetera y estaba más cerca del pop; éste en cambio asume un sonido mas sucio en las guitarras, afianzando la nueva formación de power trío.

El eco punk viene de la mano de “Días de desempleo”, una canción que da razones históricas de la situación laboral actual. “Que nos sucedió” sigue esta línea, musical y lírica.
“Dales poder”, una melodía que recuerda sonidos ricoteros, y por momentos la voz nos lleva a la década de los 70 con Pappo y Manal.
“Memoria”, una canción pop que habla sobre la incansable búsqueda de las abuelas de plaza de mayo.

Attaque también habla de “Desamor”: un pop melancólico con guitarras desprolijas fácil de amoldar al oído. En este canal también nos encontramos con “Sueños”.
Una progresión de acordes estilo punk, dan al bienvenida a ”Anormal”, una explicita posición sobre Facebook: “No voy a entrar en el mundo virtual (…) jugas al amigo con la soledad”. Canta Martínez.
Un eco britsh-pop deviene en una melodía desprolija, con varios matices musicales que la bautizan como una de las mejores canciones del disco: “Cruz”, mientras la letra va desnuda una realidad sobre las religiones y el poder.
“Apesta” es otra de las buenas nuevas del disco. Arpegios pop, guitarras sucias y un pegadizo estribillo que le canta a la corrupción.
Cierran las puertas del disco: “Tucho” un ska con acento italiano y “Estallar” que cuenta sobre el momento de la banda.

El disco fue grabado y mezclado en el Estudio Tierra de Nadie, en Córdoba y la producción artística estuvo a cargo de Mariano Martínez.

Entrevista a Andrés Calamaro

2009-12-15T23:30:00.000-08:00

Ya es una tradición rockera argentina que Andrés Calamaro celebre los cierres de año con grandes conciertos. Santa Fé, Córdoba y Buenos Aires festejaron y reafirmaron la popularidad de uno de los músicos más prolíficos y furtivos que tiene nuestro rock.
Andrés no acostumbra a brindar entrevistas cara a cara con medios gráficos, lo hace generalmente por correo electrónico. En este caso tuvimos el privilegio de obtener una conversación extensa en la cual, el compositor se mostró muy amable, y sin tapujos para hablar de temas tan disímiles como el cine o el fútbol, y en ellos de personajes como Jim Jarmusch, o Juan Román Riquelme. Obvio también habló de sus canciones, de sus artistas preferidos, de sus próximas grabaciones y de sus conciertos.
Cuando se trata de un artista tan peculiar en su forma de expresión, muchas de las partes de la comunicación, como los gestos, el tono de voz, los modales, son tan importantes como lo que finalmente queda redactado.
El arte de la conversación expresado en letras, que lo disfruten.

Por Juan Pablo Andrade y Santiago Ramos.

Fotografía: juan Pablo Andrade.

¿Por qué no decidiste presentar en vivo al disco EL Palacio de Las Flores?
No, no decidí no tocarlo en vivo. Pero pasa que Litto (Nebbia) quería que lo toquemos con La Luz (Ariel Minimal, Daniel Colombres y Federico Boaglio), el grupo que lo había grabado, lo que pasa es que después de grabar… o sea durante la grabación del disco me fui a Rosario dos meses, en la época en que Fito filmó Dónde está el Portaligas (sic), entonces ahí me surgió un festival para hacer con Ariel (Rot) en Valladolid latino, me parece que fue en mayo, y entonces me escribí con Ariel que estaba ensayando con Candy (Caramelo), con José (el Niño) y con Tito (Dávila) y me embarqué, me gustó la idea de reencontrarme. Aparte me pareció como que después de tantos años sin tocar volver a juntarse… Ariel es un elemento ideal para un grupo, o sea, me encanta que Ariel es muy serio para ensayar y aparte siguió mejorando mucho como guitarrista, y muy ensimismado con el sonido, el amplificador, la guitarra. Y me gustan los músicos que son místicos de los instrumentos. Como los chicos que tocan conmigo ¿no? Todo el tiempo estaba probando el high, el Vox, otra válvula para el Vox, la Grech, la SG. Muy preocupado por el sonido. Pero me pegó más reunirme con Candy y El Niño porque me sentía como en la película de los Blues Brother ¿Viste?

¿Cuál es?
La de John Belushi con Dan Aykroy, que el sale de la cárcel, sale de la cárcel con Jake Blues y Elwood Blues, eso originalmente era un gag, un segmento del programa Saturday Night Live

Sí, la serie.
Y después salió la película con Ray Charles, James Brown, Aretha Franklin, B.B. King. Entonces ellos se enteran que les van a sacar el orfanato a las monjitas que los criaron, ¿verdad? Y no saben como conseguir dinero para salvar el lugar, y van a ver una misa que da James Brown, y un rayo de luz lo ilumina al difunto (Belushi) y se da cuenta que lo que tiene que hacer es: ¡The Band!, reunir la banda de nuevo, y sale de la cárcel, lo van a buscar a cada uno, y esa es la película. Entonces yo tuve un momento “Belushi”, y me pegó encontrarme con la banda después de 5 años sin hacer gira, ¿no?
Después de salir a tocar con los chicos (Bersuit). Quiero decir, como músico el verdadero regreso era juntarme con la banda que había triunfado en Alta Suciedad, ¿no? Porque nosotros tuvimos un apogeo y una decadencia muy rápida, ¿verdad? Quiero decir, en el año 97 estábamos en el apogeo, y en el 99 ya estábamos entrando en la decadencia, ¿no? ¡total! (se ríe) ¡fue muy rápido! Entonces juntarme con Ariel y ser Dos Rodríguez, siempre es un gusto. Pero juntarme con la banda… (justo va pasando Adrián Taverna) mirá Adrián Taverna tiene 26 años con Gustavo Cerati, entonces imaginate que 2 años a mí se me hizo muy poco con mis compañeros (risas) ¿Es muy poco no?

Parece mucho por el paso del tiempo, pero era poco tiempo. Viste que cuando pasa el tiempo uno piensa que las cosas duraron más.
Claro, fue muy poco. Yo digo: “apogeo y caída de un éxito” ¿no? Entonces en las Obras Incompletas yo trato de contar eso en los DVD. Son dos DVD, uno se llama Imágenes Paganas y otro Antihéroes, a Antihéroes yo le quería poner “Cocain Cowboys”, al final le puse Antihéroes por ser más discreto. Entonces nos juntamos con Ariel para tocar una vez. Pero la estiramos hasta fin de año, hasta los dos Club Ciudad, vinimos a Córdoba acá al frente (Orfeo Superdomo), hicimos un festival muy importante en Bilbao con The Pretenderes , Placebo, Los Planetas.

¡Uh! ¡que groso!
Sí, sí, sí, muy groso. Pretenders, Placebo, y Los Planetas seguro estaban… y Guns’n Roses. Sí, muy groso. Y en Almería, me acuerdo que viajamos a las 7: 30 de la mañana en una avioneta con Chrissie Hynde ¿no? ¡Te juro!
Chrissie Hynde tocaba en un escenario más chico. Entonces pintaron cosas para hacer con Ariel, ¿no?
Entonces al final lo de Ariel se prolongó hasta fin de año, después…

¿El Palacio mientras tanto estaba guardadito?
No, El Palacio. Bueno sí El Palacio lo entramos a grabar en febrero y lo terminamos cuando lo terminamos. Y al mismo tiempo yo hice lo de Ariel, después me quedé en España porque durante un mes tuve a la banda de Paco de Lucía: al Niño Josele, Alain Pérez, Antonio Serrano, y Piraña.

¿Niño Josele graba en El Cantante?
Sí, claro. Todos son El Cantante, en El Cantante y Tinta Roja están todos ellos, Serrano toca en Tinta Roja.

Más el agregado de Juanjo Domínguez en Tinta Roja.
Sí, y en vivo llevamos a José Reynoso que participó en Tinta Roja también, toca los pianos en los tangos.
Y entonces teníamos un mes a la banda de Paco de Lucía, entonces 15 días ensayamos y 15 días tocamos. Con Ariel fue así, ensayamos 10 días. Tocamos en el Festival de Valladolid y después me quedé, ensayamos con “el principado” y tocamos.

¿No grabaron nada de "entrecasa"?
Sí, grabamos todo. Hay una versión de “Nada” con la melodía más o menos de “Nada” que grabamos en Barcelona y esa está en las Obra Incompletas, en el DVD.
Entonces se prolongó ese Festival con Ariel, el mes con el Niño Josele, y después siguieron pintando cosas con Ariel. La banda se le desarmaba a Ariel porque Fito y Fitipaldis había contratado a los chicos para tocar 100 shows. No shows, 100 conciertos grandes. O sea así (como el que brindó en Córdoba), 100. Yo vi la posibilidad de recuperar mi banda de nuevo, ¿no? O sea, Los Bersuit la verdad estuvieron impecables, pero tocan mucho Los Bersuit, es un grupo que tocaba mucho.

Y después de eso agarraste mucho la guitarra también.
Bueno, la guitarra en el año 99, hace 10 años, hice un año entero sin tocar teclados. O sea, en el 97 y 98 nos repartíamos con Ciro Fogliatta (la ejecución del teclado), y en el 99 Ciro ya estaba listo, y le dejé todos los teclados, y en el 99 lo hice con guitarra también. Así empieza el video, en la plaza tocando en una jam session conmigo en guitarra, en el 99 hice todo en guitarra ya. La guitarra la empecé a tocar accidentalmente una vez que a Julián (Infante) le tiraron una moneda, y dejó la guitarra y se fue y faltaban unas canciones; se venían “El Canal 69”, “Palabras más…”, se venían unos rock’s ¿no? Entonces yo agarré la guitarra y toqué. Los plomos y los técnicos al show siguiente me llevaron un equipito y una guitarra para mí. Los técnicos me decían: “tenés que tocar la guitarra”, entonces siempre había un lugar en el show donde hacíamos tres guitarras, y esta vez fue lo mismo. O sea, al principio cuando armo una banda nueva empiezo tocando el teclado porque yo relleno ya. Si yo toco el piano, el tema ya suena re lleno; hago la armonía, hago el ritmo y ya está, entonces mientras la banda se acomoda viene bien que en los primeros ensayos yo toque el piano, y cuando ya veo que los guitarristas cunden, con cunden me refiero a cuando ya ocupan su espacio molecular natural, entonces ya pudo soltar el teclado por que suena. Y aparte estar en el centro del escenario con un teclado es medio raro. O sea, quiero decir: el centro del escenario no es para poner un teclado.

Sí , no queda bello de apreciar esteticamente.
Esteticamente es raro para el medio del escenario tener un teclado. Ahora inclusive la tendencia que tengo es: toco la guitarra, pero hay otros tres más tocando la guitarra. Lo que pasa es que los chicos no tocan la guitarra como yo. Pero cuatro guitarras es muchísimo, es un récord. Le quiero decir al público, a los incondicionales: les prometo que algún día, cuando tengamos tiempo de ensayar vamos a preparar algunos temas con teclado porque alguien tocando el piano y alguien tocando el órgano por separado está bueno también, es como String Band, es como lo más sinfónico que pasa en el rock and roll, en el buen sentido, ¿no? Es una orquesta rock and roll. La cuestión es que el año este, cuando salió El Palacio de Las Flores, la sociedad con Ariel y el reencuentro con la banda se prolongó hasta fin de año y ahí hicimos el Club Ciudad, que llovió, y vinimos acá en el mes de diciembre. El siguiente año ya estaba yo hablando con Cachorro, porque vos fijate que empezamos a grabar con Cachorro en febrero, así que ya estábamos hablando del próximo disco, ¿no? Y lo que yo hice en el 2007 fue esperar a mis músicos, y ahí Fito Cabrales estuvo muy bien porque me invitó ha hacer juntos el mes de julio, dentro de su gira inventamos la gira “Dos son multitud”, entonces nos inventamos el show de 4 horas, y ahí terminamos de armar la banda con los chicos, con los guitarristas: con Diego (García) y con Julián (Kanevsky), y con Tito (Dávila), entonces julio y diciembre lo hicimos las dos bandas juntas y el resto del año…

La pasaste muy bien.
No. O sea, fue la grabación de La Lengua. O sea… empecé el año con La Lengua, a mitad de año… quiero decir: algo habré hecho.
Litto Nebbia, es Nebbia.

Está acá Nebbia, toca toda la semana.
Y Bazterrica toca hoy también, ¡que bueno!
A Litto hay dos construcciones armónicas que no le interesan; por ejemplo pasar de un acorde a otro, no le interesa. Le interesa pasar de un acorde a otro pero buscar dos acordes en el medio, lo que en el jazz se llama “two five”: o sea si yo quiero llegar a do, busco un “two five”, que sería re sol, ¿cómo toco el re y el sol? Voy complicando y complicando cada vez más la armonía, por ejemplo: el re puede ser menor con séptima, y el sol puede ser séptima y novena disminuida y sexta, eso es como una familia bolerística. Entonces los salseros, los brasileros, los flamencos y los jazzeros se pasan buscando alteraciones más y más ásperas para hacer este “two five”, ¿no? Quiero decir: Litto tiene mucho rock and roll, pero le gusta más el origen británico del rock and roll, lo que el llama el sonido mercy, y después la cumbia sub tropical le chupa un huevo, ¿no?

¿Y a vos que te interesa?
Bueno, esta banda es muy europea, entonces con esta banda no podemos hacer sonido latino, son muy versátiles y podrían hacerlo. Pero no está en su naturaleza.

¿No hay tantos temas de La Lengua Popular en tu repertorio en vivo?
No, la verdad que este año se nos juntaron muchos temas de Los Rodríguez. El domingo vamos a terminar este año y creo que a dos o tres ya los vamos a sacar de la lista. Lo más latino, entre comillas, que hacemos sería: “Tuyo Siempre”, “Los Aviones”, “Cada una de tus cosas”, de la Lengua Popular hacemos ese ¿no? Pero hay más temas de Los Rodríguez.

Es más rockera la cosa.
Sí, es muy rockera la cosa. Es muy rockera, y en el medio hacemos un set con los tangos y la verdad que es muy intenso.

Y de tu etapa de productor ¿Qué recuerdos te quedan de aquel disco de Don Cornelio y La Zona, de Man Ray…?
¡Buenísimo! Hice el disco de Don Cornelio y La Zona, el primero. Y después hice post producción y mezcla de Los Visitantes, el que tiene unos temas buenísimos… “El ente”.

Claro, hay una versión también en vivo entre el Palo Pandolfo y vos.
Claro, a ese lo grabé yo.

Hasta el mismo sol da vueltas impacientemente…
¡Uh!, ¡divino! “Inocencia encerrada en una espiral ardiente” ¿no?.

¿Tuviste la oportunidad de escuchar el último disco de Palo Pandolfo (Ritual Criollo)?
No, el Palo… hace 20 años ya, yo se lo dije ya, el Palo rozó el más alto nivel, estuvo cerca de ingresar en ese club donde está Spinetta, Indio Solari y Javier Martínez ¿no?

Por nombrar a los otros, también podés estar vos.
Yo soy más un músico de rock que tengo que cantar y tengo que escribir. O sea, si hubiera alguien que pone el cuerpo, lo hago. Cuando estaba con Miguel, el actor era Miguel, si me hubiera quedado con Adrián Taverna y Cerati en la pre historia hubiera tenido ahí a un cantante, ¿no?

Claro, vos ibas a ser un Soda.
Bueno, la verdad es que nunca recibí la propuesta formal. Pero si no me hubiera ido con Miguel, me hubiera quedado ahí.

¿Y con Nikita Nipone estás por grabar algo? ¿Es verdad eso?
Ya estamos grabando, lo que pasa es que es Nikita Nipone con Rafael Arcaute, él toca con Dante (Spinetta) y con Emmanuel (Horvilleur), y fue ha hacer la mezcla de Calle 13, se ganó unos gramys con Calle 13. Ahora lo contrató la Universal para componer y producir a Diego Torres.

Está con la agenda a full.
Está con la agenda a full. Entonces grabamos 3 canciones nada más. Lo que vamos a intentar hacerm es ver si hacemos unas mezclas y, ahora en el verano, las ponemos en internet y en la radio haber que pasa, un “antidisco” para ver el poder de la independencia.

¿Y tu rol ahí es cantar, tocar, o componer?
Bueno, nosotros queremos hacer un “no disco”, por el momento no es un disco. Pero quiero decir: el protagonista serían las letras de Jorge Larrosa.

Tu amigo.
Claro, de mi amigo. O sea, sería como un satélite musical del libro Postales Tumberas. Entonces queremos buscarnos un nombre como si fuera Comboy Larrosa. Comboy llaman los uruguayos al conventillo.

¡Ah! no es referido al acompañamiento de los aviones de guerra.
Claro, El Convoy Larrosa, el conventillo Larrosa, algo así ¿no? En realidad el disco es de Jorge.

Aparte el título adquiere esa ambigüedad: Convoy, van todos juntos.
Claro, Convoy Larrosa ¿no? O sea, nos gustaría sumar más gente, más cantantes. Pero por el momento lo que podemos hacer es… (se ríe) ya juntarnos Rafa , Nikita y yo es bastante trabajo, ¿no?

Y vos tenés afinidad con muchísimos músicos del rock argentino ¿Con que músico que no has estado te gustaría hacer algo?
Bueno… hice poquitas cosas pero me encantaría grabar con Gustavo Santaolalla, porque me parece elegantísimo todo lo que hace, pero a mí me parece que Gustavo ya despegó ¿no? Ya está por encima de la música.

Sí, ganar un Oscar no es tan común.
Un Oscar no lo gana cualquiera.

Me gusta su trabajo con Café Tacuba, lo respeto mucho.
Todas sus producciones son más que rescatables.

A mí el disco de Juana Molina no me gustó mucho.
¡Bueno, fue hace mucho! Justo con Juana y justo con Julieta Venegas no fueron éxitos, o sí fueron éxitos después ¿no?

El disco de Julieta sí está bueno.
Lo que pasa es que Julieta tuvo éxito después, con Cachorro. Canta bien… pero tiene grabaciones extraordinarias.

¿Y alguien que recién esté empezando que te guste?
Me gustaría repetir con muchos músicos. Me gustaría volver a grabar con Cachorrro, no sólo porque la pasamos bien, sino que me gusta como trabaja, como sale un disco hecho por él. Me gustaría repetir con Litto por motivos totalmente distintos a los de Cachorro: por la libertad y la elasticidad del proyecto. Y me encantaría repetir con Javi Limón…

¿Cómo fue la experiencia del disco, de tocar con la banda?
¡Fue buenísimo! El Cantante era como un disco titox, estaba yo un poco como Charly García ¿viste? O sea, lo máximo que podía hacer era sentarme en una sillita y cantar ¿eh?

Claro.
Eso es ¿no? Eso fue El Cantante, todo lo que podía hacer era sentarme en una sillita a cantar.

Sin embargo salen unas interpretaciones brillantes.
Bueno, sí. Javi es brillante, las canciones son espectaculares.

La rosca latina que le buscaron…
Sí, tiene momentos extraordinarios. Y teníamos ganas de hacer un disco más específico como Tinta Roja, que finalmente lo hicimos. Pero cualquier cosa con Diego Cigala, Niño Josele, Joe González son tan buenos que cualquier cosa me gustaría hacer con ellos. Por supuesto con el Indio (Solari), aunque sea servirles el café. (Risas)

¿Son de conversar mucho con el Indio?
Con el Indio tenemos nuestra forma de comunicarnos.

Muy particulares.
La última comunicación que tuvimos fue cuando yo hablé sobre él en un reportaje en Clarín y… bueno, estuvimos juntos en las intenciones eternas de Spinetta, empezó el concierto nombrándonos juntos.

Eso te quería preguntar ¡Que orgullo! ¿no?
Sí, yo estaba en Chile y me desayuné leyendo eso. Después vi en you tube, ¡muy emocionante!

¡Ah! vos nos sabías ¿No habías tenido contacto con Luis ? ¿No te había dicho nada?
No, no me había dicho nada. Fue muy emocionante. Me gustaría saber que sintió Indio. Pero para mí fue muy emocionante, aunque lo leía, me emocioné más cuando vi el you tube que me mandó Rafa, que también lo mencionaron. Rafa no podía estar porque estaba en Miami grabando, o en Los Ángeles, creo.

A Moris también lo nombró.
¡Que dulzura! ¡Que grandeza! ¡Que elegancia! ¿No? Lo de El Flaco.

¿Y la invitación a cantar de Adrián Dárgelos, un tema como “Los Aviones”?
Yo le elegí “Los Aviones” a él.

¿Y por qué pensaste ese tema para él?
Mi mujer dice que le tendría que haber dado “Soy Tuyo”. Pero a mí me gustó “Los Aviones” porque a mí me gusta cantar “Los Aviones”, me gusta cuando llega “Los Aviones”, la banda matiza mucho, la banda chica, está en un tono que es cómodo. Pero después me di cuenta que es un tema en el que el cantante no tiene donde esconderse (se ríe). Estábamos entre “Los Aviones” y “Dónde Manda Marinero”.

¿Vos le diste a elegir?
Yo creo que el prefería “Donde Manda Marinero”, pero le dije “Los Aviones” y agarró viaje en avión. Y también cantamos “Flaca” que me pareció que es una letra más babasónica.

Sí, “Flaca” es como un video clip babasónico.
Sí y “Los Aviones” es un poco como un tema de Virus. Así como mezcla de amor y narcóticos… “se acabó todo lo que había” ¿de que está hablando, no? (risas) O sea, no es una canción de amor, es una canción de reviente.

Sin embargo tiene un carácter paisajístico de Aviones ahí afuera, que da imágenes.
Eso es porque yo estaba en el hotel, en Libertador, y entonces se veían los aviones llegar y venir del aeropuerto.

¿Y en el video de El Salmón como hiciste para llegar a la calle y que justo pase el avión?
Bueno, la verdad es que lo filmamos al lado del aeropuerto de Barcelona. Que según el viento los aviones vienen por acá o vienen por allá. Entonces justo cambió el viento y no había aviones, lo tuvieron que agregar después. Como en el video de Loquillo, el último de Loquillo “Los Hombres de Negro”, de Johny Cash, el que hicimos con Jaime Urrutia y (Enrique) Bumbury, ahí también se agregó el avión. Obviamente porque es un avión que se cae (se ríe).
En el video de “El Salmón” estábamos al lado del aeropuerto, la idea era que pase un avión. Por otro lado es el video que más me gusta y fue el más sencillo, porque no tiene sincro labial, no hay minas, me gustó ¿no? Y es el que menos trabajo me costó, yo me acuerdo que me hizo trabajar más Javier Sala para sacarme las fotos que el del video. Vino un director que hacía videos con Rolling Stone, y Smashing Pumpkins, yo casi ni lo veía, estaba con un yeso y un bastón entrando y saliendo de la casa rodante.

¿Te gusta hacer los video clips?, ¿con quien gustaría trabajar?
Me gustaría hacer buenos video clips.

¿No pensaste en armarlos vos?
Sí, a mí me encanta, yo tengo buena mano para la cámara. Lo que pasa es que cuando llega el momento de hacer el video clip, estamos hartos de los discos, entonces trato de que… es como el dentista. O sea, que se haga lo más corto posible, que me duela lo menos posible, y si puedo reírme un poco, ya es un lujo.

Con respecto a las gráficas. Estuviste trabajando con Liniers y el comentaba que le escribiste un mail y que cuando lo leyó no lo podía creer. Le pasó lo mismo al que hizo la tapa de Los Cadillacs….
Ah, Doctor Alderete ¡Que bueno!

Que él respondió como diciendo, “¡esto es una joda!” y Flavio (Cianciarullo) le había escrito. Fue algo parecido a lo que te pasó a vos.
Yo estaba yendo a grabar no sé que, estaba yendo al estudio y vi la crónica que hicieron en revista La Mano sobre el otro libro que no es “El macanudo”, el de “Los Cuadernos” de Liniers.

Bonjour. No ¡cierto, el libro de Los Cuadernos!
Y vi los Cuadernos, me encantó, y ahí le escribí a Martín Pérez (periodista de La Mano) y me dio la dirección creo, no sé si lo llamé o le escribí, yo creo que le escribí. Mi mail no dice Andrés Calamaro, ¿no? Pero me dijo que le estaba haciendo la tapa a Kevin (Johansen), y yo le dije si es artista puede hacer dos tapas a la vez. Inclusive me había dicho que estaba contento de pasar a escribir semanalmente en Página 12 a pasar a hacer dibujos todos los días, en color en La Nación, y estaba contento con hacerlo todos los días porque le costaba más pensar una idea semanal que una idea diaria.

Aparte está relacionado con tus letras de las musas que tienen que ver con una práctica diaria.
Bueno… sí. Después tuvimos mucho intercambio con Liniers. En un momento le pedí que haga todo: tapa, contratapa, el libro, la lista, inclusive que ilustre canción por canción, ¿no? Y había cosas que había visto en Los Cuadernos que yo quería, por ejemplo el beso en “Soy Tuyo”, el pajarito, ¿no? Le pedí esas cosas que estén. Después él, en un momento dijo que quería hacerlo en acrílico, no en tinta china. Y las hijas de Cachorro ya eran fans de Liniers, entonces Cachorro me dijo que estaba bien lo del acrílico pero que le gustaba más el trazo clásico de Liniers.

Sí , tiene varios trazos.
Entonces… ¡bueno!, hicimos un poco de todo: hay acrílico y hay tinta también, y hasta escribió todas las letras con los tachones y todo, estuvo bárbaro, la verdad.

Cambiando de tema, vos estuviste grabando con Turf , Joaquín Levinton...
Sí, nos veíamos seguido en una época… Era una mala influencia (se ríe)

¿Viste algo de lo que está haciendo ahora? Está subiendo un video-musical por día a la red.
No, yo sé que Lea Lopatín (ex guitarrista de Turf) está haciendo algo con el DJ.

Claro, hace Poncho con Zúker.
No lo escuché pero me parece interesante y además ¿Spnetta fue a tocar con ellos?

Claro, cantó un tema.
¡Uh que bueno!, ¡hay que escucharlo! Tengo muchas ganas de escucharlo,

Y está Diego Arnedo también
¡Uh que bueno!
Yo creo que los Turf , de entrada el público o la crítica… quiero decir, los Turf transmitían una imagen mucho más superficial de lo que es. o sea, había más talento de lo que aparentaban ¿no?
Y lo que pasa es que queda todo por demostrar. Pensar en la posteridad es un mal negocio ¿no?

No tiene sentido.
Claro ¿no? Una cosa es pagar una casa en cuotas, y otra cosa es pagar las cuotas primero y tener la casa dentro de 30 años. ¡No vale la pena dejar para la posteridad! Creo que quedó con muchas cosas por demostrar, Turf era un buen grupo en vivo, y nos encontramos mucho. Lo que pasa es que ahora (Joaquín) está tomando las curvas con mucha velocidad.

Quizás siguió otros ejemplos
Que no se convierta en Ayrton Senna antes de ganar ningún título mundial, ¿no?

Y habando de deportes ¿Te gusta el fútbol? ¿Te gusta Riquelme por ejemplo?
¡Me encanta Riquelme! ¡Me encanta Riquelme! Ese tipo de jugadores me gusta mucho, y yo creo que Riquelme es como el más “barcelonista” de los jugadores de Argentina ¿no?

O “redondista" también.
Sí, como Fernando. Pero inclusive con más distancia, con más metros tiene una jugada Román, ¡me encanta! Y yo creo que el último mundial, yo lo vi en España, o sea, no veía programas argentinos, no escuchaba a (Roberto) Perfumo, nada. Lo ví en España y para mí Román era “el jugador”, o sea, casi todos los goles que convirtió Argentina los sirvió Román, o con un corner, o con un tiro libre, o con un pase de media vuelta ¡ es buenísimo! Y aparte no hay otro centrocampista acá que lo pueda suplantar. España tiene.

España tiene.
¡Si, claro! España tiene ¿no?

Iniesta.
Claro, o sea ni siquiera es Xabi Alonso, es Xabi o Iniesta.

A mí me gusta más Iniesta.
Sí , pero… Iniesta también sabe dar dos pases ¿no? Tiene una visión y una elegancia. Pero yo creo que el más parecido a Román es Xabi porque como que no necesita ni gambetear, necesita dos segundos para pensar, y a veces piensa antes de recibir la pelota.

Sí, la inteligencia en el fútbol…
¡La inteligencia total! Y aparte la gran revolución en el fútbol en España fue (Alfredo) Di Stefano, que decía: “para qué correr si con 3 pases ya está, ya podés poner la pelota en el arco contrario”. No hace falta correr, ¿no? (se ríe) la pelota va volando.

Claro, o por lo menos si van a correr que sepan calcular cuando no van a llegar, para ahorrar energías.
Da gusto ver jugar al Barcelona, es increíble.

Y la selección de España también.
Claro, porque la selección de España tiene dos defensores, y dos centrocampistas que es Pujol, y a Xabi, e Iniesta. Entonces… bueno también está Casillas ¡Es un groso! Los partidos que el debe el Madrid a Casillas…

No se le salen las casillas
(Se ríe) … No. Es tan importante el que mete un gol, como el que evita un gol, ¿no? El que influye más en el resultado es el que mete un gol, o el que evita un gol, y Casillas la verdad es que ayudó a ganar muchos partidos, o por lo menos a no perderlos.
Entonces está bien la selección española porque además la filosofía del fútbol en España era ¡la garra! ¡la garra! Contra Alemania, Inglaterra, Italia, Holanda, o Brasil con la garra no alcanza (se ríe) .Pero jugando parece que sí, ¿no?

Angel Cappa debe estar muy contento.
Angel es amigo mío. Yo no soy hincha, ¿viste? Envidio la fe y la pasión del hincha, pero no tengo un amor desbocado por los colores ¿me entendés? Ni si quiera sé ver un partido de fútbol como sé escuchar un disco, o ir a un concierto. Yo veo un concierto y entiendo hasta (gesticula) los músculos de la cara del músico, yo voy a ver un recital y…

¿Qué es lo que más te gustó de lo que viste en vivo?
Ver los conciertos que uno soñó.

¿The Mars Volta viste?
Mars Volta no, no los ví…tocaron dos veces acá (Argentina), pero nunca los ví.
Eh…muchos recitales me gustaron.

¿El regreso de Los Gatos?
Ah… el regreso de Los Gatos fue bárbaro...

Bueno, o qué banda te transmite esa química
Bueno, quiero decir…o sea…Keith Richard y los Stencil Huaynos tocando en un lugar chico. Tocaron en un lugar chico en Madrid, acá tocaron en Vélez, pero en Madrid tocaron en el lugar que tocábamos con Los Rodríguez, o Fito, o venían Los Cadillacs, el lugar se llama Aqualung. Y lo ví los dos días seguidos, y Keith Richard con Steve Jordan juntos… Keith Richard tiene un grupo negro en Nueva york, uno de los conciertos que más me gustó.

¿Año?
Yo creo que en la primera gira, cero que fue en la segunda mitad de los ’90. ¿Cuándo vinieron acá? Más o menos ahí, ¿no? Aparte que tenían todo lo que no tienen los conciertos de Los Rolling: la cercanía ¿verdad? Dentro de todo U2 o los Rolling bastante feeling le ponen a un estadio. O sea, consiguen que no parezca una enorme heladera.

¿A The Cure lo viste en vivo?
A The Cure lo ví en Glastonbury (Inglaterra) en el ’85, en ese concierto estaban los Soda también. Pero no estábamos juntos. Ellos estaban en algún lado y yo también. ¡Buena época! The Cure no tiene malas épocas. Sí los ví a los The Cure, me gustaron.
Marilyn Manson también me gustó mucho, John Spencer me gustó, y el último de AC/DC también me encantó. Cuando los veo siempre están filmando videos, porque los ví cuando hicieron No Bull en los ’90, y los ví acá. Y aunque en No Bull me acerqué más al escenario y los ví más de cerca, ésta vez me gusto más por momentos míos, estaba más tranquilo ¿viste? No estaba ansioso, y aparte me parece que Angus Yung es inclusive más constante todavía en su grandeza que Jimmy Page, ¿no? O sea, me da la impresión de que Jimmy Page tuvo momentos cercanos a dios, pero no duró eternamente. En cambio lo de Angus es hace como 30 años, y aparte… mirá lo que yo digo, todos los virtuosos: Satriani, Steve Vai, Van Halen descubrieron técnicas para hacer lo que hace Angus. Ellos hacen con yeite lo que hace Angus sin yeite.

Claro, exactamente.
Ellos inventaron trucos para hacer lo que hace Angus sin trucos. A Angus yo le ví la intensidad de un concertista clásico, de un Paganini, de esa inglesa que toca el chelo, esa intensidad. O sea, cada nota con sentido, con sensibilidad, y con sonido ¿verdad? Cero yeite. Y además cada nota suena bien, cada nota está afinada, y es la mitad más uno del grupo, ¿verdad? Y también esa importancia medio misteriosa del hermano mayor, tiene como un sonido más discreto pero ¡una intensidad! El es muy importante, pero por algo se apoya en el hermano.

¿Y sos de ir a ver muchos conciertos?
Muchos no, pasa que voy a conciertos de hace muchos años, suman mucho ya. Al final se suman muchos: ví a James Brown, vi a Ray Charles, ví a B.B. King cuando vino la primera vez, vi…. Bueno, yo creo que la primea visita de Iggy Pop, me parece que fue uno de los mejores recitales que vi en mi vida. El primero de Iggy Pop.

¿Estaba en un buen momento Iggy Pop?
Iggy Pop casi siempre está en un buen momento, cuando no está en un buen momento…no sé, ¡desapareció! Yo ya lo había visto justo cuando hizo “Bla, bla ,bla” , lo ví en Los Ángeles de telonero de Pretenders, ahora sería al revés. Pero acá (en Argentina) ¡estaba más liberado! Inclusive casi… parecía rubio, como con Los Stoggies, cuando vino acá.

Hay una escena muy linda en una película que sale él con Tom Waits.
Ah sí, ¡claro! Coffie and Cigarretes, ¡bárabaro!

Estuvo como muy divertida la escena.
El actuó en otra película de (Jiim) Jarmusch, en Dead Man.

¡Ah ¡, ¿En Dead man también está?
Sí, está como en una palangana. Hace mucho que no la veo.

Bueno con Jarmusch filmó Joe Strummer de The Clash.
Ah. Esa que ocurre en Memphis ¿no? Joe Strummer estuvo, ¡me encanta! Me hubiera gustado ver a Joe. ¡Una gran pérdida!

De hecho cuenta uno de los actores, Steve Buscemi, que ponía se nervioso cuando había actores muy importantes. Dice que nunca estuvo tan nervioso como cuando tuvo que actuar con Joe Strummer.
(se ríe) ¡muy bien!

Trasladando tu actividad musical a otras disciplinas ¿te gustaría algún director como Martín Rejtman?
No. A mí me gustaría que en España me descubran como músico instrumental. También hacer música para cine, me encantaría.

Bueno, ya lo has hecho.
Sí, lo que pasa es que en España solo me conocen como cantante.
Las experiencias que hice para cine fueron buenas, pero el cine es muy complicado, y se me complicaron un poco. No consiguieron ser completamente satisfactorias.

¿En qué sentido?
Nunca logré ver la película y decir: “esto es lo que quería hacer”, ¿no?

¿Eso si te pasa con las canciones?
Sí, con algunas canciones sí. Con algunas más que otras. Ahora para hacer Obras Incompletas volvimos a escuchar muchas canciones y me impresionan. El final del CD 2 con “No Tan Buenos Aires”, “Con Abuelo” juntas, “Ansia en Plaza Francia”, esas canciones están redondas.

Te quería preguntar por tu incursión con Pipo Cipolatti en la radio.
¡Genial! Me encanta la radio.

O tu columna en el diario Crítica, se percibe que sos un tipo conocedor de la música que te lleva a escribir desde otro lugar.
Lo que pasa es que para escribir no tengo distancias largas. Me gusta escribir pero no académico, escribo con feeling, o sea siempre que me piden que escriba sobre algún tema, escribo con feeling. No uso nunca la wikipedia ni el google.

¿Ni tampoco tenés vicios del lenguaje periodístico?
Ni sé cuáles son. También me gusta contestar los reportajes por escrito. Me encanta, porque contesto primero rápido, pero no es eso lo que voy a contestar. Después lo vuelvo a leer, borro todo y vuelvo a escribir, me fijo si repito palabras, las quito, las
cambio, si tienen demasiadas comas.

Y una vez que lo respondiste ¿Leés como salió la entrevista?
Bueno la última que salió el domingo pasado en Clarín, estaba muy bien.

Aparte es un ahorro para el periodista de no desgrabar.
Sí, yo sé que a los periodistas les gusta la experiencia, porque aparte les gusta contar cómo fue, ¿no? Cómo es la casa, el lugar. Pero la verdad es que yo creo que si hago una nota grabada, no es mía. Porque la nota va a ser escrita, no es para la radio. Bueno la de Clarín no es para la radio. Entonces el periodista que desgraba por ahí no entendió los nombres. Que se yo, una cosa es el arte de la conversación, con gestos, con palabras que no se pueden decir. En cambio el gesto y la palabra que no se puede decir, en escrito, no llega.

Tres partes de dos: Flopa y Juan Ravioli en Córdoba

2009-12-13T13:29:00.000-08:00

Show: Juan Ravioli y Flopa.

Lugar: La Fábrica.

Ciudad: Córdoba.

Fecha: Trasnoche del 11 de diciembre, 2009.

Por Guillermo Romani.

Foto: Fabricio Álvarez.

Iniciada la trasnoche del viernes 11 de diciembre, en la ciudad de Córdoba se presentaron, en complicidad musical, Juan Ravioli y Flopa (Florencia Lestani) en formato acústico y ante un puñado de público que disfrutó de ambos, por separados, y en conjunta intimidad hacia el final.
El primero en presentar sus canciones, empuñando su guitarra negra y acústica, fue Juan Ravioli, el autor e interprete de los álbumes Canciones para la juventud vol.1 y 2; quien repasó canciones de ambos discos con gran presición; aunque se confesó algo nervioso por su primera presentación la capital cordobesa (en mayo -2009- del corriente Ravioli pasó por Córdoba y se presentó con el ciclo itinerante Poemas y Canciones, en las localidades de Río Ceballos y Villa María, junto A Pipo Lernoud, Esquizodelia, Hernán entre otros).
Para la ocasión Ravioli desenfundó canciones propias con naturalidad, y se redujo a un solo instrumento ( el músico se desempeña en varios instrumentos.).
Luego del primer tema el cantautor se dirigió al público presente con un tímido “gracias”, que daría pie a su presentación:”…Soy Juan Ravioli, y estoy muy contento de estar en Córdoba…”. Tras despojarse de sus lentes ,y al cabo de tres canciones, Ravioli presentó un momento “zoo” con las canciones “Siete vidas” y “Perro de casa”, ésta última en clave de blues tenso y exquisito; ambas inspiradas en los avatares de la vida animal, de gatos y perros.
El músico también interpretó canciones de amigos como Ariel Minimal: “…Esta canción es lo más parecido a un tango, que toqué en mi vida. Es de Ariel Minimal y Fabián Casas…” disparó, previo a darle rienda a “Buscando aquel martillo de Thor” (de Un Hombre solo no puede hacer nada – Ariel Minimal -) de tono arrabalero, que preparó el final que devino con “Son días felices”, el corte del volumen 2.

Apenas con tiempo para ir al baño, a la barra, en busca de un mozo, o encender y terminar un cigarrillo, subió al escenario Flopa, de muy buen humor y con sus canciones dulces, fuertes y graves.

Flopa repasó canciones de varios de sus discos, y regaló inéditos como “Lástima”, con humoradas entre tema y tema. Promediando el show, y siempre con su guitarra de cuerdas de nylon tensas y su garganta venosa, entregó versiones acústicas de canciones como “Vengas conmigo”, que dió lugar a “La rabia”, de su disco Emoción homicida. “Debajo del álbum blanco”, del álbum junto a Manza y Minimal (Flopa manza minimal), se inició luego de que la cantante bromeara: “…está se la robé a Van Morrison”, generando la soltura de la risa entre el público, que se mostró respetuoso, contemplando en silencio, y explotando en aplausos al término de cada canción. Para concluir Flopa interpretó “Germinar”, de su autoría, tras haber complacido algunos pedidos del público.

Luego de un breve impasse Flopa y Ravioli se hicieron presentes juntos para regalar el tramo cooperativo de ambos: cada cual con su guitarra entonaron las canciones más potentes de la noche como: “Abrazo impacto” o “Esta canción va a terminar mal”.
El final también trajo sorpresas, y trajo el recuerdo: “Hace poco fuimos a ver a Spinetta y vamos a hacer una versión libre de "Elementales leches” de Invisible”, comentó Flopa que se había disculpado con el público ( de a su derecha) por haberle dado la espalda en algunos momentos en los que la comunicación visual con Ravioli lo requirió. Bien acústica y poderosa fue la mirada sobre el tema de Spinetta.
Los músicos deleitaron con sus juegos de voces (o arreglos vocales), demostrando concentración, compromiso y goce. La despedida final fue con “Sonajeros”, un hit escondido y fogonero con autoría de Flopa, de esencia acústica como la que acompañó a la noche en la que una inmensa minoría (in crescendo)prefirió y disfrutó de Juan Ravioli y Flopa, antes que otra cosa.

Corte y confección de canciones: Coiffeur.

2009-12-11T08:54:00.000-08:00

Disco: El tonel de las Danaides.

Artista: Coiffeur.

Año: 2009

Sello: Estamos Felices.

Por Guillermo Romani.

Coiffeur es no es otro que Guillermo Alonso, un muchacho del oeste bonaerense que acuna canciones despojadas y profundas. El tonel de la Danaides es su tercer disco y cuenta con doce tracks de los cuales, uno es la introducción al disco y la otra el cierre del mismo y dan prevalencia a las diez canciones del medio.
Este cantautor sensible sumó otro tipo de ingredientes a sus composiciones y se rodeó de un sonar más de cámara (con el agregado de cuerdas, oboe, corno inglés, piano, violonchelos), que mixturó con efectos mínimos. Las cuerdas suenan direccionadas y arregladas por Pablo Grinjot y su vasta experiencia en el asunto.
Instrumentos del mundo clásico, siempre con guitarra y voz al frente, recrean atmósferas profundas, acariciadas por la voz de Alonso y la brillantés de precisos armónicos generando aperturas tonales.
Impecable es la utilización de los silencios, que acentúan y dan carácter a canciones como “Animalada”, de sempiterna influencia de Spinettiana.
La sensación provocada por la utilización del corno Inglés le da amplitud sonara a este disco de letras intensas, de gran peso filosófico: desde el título del álbum se nota un guiño al origen de Medio Oriente, o al inicio de la mitología latente en los libros y en los nombres de algunas regiones actuales del mundo (Las Danaides es como se conocen a las 50 hijas de Dánao, rey de la región de Líbia y hermano de Egipto). El tonel de las Danaides poseé fuerte tratamiento en los textos de las canciones, generando una poética de carácter, que lo hace contrastar con su sonar más despojado y suave.
“A los tumbos” es el inicio luego de “intro” y nos propone un sendero algo surrealista por momentos y algo existencialista también, tornándose más pendular hacia el final.
En cuanto a la ejecución de los instrumentos, es excepcional, la tonalidad de la voz de Coiffeur, hace recordar a la voz de David Lebón en sus canciones de los años setenta.

El Tonel de las Danaides muestra y reafirma la ola de nuevos compositores con tono popular, que se convertirán en el revés para el mainstreim de rock. La Grabación la mezcla y la producción estuvo a cargo de Mariano Esain y Juan Stewart, la masterización fue de Eduardo Bergallo.

Datos de interés

Coiffeur: voz, guitarras.
Ana Paulin: viola.
Pablo Grinjot: viola.
Julián Peña: violencello.
Maxi Schonfeld: oboe y corno inglés.
Juan Stewart: piano.
Sebastián Kramer: otros efectos.

Compuesto por Coiffeur.

Arreglado por Pablo Grinjot.

Grabado en Ion y El árbol.

Producción: Mariano Esain.

Mazterizado en Puro Mastering por Edu Bergallo.

Arte: Carla Gnoatto.

Entrevista a Ricardo Iorio.

2009-12-08T16:26:00.000-08:00

"Babasónicos son mis amigos, los quiero y ellos me quieren"

Ricardo Iorio es conocido por ser pionero del heavy metal argentino; integró en el comienzo de los ’80 V8, primera agrupación de metal pesado en Argentina, luego de disolverse el conjunto formó Hermética, grupo que rozó la popularidad y a principios de la década del 90, cuando estaba llegando su pico máximo de audiencia fue disuelto, para finalmente llegar a la masividad con su actual cuarteto, Almafuerte.
En una entrevista que nos concedió hace algunos días, Ricardo habló de diferentes temas. Al término de la misma, nos invitó a quedarnos para conocer nuestros quehaceres, y para que conozcamos más de cerca su mundo y sus momentos previos al show.
Es quizá un tipo políticamente incorrecto, pero a sus opiniones en muchas ocasiones no hay que tomarlas de forma literal, sino que se deben leer entre líneas, en algunos casos son en broma, en otros son dichos fuertes. Sea como fuere, nuestra función es llevar la palabra de los artistas a nuestros lectores manteniendo la fidelidad con que fueron dichas. Esperamos lograrlo.

Por Fabricio Álvarez, Santiago Ramos y Guillermo Romani.

Fotografía: Fabrico Álvarez.

Aparte de escribir canciones ¿Sos de escribir otras cosas?
No

Hace un tiempo estuvimos con un artista de folclore de acá, Raly Barrionuevo…
¿Cómo?

Un artista de folclore radicado acá en Córdoba , pero es de Santiago del Estero…
¿Cómo se llama?

Raly Barrionuvo, estuvo tocando para pueblos originarios del norte argentino y nos contó que le llamó mucho la atención cuando estuvo ahí, que había mucha gente con remeras de Almafuerte y con tu cara ¿Por qué creés que has tenido tanta llegada a los pueblos originarios?
Porque desde hace muchísimo tiempo yo escribo cosas que son totalmente diferentes a las del “Rauli” Barrionuevo. Aparte no tengo un sello como el que tiene el “Rauli” Barrionuevo, ¡vaya saber a quién se coge!

Con respecto a los sellos ¿Por qué sello estás difundiendo tu música? ¿Es un sello propio? ¿Cómo lo armás?
No, no, sello propio no. Distribuidora, Distribuidora Belgrano Norte, nosotros hacemos los discos y los distribuye la distribuidora. Hemos tenido contrato con alguno, pero… escuchá amigo ¿vos sos hijo de desaparecido?

No
Entonces no va a triunfar tu entrevista.

¿No va a triunfar qué?
No va a triunfar tu espacio en Internet.

¿Por qué?
¡Porque si no sos hijo de desaparecido, no sos nadie en este país, loco! Uno de los únicos países donde los que perdieron la guerra escribieron la historia. Ese “Rauli” Barrionuevo no sé porque lo ponen en las AM, a mí nunca jamás me ponen una canción, debe ser que ser criollo y argentino debe ser una cosa mala.

¿Para vos que significa esa nacionalidad? ¿Tener una unión total Nacional? ¿Ves al país muy dividido? ¿Por qué decís eso?
Porque se han olvidado de que ser criollo y argentino es razón para no temblar. Eh... este.., ¿cómo veo al país? No importa porque yo soy músico, no soy diputado.

Pero por ahí viste que los músicos tienen una visión que al resto de la sociedad le cuesta un poco más ver ¿Vos creés que los artistas tienen una visión más amplia de la cosa que el resto de los ciudadanos?
Para nada. Ningún hombre tiene la verdad y ningún poeta sabe algo más. Lo único que sé es que siempre hay que crear un mundo nuevo. Aparte una persona que gana fortunas robando con el rock, no creo que tenga ningún parecer positivo del país mas que el personal.

O sea que hay una analogía entre lo que es la política y el rock…
No, yo no creo, por eso les doy mi parecer porque no soy diputado. Me puedo emborrachar porque a mí no me votó la gente.

Claro, de tu vida privada vos podés hacer lo que quieras.
Ahí metiste el dedo en la llaga con ese “Rauli” Barrionuevo, es amigo tuyo ¿no?

No (risas). Era un parecer, él estaba de acuerdo con tu música.
Si hubiera estado de acuerdo con mi música, hubiese venido algún día a darme la mano.
¿Es autor o mero intérprete?

Es compositor, compone canciones.
Cantame una haber…

No. No me voy a poner a cantar delante de un cantor porque sería una falta de respeto
Era para saber si la sabías. (un asistente de Iorio le advierte: “es comunista Ricardo ese”, Ricardo le responde: “debe ser”) Siga, otra pregunta. No se tomen a mal que yo sea así, es que yo tengo la voz así (ronca), y mucha gente cree que porque tengo la voz así, soy malo.

¿Qué creés que aporta tu mensaje en tus canciones? Teniendo en cuenta que hay una conexión muy fuerte con lo que es lo originario ¿Cuál es el mensaje extra que tiene tu música y no se encuentra en otros cantores que pueden ser de folclore?
Que hace que muchachos como éste (indica al asistente), que son de los indios Ranqueles, puedan salir de su pueblo por primera vez con el motivo de venir a ver a Almafuerte; pibes de La Pampa, les da ganas de salir y conocer al rock por ese lado, juntarse. Por ejemplo: vamos a bailar, y hay un grupo de muchachitos, y vos venís solo. No te invitan a tomar una cerveza, es más, capaz que te cagan a trompadas si te caés al piso. En vez con el heavy, con esta onda del rock de Almafuerte, viene un muchacho solo y le dicen: “vení loco, tomate una cerveza”.

Una fraternidad.
Influye mucho la familia, dan ganas de tener hijos, familia y de ser un ¡Pater Family!, ¡macho proveedor!, es muy fácil decir “yo tengo hijos” ¿Sí? ,¿y dónde viven? “uno vive con mi suegra, con la abuela”, así cualquiera. ¡La meto en un hormiguero y hago flexiones!.

¿Por qué razón decidiste dejar de lado el bajo y pasar a cantar? ¿Tiene que ver con una gestualidad tuya a la hora de interpretar?
Porque uno va cumpliendo sueños en la vida, mi sueño era ser ese, y ya lo fui. Hay que darle la oportunidad a otro. Aparte me complicaba, no me sentía pleno, o hacía una cosa o hacía la otra, así que me decidí por cantar porque soy el que escribe. Aparte he tenido muchos problemas de salud por tocar el bajo y cantar.

¿Por qué?
y… tendinitis. Porque la cabeza de uno tiene que estar pensando en la letra, pensando en lo que tengo que tocar y es bastante complicado.

¿Durante cuántos años estuviste tocando y cantando?
25 años más o menos.

Sabemos de tus acercamientos a otros músicos para generar nuevas canciones, como en el caso de Peso Argento (disco grabado junto al bajista de Los Fabulosos Cadillacs, Flavio Cianciarulo), y sabiendo de la existencia de otros músicos que son comprometidos con los pueblos originarios como es el caso de Rubén Patagonia ¿Alguna vez pensaste en la posibilidad de hacer algo juntos?
Ya lo hemos hecho, ¡ya hice mi película pero no la vio nadie, loco! Yo hice canciones para Rubén Patagonia, ¿Qué más querés que haga?

No nada, si tenías el deseo de grabar un disco a dúo con él, como lo hiciste alguna vez con Flavio.
No, no lo pensé. Prefiero más tenerlo en mi casa a Rubén comiendo unos ravioles y viendo “El último de los mohicanos” que hacer eso.

Con respecto al disco de versiones que hiciste del rock argentino (Ayer Deseo, Hoy Realidad) en el cuál hay temas de Pescado Rabioso, de Miguel Abuelo, etc. ¿Por qué a ese disco decidiste no presentarlo en vivo?
Porque… porque no.

Y con respecto a la elección de las canciones de ese disco, nos parece que hay algunas que son un poco más fuertes, como las de Pescado, Color Humano, Pappo, Billy Bond, y la poníamos en diferencia con “Mariposas de madera” de Miguel Abuelo que en la esencia es una canción un poco más suave ¿Por qué esa decisión?
Interpretando esas canciones muestro a la gente que escucha esas canciones mi manera de cantar. Aparte mi alma sabe la verdad y es mejor que esté callada.

¿Y te inspiró solamente el mero hecho de que la gente se entere como vos podrías interpretar esas grandes canciones?
Sí, grandes canciones que jamás fueron difundidas.

Eso también, trataste de seleccionar las canciones que no son un clásico.
Las que me gustaban desde chico. Desde chico soñé cantar algún día esas canciones, y lo hice.

Decías que habías cumplido algunos sueños como tocar el bajo, como cantar esas canciones ¿Qué otros sueños tenés ganas de que se realicen?
Eh… es como cuando uno quiere jugar un número a la quiniela, si te lo digo, no sale. Tengo otros sueños que nada tienen que ver con la música.

¿Y a nivel musical cuáles serían los proyectos que tenés en mente ahora? ¿Hay idea de disco nuevo?
Tenemos para hacer un disco nuevo de Almafuerte, tenemos la música, estoy escribiendo. Se me hace muy difícil escribir lo que siento porque si te quieren lastimar, no te van a matar a vos, van a matar a los que vos querés. Llega un momento en que no me dan ganas de escribir más, ni de cantar más, tengo miedo de que un amigo venga y me diga: “eso no es lo que vos pensás”, por eso mi alma sabe la verdad y es mejor que esté callada.

¿y cuesta mucho el trabajo de elaboración de las letras?
Y cada vez cuesta más si uno no quiere repetir.

Digo el trabajo del texto y la métrica.
Nunca fue un problema para mí.

¿Cómo lo lográs a eso?
No tengo ni idea. Se llama intuición.

¿Salen derecho o hacés correcciones?
No me gusta hacer correcciones, me gusta hacer las letras dos días antes de entrar a grabarlas, y que a mi mismo no me de la oportunidad de corregirlas.

Te probás a vos mismo.
Sí. Generalmente cuando escribo me levanto a la mañana y las quemo. Si no las quemo yo, las queman las personas que me quieren porque me dicen: “esto no podés decirlo”.

Vos decías que preferías que tu alma permanezca callada para no repetirte ¿Nunca pensaste como una opción reforzar algunas cosas que ya dijiste?
Tomemos como punto de partida de esta conversación que esto es un entretenimiento. No inventé la cura del Sida, si la gente me aprecia es porque ve en mí la puesta en marcha de un ser humano autodidacta. Por supuesto que si yo quisiera estar en el negocio de la música no escribiría estas barbaridades que escribo, la prueba está en que al “Rauli” si lo pasan en el programa de Víctor Huigo (Morales), y a mí no, teniendo 35 años de carrera. ¿Qué me gustaría? Me gustaría que adviertan que lo mío es folclore.

Y con respecto a la vestimenta de las canciones, vos tenés un acercamiento al folclore ¿Por qué elegís vestir a las canciones con una música más potente?
Porque patria no es otra cosa que saber cual es el nombre del árbol que está plantado en la vereda de tu casa y el nombre del pájaro que se posa en esa rama a cantar, para mí patria es eso. No estar afiliado a un partido, o ir a cortar una calle.

No necesariamente sentís que tenés que cambiar un formato musical a una guitarra criolla.
Tenemos muchas canciones con guitarras criollas.

Sí, sí pero por lo general tu música es más contundente.
Porque contundente es el tiempo que vivimos, a mí me daría vergüenza salir a hacer esas payasadas como hacen Los Nocheros, (parodia a los nocheros) “mamá, mamá”, ¡háganse la paja hombre grande, deje de llorar! (sic)

¿Tenés artistas de folclore que no hayamos mencionado aquí que te gusten?
José Larralde es el más grande

Bueno sí, José ya sabemos que te gusta ¿Y otros?
Ignacio Corsini, Nely Omar, todo lo que no se pasa en la radio.

¿Y por qué lo que vos creés que es bueno no se pasa en la radio?
Porque muere despacito la tradición campesina… y hay intereses creados. Hace 30 años las empresas fabricaban cosas necesarias par el ser humano, hoy inventan necesidades, entonces un chico que ve una propaganda donde 15 boluditos (sic), que sabemos que no tienen acceso al dinero, andan con un súper celular, ese chico va al papá y le dice: “papi quiero el celular”, y el papá le dice: “no te lo puedo comprar” y ¿Sabés que dice el pibe? “¡sos un looser!” .

Sí, como una necesidad ficticia.
Si las galletitas Criollitas estuviesen realmente fortificadas con calcio y minerales, ¡se acabó el hambre en el Chaco pibe!, si el yogurt Danonino realmente tuviese vitaminas, ¡se acabó el hambre en África, loco!

O por lo menos lo repartirían en las farmacias o en los hospitales.
Lo mejor de andar por el mundo es darse cuenta de lo que nosotros acá creemos como cotidiano, no lo es. Hay países como Ecuador donde nadie nunca probó un vaso de leche, y jamás tomaron yogurt; desayunan con cueritos de cerdo y unos garbanzos y unos maíces. Y la particular indiferencia que tienen… ¿viste que estamos –hace una imitación- latino’ latino´? Lo que más nos haría parecer a los latinos sería que la gente pueda vender comida en la calle, y no hay porque tenemos un concepto de que lo que se vende en la calle es sucio, y a nadie le gusta tener estudios y que uno que no tiene estudios gane más que vos. No hay universidades, ni facultades, ni escuelas de comercio de cómo se hace para vender algo.
Ni siquiera hay escuelas donde te enseñen a chupar la argolla.

Sí, que generaría un placer mucho mayor.
No sólo placer, sino que no habría tantas separaciones. ¿Cuántos años tenés vos?

Yo tengo 27.
¿Y a que edad vas a tener un hijo?
y…

¿vos cuántos años tenés?
28

¿Y a que edad vas a tener un hijo?
No sé.

Te voy a decir algo: cuando vos tengas plata y tengas un hijo, te van a invitar a la fiesta de entrega de boletines y todos los compañeros de tu hijo se van a reír de vos porque ¡el papá es un viejo, loco!

Igual hay una tendencia actual a tener hijos con mayor edad, no como en otros años en que a los 20 años ya tenían hijos.
No. La tendencia no es esa, la tendencia es a seguir siendo adolescente a los 28 años porque vivís con papá.
(imita a un adolescente) “¿Para qué me voy a casar si en casa de mamá estoy bárbaro? tengo agua caliente, tengo alimento, ¿eh?”

Sí. Los que tienen esa posibilidad, porque hay gente que no.
Uno labra su propio destino, hay personas que les preguntás: “¿Tenés trabajo?”, te respondén: “no” , ¿y con De La Rúa tuviste trabajo?, “no”, ¿Y con Menem tuviste trabajo? “no”, ¿y con Alfonsín tuviste trabajo?, “no”, entonces no. Mis canciones hablan de eso, de ser pater family, macho proveedor.

¿Y podría haber una relación en esto de que vos hablaste, con la radio, que se inculca desde ahí esa tendencia a alargar la adolescencia?
Hay muchísimos muchachos trabajadores que toman el camino del trabajo, todos estos que me vienen a ver a mí. Tres mil, cuatro mil personas a un conjunto que no está en la radio, no tiene difusión, no se baila. Vino un japonés la otra vez, un pibe japonés haciendo un intercambio, y le dice un amigo: “ese canta como hombre” (refiriéndose a Iorio).

¿Y qué par tuyo pensás que puede estar dando un mensaje como el que vos estás dando?
Javier Martínez hace 40 años. Y tampoco lo pasan en la radio.
Nos hemos independizado hace apenas 200 años de España pero seguimos escuchando a David Bisbal y a (Joaquín) Sabina ¡como si fueran unos campeones!, para mí ¡Sabina es un hacedor de lesbianas!

¿Pero no te parece que es valedero que un artista como Sabina, se supone europeo ponga su ojo, más allá de lo comercial, en Méxio o Argentina?
¿Vos sabés por qué Hitler mató a los judíos?

No
¡Porqué no conocía a los mexicanos, loco! A mí no me vengás con los mexicanos, Café Tacuba y todos esos soretes (sic), a mí no me va.
Cuando yo escucho (José) Larralde y voy manejando por las llanuras de mi país, se me ensancha el corazón porque habla del país que estoy rodando. No es Bob Marley, fijate que a los que le gusta Bob Marley son como ustedes; no quieren tener hijos, quieren vivir en la casa de papá. Capaz que hasta hacen música de Bob Marley y no fuman marihuana.

Está de moda le reggae también, últimamente se ha masificado mucho.
¿Sabés porque se inventó el rock and roll?

¿Por?
Porque no saben tocar la guitarra como los guitarristas de (Ignacio) Corsini, que es lo que el criollo hizo con la guitarra del español.

Creó una manera de expresarse con ella, no copiando suponte la rumba.
Sí, hay mucha gente que escucha Estopa, Café Tacuba, etc. Después habla de la independencia.

¿Y sos de leer esos primeros escritores gauchescos, por ejemplo Hidalgo?
No.

¿Las primeras revistas Caras y Caretas?
Sí, soy muy lector de la batalla del Ejercito Argentino contra el nativo originario, vivo en un lugar de nativos originarios. No sé si me vieron en la televisión cuando Alberto Rodríguez Saá les devolvió 50.000 hectáreas.

Ah sí, yo soy de San Luis.
Yo también. ¡Yo soy de San Luis porque quiero!, y vino uno y me dijo: (hace una parodia con la voz) “¿Loco no te gustaría ir a la playa?” ¡yo hago lo que quiero!, si estoy en San Luis es porque me gusta San Luis, nadie me va a decir lo que tengo que hacer.

¿Querés tener alguna relación con la naturaleza? Recién hablabas de los pájaros, los árboles, estás haciendo una vida más gauchesca.
Hace 10 años que yo vivo en la inmensidad de la pampa argentina, 10 años. Tenés más experiencia con el rigor del campo que uno que estudió 4 años pa’ ser maestra, que es una salida laboral, lo mío no es una salida laboral, es cumplir el sueño que tuve de chico. De chico pasé por ahí y dije: “cuando sea un hombre voy a vivir acá” , y el otro día estaba regando unas plantitas en mis soledades, y en la radio decían: “Enanitos Verdes emprenden una gira por Estados Unidos”, ¿y yo sabés que me dije? "yo tengo estos arbolitos, no puedo hacer una pirámide", pero muchos muchachos pasarán en el futuro y dirán: “éste es el monte que hizo el loco Roicardo Iorio”. ¿Qué hizo Ricardo Iorio? Y plantó unos árboles de fruta para que una criatura agarre ciruela y se la coma.
Ahora te digo un poema de José Larralde (se para, pone voz de gaucho, interpreta la escena con gestos): “Yo me he pasado la vida sacudiendo las ramas, caían las podridas, las sanas quedaban. El hombre y la fruta tienen comparancia, pero el hombre muerde y la fruta calla, la panza digiere y la forma de redondo a chato y de chato a sabia y vuelve la fruta, y vuelve el hombre a querer tomarlas, ¿yo? Yo me he pasado la vida sacudiendo ramas, caían las podridas, ¿las sanas?, las sanas quedaban”.

Habla de la vida, de la naturaleza. Y con respecto a que vos decís que estás plantando ¿Qué opinión te merecen estas leyes que se van a implementar sobre los bosques nativos?
Un señor grande vino y me dijo: “Ricardo, usted que es un hombre inteligente ¿Quién hizo las pirámides?” Le digo: “los hombres”, me dijo: “¡no, cuando no existían los delegados ni los sindicatos!” .

O sea que vos confiás más en la gente que en una ley que pueda ayudar.
¿En la gente? Soy solo, loco.

¿Pero no te sentís bien cuando decís que te van ver dos mil o tres mil personas? ¿No sentís que esa gente tiene que ver con vos?
No, porque puede haber 50 e igual voy a cantar. Porque, ¡corazón que no canta, corazón que revienta! No sé qué canto cantará el hombre que no conoce amargura, yo sé que mi canto es tristón en vez de ser preciosura, pero sigo la huella del pecho, en eso he dedicado mi vida a esto y quiero ser ejemplo vivo de lo que soy.

La pregunta tenía una relación con los dichos de (Alejandro) Dolina en su programa que afirmó que la gente que lo escucha en cierto modo se le parece. Hay una interacción.
Pasa que vos lo observás hoy amigo, yo tengo 35 años haciendo esto, y mi papá no era "tira bombas", no soy hijo de desaparecido, así que lo mío es más difícil. Tampoco enarbolo las banderas de Cuba ni del Che Guevara, yo digo en mi canción: “prefiero a José Larralde que al Che Guevara”, prefiro a Babasónicos, es más, a Miranda! Que a Arjona. No sé si se dieron cuenta que Babasónicos tiene bajo, batería y guitarra. Esos son mis amigos, y los quiero y me quieren. Y son compañeros de trabajo, Kapanga está por sacar un…

Hay un rumor de que Emanuel Horvilleur está por grabar un tema de Hermética
¿Quién?

Emmanuel Horvilleur.
¿No me digás?
Yo a Emmanel lo conozco de muy chiquito porque el papá fue un gran fotógrafo, y me ayudó cuando yo era muchachito y empecé con Hermética, el vino y me sacó las fotos gratis, solamente porque vio en mí, talento, que no es otra cosa que el tiempo que uno invierte en hacer lo que quiere, eso es talento. Muchos dicen: “sos un genio”, no. Tengo genios, y aparte soy un loco muy bravo, hermano. Jamás me verán cruzado así de piernas (nos indica a nosotros).

Pero respetas al otro, decís: “Se vos nomás” en una canción.
Pero “Se vos” dice cumplí los sueños de niño. Cumplir los sueños que uno tuvo de niño es la felicidad, es la libertad. Hay mucha gente que dice: (hace una parodio con la voz) “¡el imperialismo, loco!”. ¡Mirá History Chanell y date cuenta que siempre hubo Imperios! ¿Qué quieren inventar? Primero hay que ir a trabajar, después vemos. Si yo te doy un trabajo a vos y en 10 años no tenés bienes y posesiones, es que tenés un problemita en la zapiola (sic). Hay un proverbio español que dice: “si a los 20 no fuiste valiente, y a los 40 no sos rico, ¡catalógate de burrico!” , yo soy rico porque lo que soñé es lo que hago.
Esos sueños que uno tuvo de chico, cuando jugaba con los cochecitos en la arena, o lo que uno quería ser de chico: poder mantener con rebeldía, porque todos te van a decir: “¡dale pelotudo!, ¿qué querés ser?, ¿veterinario?”, uno quería ser bombero y termina siendo contador, ¡por algún lado va a reventar!
El dinero no importa. Ponele: si nadie compra mi disco ¿voy ha hacer un piquete yo en la puerta?

Supongo que no.
Si querés ser maestro, se maestro.

¿Y si fueses maestro que harías?
(dice en chiste) ¡Me cogería a los chicos! No creo que haya artista dentro de la música que sea tan querido por los chicos, vengan esta noche al concierto y vean cuantos nenitos vienen a traerme la cosa de la comunión ¿Por qué de la comunión? Por qué yo soy el perro cristiano.

Se nota aparte de eso, que a los recitales de Almafuerte van muchas familias: esposo, esposa, hijos.
Sí, van la esposa y el esposo porque cuando tenían 14 años iban, y se casaron con eso, es como una tradición, como aquel que va a ver Talleres o Belgrano. Ahora, cuando salen campeones : ¿qué te van a dar?, ¿el crédito para una casa?, ¿una cucharada de remedio? ¿qué te van a dar? Bueno, dice Javier Martínez: “mientras otros nos vacían los bolsillos, nosotros matamos por un gol”.
En ese instante, un fan de Almafuerte que se dirigía al concierto del grupo, sin darse cuenta choca la silla de Iorio. Entonces éste se levanta y lo saluda: “¡Eh chocame la silla, y si no te alcanza comeme el corazón, mono!”.

¿Deseás hacer una reflexión para compartir con la gente más allá de tus canciones?
Eh…, mirá, las personas que observan, como éste muchacho (refiriéndose al fan), que no son muchachos ilustrados, es que yo soy el mismo en las letras que el que está acá sentado, y cuando pase usted por el medio del campo donde yo vivo, usted o su padre van a mirar pa’ dentro y se van a dar cuenta que ahí no vive un hippón dorgadito (sic) porque siempre me preocupo de cortar bien el pasto y de tener todo ordenadito dentro de mi humildad. Y yo dije: “¡porque acá hay un hombre!”, y hay personas que no les interesa que hay un hombre. A una cantidad de seres humanos en este país no les importa que haya gente. ¡El que no se enamora de adolescente va a robar y mata, loco! Y si yo tengo que ir a una fiesta esta noche ¡cómo te voy a dejar mi hijo a vos! Si vos no tenés hijo, querido.
¿Entonces sabés que hacemos? (se poné a cantar de manera paródica) “Es un oasis donde yo voy, que va a mi corazón, y no siento temor, se va, se va el dolor, ruge tanto ¡uh!” ¡Rugen los dientes del negro cañón!, y ¿Sabés qué? (vuelve a cantar en forma de parodia y nos indica) “Es el rock, rcok, rock, es tu forma de ser, y fueron juntos, y se borraron”. ¿Y sabés qué? ¡Eran todos putos! (hace una pausa) Ese soy yo.
Esos chicos que pasaron recién jamás se pensaron que El Loco Iorio iba a estar acá.
Seis mil personas pagaron para ir a ver un concierto y llovía loco, y yo iba por un costado de una ruta, se me había roto una rueda y por buscar a un ¡gomero hijo de puta!, ¡traga leche! Y los que se volvían a su casa decían: “¿Dónde estará el Loco Iorio?”, “debe estar en un yacuzzi con unas putas”, y era yo el que iba por la banquina, y ¿Sabés que me gritaban? Me gritaban ¡puto!, porque no creían que yo soy ese. Ahora bien, lo que vos creas de mí, es lo que vos crees, no lo que yo soy. Pueden pasar muchas cosas en mi vida, mas nunca me va a pasar que yo me quede tirado sin agarrar un alambre, sin ayudar, dar una mano, una gauchada a uno que está tirado. ¿Sabés qué? Jamás fui a Europa, pero no porque no tenía la plata para pagar el pasaje, ¡porque no me importa! Si voy a cantar a España me tienen que deportar porque voy y les canto ¡gallegos putos!, ¡gente sorete, traga leche! No es que no fui a Miami porque no tenía dinero, no. Conozco todo el mundo desde este mismo lugar. Viene una minita y me dice: “¿ay fuiste al Perito Moreno?” Para nada, si no vende ni cigarrillos ahí, boludo (sic). Lo vi de la televisión tirado en la cama.

Escuche por ahí que te gusta mucho ver tele.
Por supuesto, escucho muchas radios, radios que escuchan 6, 7 millones de personas donde pasan a ese que nombraste vos, a mí no. Me pasan por la FM esa que salís de circunvalación y ya no se escucha. ¿Internet? ¡Pero ni a palos me meto a pajiarme (sic) con esa estupidez!
¿Sabés por qué la gente manda mensajes de texto? ¡Porque no quiere hablar, loco!

Eso nos comentaba Ricardo Mollo también.
Tengamos en cuenta que tiene 17 años más que yo Ricardo Mollo, ¿viste?, porque sino metemos a todos en la misma bolsa.

Mollo también se quejaba de eso.
¿Por qué no lo hace en una canción?

"Besos por celular, las momias de este amor" dice en una.
Y en otra dice (otra vez hace parodia): “besame, besame, besame, date la vuelta y besame” ¿o dijo vamos a trabajar?
Se queda pensando en el fan que saludó hace un rato y dice: “ese chico nunca pensó que me iba a encontrar acá, se pensó que yo era una estrella de rock”.

Imaginate la emoción que se llevó el tipo a conocerte.
¡Emoción te vas a llevar vos puto! ¿Cuándo te dio una nota quién? Andá hacele una nota al “Rauli” Barrionuevo y ponela, después cuando vos pongás esta garcha vas a ver cuantos te llaman. ¡Vos te vas a llevar la emoción!, si vos viniste acá pensando en que yo no te iba a dar nada. Mucha gente viene a verme y se cree que me van a encontrar con una mansión como la del Puma Rodríguez en Miami.

Van a tu casa a visitarte.
Hay que ser muy guerrero para ir a donde vivo yo. Y te dicen: “loco ¿cómo te vas a quedar acá?” Es mi sueño, no es que yo estoy ahí porque la prima del cuñado heredó una carnicería y la fundieron y la heredé.

Sol Pereyra y su “BLA BLA BLA”

2009-12-07T21:15:00.000-08:00

Disco: BLA BLA BLA.

Artista: Sol Pereyra.

Año: 2009

Por: Fabricio Álvarez.

Sol hace su debut a puro: bla, bla, bla.

La integrante de Los Cocineros, presenta un álbum con once canciones. Once historias de amor. Once mujeres que bailan entre rasgos neuróticos: obsesivos e histéricos, casi siempre empapados en humor. Plagado de situaciones cotidianas, sensaciones de amor y dolor que coquetean con lo caricaturesco.

Letras vervorrágicas, intensas, abrigadas en secuencias electrónicas con acento pop; sin pasar por alto otros estilos musicales: rock, reggae, hip hop, etc.

Los arreglos de viento que pasean a lo largo del disco le dan un toque de identidad y consistencia.

La producción artística estuvo a cargo de: Sol Pereyra, Silvano Zetina, Leandro Rossi y Eduardo Bazán salvo, “No hablo de amor” que contó con la participación de Pepe Céspedes y Oscar Righi (Bersuit, De Bueyes).

El caudal lírico de las canciones por momentos llevaron a Sol a rapear más que a cantar, eso está explicito en “Bla Bla Bla”, el primer tema del disco: arpegios escondidos en una secuencia donde se destaca el groove del bajo mientras aparecen algunas guitarras estilo funk. La canción te lleva un estribillo pegadizo, Sol dispara “(…) vos ves que lloro sola y me querés en bolas”, acentuando la tendencia humorística. “Reggeatonta” y “Hace horas” también presentan matices de rap, esta última trae un ritmo mas nostálgico con sutiles arreglos de guitarras.

El reggae aparece en “Te fuiste”, una letra que parece rozar lo irónico, acompañada por una simpática melodía con marcados arreglos de vientos.

Presencia de balada pop en “El amor es así” y “Me olvide”, armonías albergadas por guitarras acústicas, letras que hablan del desamor con melodías bien logradas.

“Al día”, es uno de los puntos altos del disco, una letra optimista mirando el presente es acompañada de un collage de sonidos funcionales a la canción.

“Actos fallidos” gráfica la intención humorística del disco: “Corrí a tirarme en unas vías y ya no pasaba el tren” mientras un ritmo acelerado es acompañado por vientos en un segundo plano sonoro.

“Ella y el perro”, de las mejores canciones del disco cuenta con la participación de luz Pereyra y Andrés Clifford en voces.

Sol Pereyra debuta con un disco que habla del amor, a veces con crudeza casi siempre con humor.

Relacionadas: Entrevista con Sol Pereyra.

Entrevista a Sol Pereyra.

2009-12-06T14:59:00.001-08:00

“Me gusta generar cosas desde acá como para desmitificar esa idea que es imposible…”

Sol Pereyra volvió de su viaje por tierras mexicanas con un disco bajo el brazo y muchas cosas para decir, bien lo grafica el titulo del álbum “BLA BLA BLA”.
La trompetista de Los Cocineros hace un par de años empezó a trazar un camino paralelo a la banda para acurrucarse en sus propias composiciones.
Hace poco más de una semana el disco vio la luz, ella lo define así: “ son canciones de amor (…) Son letras con mucho humor, ironía, relacionadas con el mundo femenino”.
Cuando el mediodía se iba alejando lentamente, en un bar de Alta Córdoba nos juntamos con Sol para desglosar su disco debut que será presentado en forma oficial el próximo 19 de diciembre en 990 Arte Club.
De paso, nos comentó como su experiencia con Julieta Venegas le exigió nuevos desafíos y sobre los proyectos que tiene a futuro. En clave de humor, al finalizar la nota dijo que habló muchísimo y prometió que su próximo disco será instrumental.

Por: Fabricio Álvarez - Santiago Ramos - Guillermo Romani.
Foto: Fabricio Álvarez.

¿Nos podés contar un poco de que se trata éste álbum debut, (“BLA BLA BLA”) y qué diferencia tiene con lo qué venias haciendo con Los Cocinero?
En realidad, de antemano hubo una búsqueda de tener cuidado para separar un poco y tener otra propuesta musical.
Como en Los Cocineros también hago canciones, y no es que pueda ser tan versátil… tengo una tendencia a trabajar desde el humor, cosas que tienen que ver con las mujeres, y eso está en la mayoría de mis canciones por eso traté de que lo musical pasara por otro lado.
En Los Cocineros hay bata y bajo acústico, yo en éste disco hice un acercamiento al mundo de la electrónica, trabajé con secuencias todo lo que es la parte rítmica: bajo y batería.
Trabajé con Silvano Zetina, músico mexicano que viene tocando y produciendo música electrónica, él fue el productor de la mitad del disco, y a partir de ahí, ésta línea se continuó con toda la gente que se sumó a la producción en el resto del disco, eso le dio una cosa diferente a Cocineros, aparte de la voz.
La voz de Mara es muy personal y la mía va para otro lado porque tengo otra característica.
Los ritmos musicales del disco son variados: reggae, rock y también hay un coqueteo con el hip hop. Las letras son tan verborrágicas que naturalmente me llevaban más a decir que cantar. No fue que tuviera la intención de rapear pero se fue naturalmente para ese lado.

¿Cuál es el mensaje que querés transmitir desde ese caudal verborrágico?
Cuando escribo nunca pienso que es para que la gente reciba un mensaje. Escribo lo que me sale, tiene una cosa muy relacionada al presente, después que cada uno lo interprete como quiera.
Son letras con mucho humor, ironía, relacionada con el mundo femenino. Son cosas que a mí me impactan o me llegan. Lo que suelo hacer es agarrar una situación particular y caricaturizarla, me divierte hacer eso, son pequeñas historias, historias vistas de distintos focos: histéricas, más neuróticas, menos neuróticas… muy apasionadas… cada una tiene un personaje.
Es como si montara once obritas de teatro para mí, de hecho cuando las hice lo pensaba.
Quiero hacer once videos pero que todos tengan una línea en común. Son once historias de once mujeres.

¿Por qué le pusiste al disco “BLA BLA BLA"?
Por esto que te decía de lo vergorrágico…

Vos estás vinculada al teatro ¿no?
Claro, yo soy licenciada en teatro. Con la música y el teatro empecé a los diez años. Y al teatro nunca lo dejé.

Bueno en esta obra se puede vincular, vos decís que son once escenas…
Sí, sí porque son pequeñas historias.

¿Cuando escribís, ya estás pensando en la canción?
No, primero empiezo con un texto, me pasaba con canciones para Los Cocineros, una vez me dijeron que era imposible hacerlo canción. !¿Imposible!?, es lo peor que me pueden decir (risas). Inmediatamente me puse hacer la música…: “¡acá la tenés!”.
Por ahí un texto y después lo hago canción. O las dos ideas vienen juntas, o una melodía y después me pongo a escribir la letra.

¿Cuesta alguna más que la otra?
No, tengo épocas en las que me salen más fácil una cosa que la otra.
Pero si me trabo con al música voy a la letra y si me trabo con la letra me voy con la música.

¿Qué otros músicos te acompañaron en el disco?, ¿o fue en soledad?
Los productores oficiaron de músicos también. Silvano Zetina que es músico y productor de México, en las cinco canciones que hicimos juntos los dos tocamos todo. El armaba la secuencia tocó guitarras, teclas y el cuatro, la trompeta, el trombón y las voces las hacía yo.
También grabaron Mauricio Candussi, Andrés Clifford, Luz Pereyra, Pablo Fenoglio, Oski Righi, Pepe Céspedes, Eduardo Bazán y Leandro Rossi.

¿Fue una grabación muy fragmentada?

Tuvo tres procesos. La primera parte fue en mi casa, montamos un estudio de grabación. La segunda parte en Buenos Aires con los chicos de Anetol Delmonte que han tocado varias veces con Cocineros, dos de ellos, Leandro Rossi y Eduardo “lione” Bazán, hicieron las secuencias y la producción junto conmigo de la otra mitad del disco. Y hay otro tema que tuvo otro proceso en como se hizo, la producción de esta canción la hicieron: Pepe Cépedes y Oscar Righi, de Bersuit. Les di la canción, yo la grabé en mi casa con guitarra y voz. Ellos me preguntaron si podían hacer lo que quisieran y después que yo pusiera la voz, les dije que sí. Después en el estudio Del Cielito, me hicieron grabar como 30 tomas de voz, porque son muy minuciosos. Hicieron todo el armado de la canción en base a mi idea rítmica, pero le metieron todo ellos y yo sólo metí las voces

Vas a presentar el disco en diciembre ¿no?
Sí, el 19 de diciembre.

¿Con qué banda te vas a nutrir?
Vamos a ser tres músicos. La idea es hacer un formato bien chiquito, viste cuando vas a ver un power trío que vos decís “¡puta que bueno que suena y son tres nomás!”, generalmente son músicos muy virtuosos. En este caso los dos músicos que me acompañan tienen esa particularidad, son muy buenos músicos, de mi lado el virtuosismo no va a estar jamás (risas) , yo le pongo huevo, devoción y todo, pero virtuosismo no.
Vamos a tratar de hacerlo sonar entre los tres y las secuencias. Ya estamos probando eso, que suene potente y no que sea una cosa flaquita. Aparte ya me tiene cansado esa cosita flaquita acústica que todo es light, todo es suave. Estamos tratando de buscar eso, somos poquitos pero queremos que suene potente.

¿Qué formación instrumental va a tener el trío?
Y es una cosa bastante rara. Mauricio Candussi, que es también el acordeonista de Los Cocineros, va a manejar secuencias, teclas y coros, Ignacio Falco, integrante de “La Estazion”, toca la guitarra y canta , y yo en guitarra, trompeta y voz.
Después habrá voces invitadas, va a cantar Mara (Santucho), en otra Luz Pereyra que es mi hermana, Andrés Clifford que es también de Los cocineros, y dos vientos invitados.

¿Qué proyección tenés con este disco?, ¿pensás presentarlo en otros lugares?
Para el año que viene queremos presentarlo en Buenos Aires, ahora ya estamos muy a fin de año.
A finales de enero nos vamos a una mini girita por Brasil, hasta ahora está confirmada en Sao Paulo, y estamos esperando que nos confirmen de un festival en Recife (Brasil).
Y bueno llevarlo para donde se pueda. Eso está bueno de ser una formación chiquita.

Con respecto a tu participación en la banda de Julieta Venegas. ¿Te permitió estudiar de otra música más Latinoamérica que no tenga que ver con éste país?
Tenía que tocar varias cosas y pensé que iba a ser más equilibrado… de golpe me di cuenta que más que nada fui como trompetista y que tenía que ponerme más las pilas en cosas que yo no estoy acostumbrada con la trompeta.
En Cocineros yo me armo los arreglos hasta donde puedo. En cambio ahí te daban una partitura y te decían “tocá esto”. Entonces me tuve que poner al día, una exigencia más de sesionista que yo no tenía y no estoy formada para eso, pero a la vez estuvo buenísimo.

¿Vos no provenís de la academia?

No, mi formación más ortodoxa es desde el teatro. La música siempre fue más…digamos, hice talleres, empecé con la trompeta en la Academia Municipal con chicos de seis años yendo una o dos veces por semana, fueron talleres, una formación más autodidacta.Pero he tenido mis buenos maestros en la música, que me han acompañado en momentos y me han dado elementos para poder seguir sola.

¿Cómo fue tu última experiencia por México?

Después de lo de Julieta, fue como una mezcla. Aproveché la soledad para armar el disco. No lo toqué pero lo armé para el vivo, aprendí la cuestión técnica de las secuencias que yo no lo sabia hacer. Empecé armar el show, toqué con Natalia Lafourcade un par de veces y dirigí una obra de teatro…

¿Tiene una conexión tu disco con lo que hace Natalia?
A Natalia no la conocía. La conocí cuando estuvimos con Julieta, pero me encanta que esté eso de que haya cosas que se conecten con otros sin querer.
Me parece por una cuestión de mujer, de búsqueda de cosas, y si sentí una identificación en esa cosa de estar curioseando con ciertos elementos de la música. En ese sentido con Natalia medio que me pegué.
No sé si hay una línea común en lo musical, pero sí supongo que pueden cruzarse en varias cosas.
¿ Cuál es tu instrumento a la hora de crear?
La guitarra…

¿Y el cuatro venezolano hace cuanto lo integraste?

Básicamente con Los Cocineros. Hace diez años… antes no!

En realidad me lo había comprado un tiempito antes, pero lo empecé a usar con Los Cocineros.

A mi me gustaba mucho una cantante venezolana, Cecilia Todd, y la música venezolana: el folklore, yo sacaba las canciones con la guitarra. Después me dijeron que había un luthier chileno, Gilberto Zambrano que vivía en Córdoba y hacía el cuatro venezolano. Fui y le compré el primer cuatro, después me hizo varios, también me hizo un ukelele y es como mi luthier preferido, siempre acudo ahí.

¿Edén (disquerías)está distribuyendo el disco?

Lo de Edén esta buenísimo. Ellos empezaron a trabajar con La Mona (Jiménez), y muchos otros músicos de Córdoba y antes de irse a la mierda, como todas las disquerías, armó una propuesta para trabajar y editar discos de músicos independientes; te consigue precios de fabricación muy baratos, te ayuda a vender el disco, a distribuir si hace falta, no te hace un contrato, y te da una mano importante, te pone un código de barra, y una serie de cosas que hacen que el disco sea independiente pero en un marco más respaldado.

¿Por dónde está repartido el disco?
Salió hace una semanita. Yo pienso que va a estar por las provincias más grandes: Mendoza, Buenos Aires, Santa Fe, y estoy en plan de hacer una edición en México, eso está bueno porque ser independiente te lo permite.

¿Tenias idea que Lisandro Aristimuño está aceptando propuestas musicales.. tuviste hacer algún contacto…?
No, me enteré apenas llegué en una nota, pero no tenía ni idea…

¿Podemos decir que el disco es bien cordobés?

Sí, sí. Me gusta generan cosas desde acá como para desmitificar esa idea de que es imposible…

¿Cómo te vas a repartir con Cocineros y tu disco solita? ¿Vas hacer doblete?
Si hace falta hacer doble, vamos hacer doblete, es como una cosa que está muy bien hablado, el tema de las fechas, hablarse con tiempo, tratar de llevarla.
En caso de que uno de los dos proyectos trabajara mucho, se tomará un decisión….
Ahora me voy yo sola a Brasil, pero en marzo van a Los Cocineros y uno de los músicos es de Cocineros. Hasta en algún momento podemos facilitarnos las cosas, si yo hago un viaje para mí, podemos conseguir una fecha para la banda.

¿Cuándo surge la idea de abrirte un poco de Cocineros y hacer tu música?

Hace como dos años. Me daba cuenta que había ciertas canciones que musicalmente me llevaban para otra búsqueda y que tratar de meterla en Cocineros era tratar de imponer algo que por ahí no tenia nada que ver con el curso natural que estaba buscando el grupo.
Me dije: "tengo dos opciones, o trato de imponer una idea y empiezo a pelear con todos, o lo busco por fuera y en Los Cocineros voy con la búsqueda grupal".
Yo tenía una inquietud individual, pero en el grupo te tenés que manejar en consenso.

Hay una identidad en Los Cocineros y es difícil imponer otra idea….

Sí. Fue iniciar la búsqueda para no quedarme con la frustración de no poner eso en ningún lado y en Los Cocineros sigo profundizando ese estilo que ya se viene marcando, por más que sea muy ecléctico hay una línea que es muy clara desde hace ocho años. O tendría que ser un grupo que hace cambios radicales. A mi me encanta eso, pero Cocineros funciona de una forma y no funcionan con esa idea, no va hacer un disco hardcore y después un disco de boleros. Sí hemos sido muy cambiantes del primer al séptimo disco, pero en otros sentidos.

Con respecto a las canciones del nuevo disco, la difusión, además de “my space”. ¿Te acercaste a las radios? En alguna oportunidad con Los Cocineros tuvieron alguna mano de Lalo Mir. ¿Cómo es con éste disco?
En ese aspecto es iniciar de cero. Hay gente que me pide el disco. Hay un respaldo de todo un laburo pero a la vez es empezar un proyecto nuevo que tiene otra identidad musical.
Hasta que Lalo Mir nos dio bola y nos escuchó, ya teníamos tres discos. Lalo escuchó de casualidad y se armó una bola, este disco tiene recién una semana.

Pero en el sitio sí hace tiempo que se puede oír…
Sí, en el sitio es muy raro lo que pasa, se da una cosa con gente de Colombia; México y EE UU, eso no lo entiendo, por qué me escribe tanta gente de allá, de radios...

¿Pero son latinos?

Hay muchos norteamericanos que le gusta la musía latinoamericana….

O sea que tuviste repercusiones de otros lugares…
No, de acá también hubo bastante, pero me llama la atención, es muy parejo.
Con México me sorprendo, porque yo espero que pase más una cosa de donde soy yo.
Pero acá ha tenido muy buena onda. Muchos músicos, gente de otras bandas, de Uruguay también, pero yo no tenia el disco y tampoco dejaba que se bajen las canciones hasta que no estuviera el disco en la calle.
Por ahí me pedían canciones de radios de acá, de Buenos Aires o de México y yo mandaba un tema o dos.

¿Cuál es el mensaje general del disco?
Un mensaje oculto (risas). La verdad que no sé si tiene un mensaje…

Pero si sentís que podes generar un concepto con cada canción…
Para mí es hacer lo que me gusta y tratar de transmitirlo, desde la escritura, desde lo musical, escribir desde cosas muy pequeñas y de eso hacer un mundo, después que la gente le pegue como sea. Pero no tengo un mensaje.
En este disco en general son como canciones de amor bastantes ridículas, que rallan el extremo, irónicas….

“No hablo del amor” se llama una canción..
Sí, porque justamente lo que hace ella es hablar del amor. (risas)

En Los Cocineros también estaba ese juego…
Sí, sí claro.

¿Querés decir algo en particular… algún mensaje?

(risas) No no; hablo un montón. Sigo hablando un montón. Prometo que el próximo disco es instrumental (risas).

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Onda Vaga pega fuerte

2009-12-06T14:37:00.000-08:00

Show: Onda Vaga.

Lugar: Captain Blue XL.

Ciudad: Córdoba.

Fecha: Viernes 5 de diciembre, 2009.

por Santiago Ramos.

Fotografía: Aureliano "bocha" Gallardo.

Las clásicas Fiestas Bubamara que vienen haciendo bailar a gran parte del país desde hace un par de años, tuvieron su cierre de 2009 en la ciudad de Córdoba con la participación de Onda Vaga.

Luego de una prolongada gira por Europa, el grupo que fue nominado a los premios Clarín, desembarcó en nuestra ciudad por segunda vez en lo que va del año, para brindar las canciones de su único álbum: Fuerte y Caliente, y presentar algunos temas nuevos.

Esta vez el marco de público fue muy superior a su anterior estadía en La Docta, lo que muestra el ascenso a nivel popularidad de la agrupación en muy poco tiempo.

Pasada la una de la madrugada, las siluetas de los músicos se dejaron ver sobre el escenario, indicando que el show estaba a punto de comenzar. De esta manera, la propuesta empezó con “Vaguisenial”, en el cual las trompetas y las guitarras eran el preludio de la constante repetición: “Onda Vaga”.

Después llegaron: “Me pega fuerte”, “Parque”, “Sequía de amor”, casi sin interrupción. El disco fue ejecutado casi en su totalidad.

El cajón peruano marcando el ritmo, las pinceladas del trombón marcando el groove, el cuatro venezolano sonando como una guitarra española en “Ir al baile”; los perfectos arreglos corales de “Te Quiero”, fueron verdaderas delicias.

En “¿Cómo que no?”, tema del autor uruguayo conocido como El Príncipe, Germán Cohen dejó el trombón para tomar la primera voz. Fue uno de los puntos altos del show. El cantante lució una remara con la cara de Evo Morales, que si bien hace tiempo la usa, la ocasión fue ideal para tirarle buena vibra al presidente boliviano en la víspera de su casi segura reelección.

Los más festejados por el público fueron: “Va al Oeste” y “Gilda”. Más tarde hubo lugar para la contemplación con “Rayada”, una especie de bossa nova mezclada con reggae, de espectacular interpretación. Acto seguido vinieron temas nuevos que mantienen las características de los anteriores. Para destacar la guitarra de Nacho Rodríguez, que en una banda tan numerosa y con instrumentos tan exóticos, supo sobresalir y marcar la huella para que todos se puedan destacar.

En la recta final el concierto levantó temperatura a pura rumba con matices balcánicos; de este modo “Cartagena” encendió la euforia, seguida por “El experimento”, de ritmo frenético, para llegar a la cima de despojo con “Mambeado”, el tema más cantado por la audiencia, y el cierre con una versión de “El Mambo”, registrada por Andrés Calamaro en “El Salmón”.

En la noche en que Daniel Passarrella ganó la elección para presidente de River por seis votos, Onda Vaga hizo gastar los zapatos de cientos de cordobeses, demostrando mucha categoría en la ejecución en vivo: tanto en lo vocal, como en lo instrumental. Fiesta y buen gusto fueron de la mano.

Entrevista a Luis Alberto Spinetta.

2009-12-04T18:40:00.000-08:00

"Es todo energía el mundo, no es un mundo de carne y hueso".

Hoy viernes 4 de diciembre el estadio de Vélez Sarsfield recibe a una multitud rockera, que se dará cita en Liniers para festejar junto a Luis Alberto Spinetta sus cuarenta años junto a la música.
En la velada el flaco Luis Alberto reavivará parte de su historia musical reuniéndose con sus compañeros de ruta rockera; estarán los legendarios Almendra( Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García) con los que Spinetta comenzó a tejer su larga trayectoria allá en la etapa ingenua del rock argento. Los músicos que formaron parte de Pescado Rabioso, banda que muestra la parte más cruda de Luis en plena juventud, también serán de la partida; allí brillarán por sí mismos figuras como Black Amaya, Carlos Cutaia, Bocón Frascino y David Lebón, que desatormentarán a las nuevas generaciones, que sólo en discos pudieron disfrutar de la contundencia rockera de los primeros años setenta. Machi Rufino y Pomo Lorenzo también aportarán su toque como lo hicieron alguna vez en Invisible, aquella banda de contundentes formas rockeras y cosas bien despojadas, que se dejó ver luego de la disolución de Pescado Rabioso. Invisible comenzó siendo un trío y culminó en un cuarteto con la inclusión de Tommy Gubitsch para el recordado El Jardín de los Presentes al mando del Capitán Beto.
La parte de más jazz rock también tendrá su espacio en el universo Spinetta, con la singular Spinetta Jade, aquella en la que Luis Alberto desde las letras hacía referencia a las lecturas del antropólogo Carlos Castaneda, y generaría un link para la juventud que hizo de Castaneda su Don Juan.
Cuarenta años han pasado ya y El Flaco sigue tan delgado como siempre, pero su peso artístico continúa incrementándose. Además, el show contará con momentos que prometen ser inolvidables, como la participación de otro referente del rock de estas pampas, el gran Charly García.

Aprovechando el festejo spinetteano desde este sitio, que lleva el nombre de la cara “B” del primer single Almendra: “El Mundo Entre Las Manos”, desempolvamos una entrevista que Luis Alberto Spinetta nos concediera en exclusiva hace dos pares de años atrás. En un hotel céntrico de la ciudad de Córdoba aprendimos con Spinetta.

Por Guillermo Romani - Santiago Ramos.

Colaboración especial: Fabricio Alvarez.

Foto: Valentín Ramos.

¿Con que finalidad salís a escenario?

En vista al acrecentamiento que observan en mi rostro tengo que ir a tocar cosas re contra buenas, es la única que me cabe. La banda suena muy bien.

¿Cómo son los momentos previos a salir al escenario, y con el paso del tiempo como ha ido cambiando eso?
A veces estoy nervioso; como voy a estar hoy, pero todavía falta para que venga el nervio final. Cuando ya estás al borde de subir, sí, la adrenalina que da eso.

¿A esos momentos los vivís con los integrantes de tu banda?
En los últimos momentos sí. Ahora está cada uno en su habitación. Llegado el caso, cuando estamos al borde de subir al escenario, nos encanta saber que tenemos todo bajo control. No hacemos tipo fútbol americano, pero dentro de todo sabemos que estamos haciendo ese mismo ritual de manera más suave.

Luego de los Socios del Desierto, y luego de Silver Sorgo con la formación en tus presentaciones en vivo comenzaste a incluir temas de Spinetta Jade ¿Esta banda, está armada más a lo Jade?
En todo caso lo que se hizo con Jade era un proyecto en la búsqueda por ahí de éste, porque no vamos hacia atrás. Hay que sumarle el tiempo y saber que aunque refleje eso, es porque estoy intentando hacer otra cosa, y eso es lo nuevo, entonces no pienso en Jade. Si cada vez que hago un cambio estilístico me voy a poner a pensar a que me hace reflejar...más bien me compro un lago y me reflejo en él.

¿Cómo ves a la juventud, a la gente que te va a ver a tus conciertos que consume música de rock?
Viene mucha gente linda, que le gusta mi música. Hay otra que está más contagiada de lo social, entonces se siente reflejada más masivamente por las bandas masivas. La gente que yo veo que es joven y va siguiendo mi trabajo, es la misma gente linda a la que yo le canto, aunque le canto a todas. Hay gente que por ahí se encuentra contigo porque en realidad era un show multitudinario e iba a ver otra banda; y bueno al "flaco" le tiene respeto y lo aplaude. Otra cosa es la gente que te va a ver al show como el de hoy, es más como una especie de legado. La gente que lo va a ver a Luis lo hace por el legado de lo que quiere decir mi música y para transmitirlo a sus hijos, hermanos y eso. Ocurre con gente que no es tan joven, un flaco de mi edad que viene y me dice: "loco, mis hijos te escuchan, mis tíos te escuchan, hasta el perro te escucha...", le digo: “los vas a dejar sordos a todos” (risas).
Pero bueno, yo trato de estar muy preparado para poder brindarme como corresponde en eso, como poder llegarle a la gente nueva con buena música, no pretendo ninguna otra cosa.

Los nombres propios de mujeres con los que titulás algunas de tus canciones, ¿Son dirigidas a personajes reales?
No, en general son productos de mi imaginación; pero como siempre es lindo cantarle a la mujer, hay que encontrarle otro nombre. Por ejemplo, estoy terminando de grabar un disco nuevo que no sé si se va a llamar "Espuma mística" (Finalmente conocido como Pan) y hay un tema justamente que se llama “Espuma mística”, pero hay otro tema que se llama "Proserpina" que es un nombre de mujer también, pero no se trata de una novia o una novia imaginaria; sino Proserpina es la diosa de la fertilidad en la tierra, la que nos provee las cosas tan impresionantes que podemos producir en nuestro suelo. "Argentina y Proserpina un solo corazón", le prodiga. ¿Viste esas diosas griegas que tienen como un cono de mar que le brotan uvas? es la prodigación. Las semillas, los árboles, los comestibles que provee la naturaleza, esa es Proserpina, hay un tema que se llama. Ahí se da el caso que es un nombre de mina, pero que no tienen nada que ver con un amor imaginario.

¿El cambio de músicos tiene que ver con una especie de renovación en tu música?
En todo. Es algo espiritual, porque tenés que conocer a otra persona, por lo tanto es un desafío espiritual, entregarse al otro, entenderlo. Es muy importante involucrar un juego espiritual. Pero obviamente significa un trabajo. Ahora vengo con Sergio Verdinelli después de haber estado mucho meses con Judurcha(Cristián); por suerte esta banda ahora se estabilizó, aparte del strees de algo que no cuaje y vos decís: “perdí un poco el tiempo y el flaco también y eso que es un maestro”, "se toca la vida el loco"; es por otras cosas que tienen que ver con lo espiritual, como decía antes, que son la que se tienen que dar, Y ahora tengo esta posibilidad con Sergio Verdinelli, Nerina Nicotra y Claudio Cardone que ya grabamos este disco.

A lo largo de tu trabajo se ve un poco reflejado algún tipo de lecturas (en cuanto al concepto de la lírica), ¿Qué lecturas te acompañan en este momento?
Leo todo lo que puedo, en el sentido de deseo. No es que tengo que leer por obligación, en general me gusta mucho hacerlo, pero no siempre te encontrás con lo que querés leer. Por lo tanto leo todo lo que puedo de lo que me gusta.
Últimamente lo más lindo fue un libro de Jorge Luis Borges que se llama Arte Poética, son unas conferencias. Es una lección de poesía que no se puede creer. Una lección de escribir poesía, obviamente tenés que sentir vos como propio todo lo que él propone. No es que es un manual de como se escribe ¿okey?, pero es increíble las cosas que te dice, cosas que no conocías en absoluto y decís: “¡ah!”. Siempre los libros más geniales, siempre condicen con eso; inclusive los libros muy geniales después de años de haberlos leído volvés a ellos y todavía conservan una sorpresa, o algo que te perdiste en la lectura tres o cuatro.
Estaba leyendo un libro de George Bataille que se llama "La Literatura y el Mal": elige a diez escritores para hablar de una cosa vital que es la literatura por un lado, capaz de crear el mal. Con la literatura pasa algo con eso, porque estremece. Pero a la vez esta el éxito: todo lo otro, el mundo chato, no es el mal de cachavacha, el mundo chato, el mundo fofo, un mundo sin estructura, ameboide, informe que es un mundo donde la literatura puede pasar. En primer lugar se lo dedica al Conde de Lontrebon, después sigue por supuesto Artaud, Rimbaud, Williams Blake, Sade, Jaen Jenet... y lo hace en un librito que si alguien le gusta la literatura, te lo fumás como un parliament.
El otro día lo agarré y leí algo y “¡boom!” es un Ñoqui acá (en la cara).

¿Tenés una etapa reflexiva después de leer un libro?
No. Cuando lo estoy leyendo es cuando lo reflexiono, después lo pienso, pero no tengo el mismo criterio. En cambio cuando lo leo lo puedo leer una vez, dos veces, 20 veces para decir “¿ lo entiendo o que creo que lo entiendo, o capaz que no entiendo un jocara?, por ejemplo; me pasa mucho con los libros de ensayos de literatura, por ahí hay libros que están escritos de una manera complicada. Hay que cazarle la onda para ver como pensás todo eso vos con tu mentecita argentina de ver como llegas a eso. A veces uno le agrega lo que…

Lo que te está pasando también a vos
Claro, exacto… siempre; no es que a veces. Perdón me equivoqué yo. Siempre él está metiendo lo que vos sentiste de eso, más lo que no sabes.
Por ejemplo agarra a la autora de Cumbres Borrascosas, Emilie Bronté es una autora que tuvo una vida muy sufrida, parece ser que era bellísima y a la vez vivió virgen, como en un erotismo. Eso es en La literatura y el mal de George Bataille, te enseña filosofía, literatura y te hace pequeños trazos de la vida de estos locos que elige. Es un libro que es como un DVD…, lo mismo que los libros de Carlos Castaneda: son imprescindibles.

¿Para Los Árboles tuvo algo que ver con Carlos Castaneda?
Bueno, yo hice unas referencias a eso pero simplemente para alertarlos poéticamente de algunas cosas, por ejemplo… para sumar datos para los que les interese, no para teorizar tanto,
sino para divertirse. Para bienpensar, para seguir pensando otra cosa.
Al final no dije….

Nos fuimos por las ramas.

Sí…
Bueno en Para los Árboles había esa referencia a que en el arte de ensoñar que propone el mundo de los antiguo guerreros Toltecas; ellos desarrollaron técnicas sensoriales que desconocemos, que se perdieron; pero todo un linaje de individuos, que se pasó el conocimiento de boca en boca, lo siguió experimentando hasta nuestros días. Que continúa desde aquel entonces hasta ahora en su camino de guerrero.
Eso ya de por sí, es muy poético, porque habla de hombres predispuestos a sobrevenir en tiempo, de perdurar en el tiempo. ¡La misión y la energía en torno a prevalecer!
Entonces dice que algunos ansiosos inexpertos, se equivocaron las coordenadas de los mapas del soñar y se convirtieron en Árboles. Porque según Castaneda, dice que a esos brujos le enseñaron, que contrariamente a lo que podrían establecer las leyes de Darwin o de los estudios de antropología, nos parecemos más a un árbol que a un primate.
Entendamos lo que él quiere decir, que los árboles reflejan el mismo, el mismo tono que reflejan los hombres. Los árboles y los hombres reflejan una luz amarina que los diferencia de todos los otros seres que tienen sus propios colores.
Según Castaneda son bandas de emanaciones.

¿Y eso que los brujos realizaban, son lo que se pueden conocer en el mundo occidental como milagros o algo parecido?
No porque ellos no tratan de eso.

¿Y en la capacidad de sensibilidad?

Sí, pero en la expansión sensorial que les permite un mundo que no conocemos,¿me entendés? No, no es permitido que se abra la llave perceptiva para poder realizar eso. Esos tipos, que son los Naguales que es un linaje, tipos que primeros fueron sacerdotes jesuitas que aprendieron de un indio . Algunos eran buenos, otros fueron malos… aunque fueron exitosos y lograron sus experimentos, algunos fueron malos.

Carlos Castaneda ha sido considerado un Nagual, cuya misión era expresar, tratar de explicar como era ese arte. Entonces lo que es alucinante es que dice que algunos de ellos se equivocaron y se convirtieron en árboles y quedaron vibrando en una frecuencia muy parecida a la de los árboles, en esa unión de luz, es todo energía el mundo, no es un mundo carne y hueso, es energía. Cosa que no puedo explicar ni yo, ni nadie, pero cuando leés los libros, anda todo en el aire.

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"Tocar con el Flaco me sirvió para crecer musicalmente"

2009-12-04T18:23:00.000-08:00

"Tocar con el Flaco me sirvió para crecer musicalmente".

Ampliando el espectro de lo que acontece en torno a la celebración de los cuarenta años de trayectoria artística de Luis Alberto Spinetta, nos pareció pertinente dar a conocer como repercutió la música de Spinetta en otros músicos que han tocado con él.

Black Amaya fue el baterísta de uno de los tríos más aclamados de la historia del rock vernáculo argento: Pescado Rabioso, y en la siguiente entrevista reaviva momentos que nos ponen en sintonía con aquella época, en la que Black Amaya se encargaba junto a Bocón Frascino primero, y David Lebón después, de generar la base que se escuchan en aquellos emblemáticos discos de Pescado Rabioso.

En El Mundo Entre Las Manos Black Amaya se refiere a la experiencia Pescado Rabioso.

Por Guillermo Romani - Santiago Ramos.

¿Qué cosas te quedan de tu paso por Pescado Rabioso?
Yo me acuerdo siempre lo que me dijo Charly García una vez ,en una zapada que hicimos juntos allá por el noventa y pico, él me miraba tocar y digo yo: "¿qué le pasa que me esta mirando desde abajo del escenario?", y entonces después sube a tocar, y me pone la mano en el hombro y me dice: "vos tocás bien, por ue tocaste con Spinetta, lo mejor que hiciste también es tocar en Pescado..." y yo lo entendí como que me hizo bien tocar con El Flaco. Porque El Flaco me abre a mí musicalmente; yo venía de tocar con Pappo y pasé del blues al rock más elaborado, con más melodías y con el Luis (Alberto Spinetta) nada menos. Me sirvió para crecer musicalmente un montón.

Tiene que haber un entendimiento real entre la base: el bajo y la batería. Teniendo en cuenta que vos al estar en Pappo´s Blues formabas la base junto a David Lebón, y luego en Pescado Rabioso también coincidieron. ¿Lograste un buen entendimiento con David o te entendiste mejor con Bocón Frascino?

Bueno con Pappo blues estaba bueno, porque hacíamos un estilo Cream, Jimi Hendrix, entonces él en el bajo, como era guitarrista, sabía como venía la viola y yo acompañaba a los dos. Ahora, cuando se formó Pescado Rabioso con el que mayor entendimiento tuve, fue con Bocón Frascino. Porque él aparte de hacer las notas normales en el bajo, iba haciendo como unos arpegios e iba llenado mucho, abría la melodía del bajo, porque éramos tres, entonces el tipo tenia que llenar, entonces abría la armonía.

Mucho entendimiento, nosotros tocábamos una hora antes de que venga Luis, practicábamos las bases juntos, después venía Luis y tocábamos, o por ahí se quedaba afuera tomando mates y luego ensayábamos.

Tuve un trío con Héctor Starc y Machi Rufino: Antes de que llegue (al ensayo) Héctor Starc, con Machi nos juntábamos a sacar bases, es decir “el bombo va con la nota acá grave por ejemplo, esto con aquello”, para que la base bajo/batería sea una, trabajábamos en esas cosas. Y con David Lebón en Pescado no, pasaban el tema, tocaba el tema y yo sabía que él iba a andar bien, y ya éramos cuatro, por que estaba el órgano de Cutaia. Al haber un órgano yo puedo tocar mucho más tranquilo haciendo la base, ahora cuando yo toco en trío trato de llenar un poco todo los espacios que quedan. Cuando tocás en trío tenés que llenar más. Con Bocón trabajé más.

¿Qué te parecen las reediciones de los discos de Pescado?

Buenas porque están masterizadas otra vez, subieron las baterías, subieron la guitarra, el bajo. Aparte hay una edición muy buena que todo el texto corresponde a Alfredo Rosso, contextualizaciones de la historia de la banda, historia de la banda. Alfredo Rosso es uno de los primeros periodistas de rock, a quien yo respeto mucho, al igual que Claudio Kleiman.

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Poderoso show de Francisco Bochatón

2009-12-04T15:04:00.000-08:00

Show: Francisco Bochatón y The Bañeros.
Dïa: jueves 3 de diciembre de 2009.
Lugar: Morado Bar.
Ciudad: Córdoba.

Por Santiago Ramos.

Fotografía: Mar Morel.

Francisco Bochatón se presentó nuevamente en Córdoba, más precisamente en Morado Bar, con la excusa de dar a conocer a su nueva agrupación acompañante: The Bañeros, en la que dejó de lado el bajo para oficiar de guitarrista y es acompañado por Nelson Collingwood en el bajo, y los viejos conocidos, Matías Mango en teclados y Quique Ilid en batería.
El pequeño resto bar, por su disposición geométrica, no permitió que el concierto se pueda percibir bien desde todos los ángulos, y que el sonido fluyera en toda su dimensión por todos los sectores.
Pasadas las doce de la noche, Francisco subió al escenario y comenzó el show sin mediar palabra con: “Felíz cumpleaños” , del álbum Cazuela, luego le siguió “Sábado”, de La Tranquilidad Después de la paliza. El sonido fue característico de Bochatón en vivo, con la guitarra bien al frente, las programaciones en un segundo plano y la batería y el bajo bien arriba. También fue característica la entonación que suele presentar en vivo, con fraseos cortados y algunas partes de las canciones habladas.
Una versión más relajada de “La calle” bajó un poco los decibeles, y marcó el inicio de canciones melódicas como: “Canto familiar”, “22:33”, o “Pastillas celestes”.
Luego de un parate, llegó la segunda mitad en la que el cantautor platense se despachó con su costado más eléctrico que incluyó gemas de su ex grupo, Peligrosos Gorriones. No sin antes haber brindado por que se cumplieron 10 años de la disolución de la banda.
Así sonaron, entre otros, “Siempre acampa”, y “Nuestros Días”, que hicieron delirar a la audiencia, que a esa altura había dejado de lado las cómodas sillas y sillones para pararse, saltar y gritar. Francisco se mostró muy contento e interactuó con el público en numerosas ocasiones, bromeando, u ofreciendo que le pidan canciones.
La guitarra sonó como la parte más grunge de The Pixies o de Nirvana, sin los arreglos del gran Fernando Kabusacki.
La cumbia-reggae “Perfume parpadear” marcó el cierre del show, con los asistentes bailando en todo el reducto, y el cantante, por momentos, entonando estrofas de “Inundados” del grupo brasileño Os Paralamas.
Bochatón pasó una vez más por la capital cordobesa dándose el gusto de tocar su gran caudal solista y repasar clásicos de la época de Peligrosos Gorriones con banda nueva. Demostró que sus conciertos son eclécticos, y van desde susurros muy melosos, hasta gritos desgarradísimos.

Vinagre y Rosas. Joaquín Sabina.

2009-11-30T08:59:00.000-08:00

Disco: Vinagre y Rosas.

Artista: Joaquín Sabina.

Año: 2009

Por Guillermo Romani.

Vinagre y Rosas es el nuevo disco de Joaquín Sabina que, tras cuatro años sin editar material inédito, vuelve con el décimo octavo álbum de su discografía. Donde utiliza el lenguaje propio de los artistas.

En cuanto a la confección de las canciones, la parte musical no se aleja de lo encontrado en su sendero: rock and rolles, baladas, valses acústicos y eléctricos, alternados con formas folclóricas varias (bolero, rumba, etc.) que contienen a la liberación lírica de Sabina, quien disfruta del lenguaje y de las peripecias de la vida sin excesos, de las que notablemente siente nostalgia.
A medida que transcurre el disco el sonido se torna en una sintonía con la multicultura: un sonido latino e inclusive argentinismos en las letras, como ya nos tiene acostumbrados…
Es notable la utilización del lenguaje en sus múltiples significaciones mientras nos relata episodios de vivencias de viejo zorro.
Trece canciones más un bonus track completan la lista. “Tiramisú de limón”, el primero en darse a conocer junto al dúo Pereza, abre la puerta a un disco significativo que nos sumerge en tonalidades bien a lo Sabina con guiños para todos lados, hacia la desesperanza del tango y hacia su propia historia.
Luego de un comienzo contemplativo con la seguidilla de los temas como el autobiográfico (hasta la fente) “Viudita de Clicquot” y el nostálgico “Cristales de bohemia”, llega “Parte meteorológico” de ligero ritmo country, que despabila con ritmo donde Sabina se encuentra cómodo jugando en el estribillo con las vocales y las notas(nombre) musicales. En “Ay Carmela”, el quinto de la lista, Joaquín se despacha con un vals que dedicada a su hija y nos conduce a la mitad del disco. “Virgen de la Amargura” es una balada rock que concluye con el punteo del clásico de Los Beatles Norwegian Wood (This Bird Has Flown del fin de la etapa ingenua de los cuatro de Liverpool) de Rubber Soul.
Una especie de blues abolerado recorre a “Agua pasada” sintonizando con América, y se presta a sí mismo utilizando parte de su poema Puntos Suspensivos: "cuando al punto final de los finales no le siguen dos puntos suspensivos...". Por momentos Sabina logra mixturar el sentimiento blusero con la desesperanza del tango.
“Embustera”, junto a Pereza esta vez en un rock español fibroso.
La rumba no falta, fuertemente marcada en “Menos dos alas”, de alto nivel. Tampoco falta acercamientos al music hall como en “Nombres impropios” que apela al olvido de las penas y de los nombres de las mujeres que aún no se olvidan.
El momento de mayor volumen llega con “Crisis”, rock and roll furioso que le saca la lengua a la crisis del siglo XXI, clima de Apocalipsis now total que paranoiqueó a España.
“Blues del ambique” es un blues tenso en el que nos convida densas historietas de las que se atreve a reír jugando, separando sílabas al cantar y generando sonares iguales de diferentes lecturas “Callenme melancolía/ calle melancolía”.
Como latiendo desde lo lejos se acerca el bonus de este disco: “Violetas para Violetas”, una cueca moderna influida por Violeta Parra y para Violeta Parra, donde nos cuenta poéticamente a cerca de la chilena, invocándola: “Lo dijo Violeta Parra, la hermana de Nicanor. Por suerte tengo guitarra y sin presumir de voz”,si me invitan a una farra cuenten con mi corazón”.
Sabina se rodeó de su incondicional banda (Sabina, Antonio Gª de Diego, Pancho Varona y José A. Romero) y trabajó los textos junto a Benjamín Prado, en su gran mayoría.También se apoyó sobre algunos de Parra en la canción que le dedica a la cantora del sur de Chile.
Supongamos que Vinagre y Rosas es la pócima que ha encontrado Joaquín Sabina para expresar su momento, luego de algunos avisos naturales tenidos en cuenta, por este artista que va trazando su propia biografía en forma de canción, que desea desde lo más profundo avivar el avispero colaborando con una cuota de altísimo nivel y discreto sonar.

Dos Minutos mostró su punk sonido a motosierra

2009-11-30T05:19:00.000-08:00

Show: Dos Minutos.
Lugar: Captain Blue.
Ciudad: Córdoba.
Fecha: Sábado 28 de Noviembre, 2009.

por Santiago Ramos.
Fotografía: Mar Morel.

El pasado sábado por la noche 2 Minutos se presentó en el espacio Captain Blue de la ciudad de Córdoba ante gran concurrencia de público, en su mayoría adolescente.
El grupo nacido en el barrio Valentín Alsina, de Lanús, se presentó en formato quinteto, con Walter “Mosca” Velázquez en voz, Alejandro Aidnajian “Papa” en bajo (ambos de la formación original), Monti en batería, Marcelo “Pedro” Pedrozo y Pablo Coll en guitarras.
Así, tras el clásico conteo del baterista, el grupo arrancó con su seguidilla de punk rock “sonido a motosierra”, como lo definiera alguna vez su cantante.
“Otra vez (casa de Juan)” de Volvió La Alegría Vieja fue la primer canción en sonar, seguida, prácticamente sin interrupción, por “Lado Oscuro” y “Demasiado Tarde (La Marcha)”. A pesar del sofocante calor y la humedad, el público celebró el show fundiéndose en un pogo descontrolado, desplegando una bandera de gran dimensión (prácticamente ocupó la mitad del reducto) y en varias ocasiones algunos treparon al escenario para tirarse de cabeza sobre el resto de los presentes.
Con el correr del tiempo se fueron desenfundando clásicos como: “Barricada”, “Que mala suerte”, “Tema de Adrián”, “Gatillo fácil”, y “Todo lo miro”, éste último interpretado por un fan del grupo. La interacción entre artista y público se dio con invitaciones al escenario, y la permanente arenga a que la audiencia cante las canciones.
El grupo mostró un sonido ajustado, con dos guitarras bien potentes, y Mosca entonando sin problemas cada tema, con los años cada vez más profesional.
Luego de una hora de concierto, tras la ejecución de “Canción para mi muerte”, la banda decidió bajarse de las tablas, para volver tras el pedido del público y brindar los bises: “Ya no sos igual”, cantado casi solamente por el público a modo de himno, y “2 Minutos” que puso el punto final.
Los presentes brindaron un cerrado aplauso y tras ver que los asistentes iban desarmando la batería, decidieron marcharse en busca de aire fresco.
2 Minutos dejó en claro que su leyenda punk sigue intacta, y que con los años su sonido no se añeja, cada vez suena más puro.

Simetría de moebius: imperfecta perfección

2009-11-27T14:23:00.000-08:00

Disco:Simetría de Moebius.

Artista: Catupecu Machu.

Año: 2009.

Por: Fabricio Álvarez.

Simetría de Moebius es el quinto álbum de Catupecu Machu. El primero sin la participación de Gabriel Ruiz Díaz.

El disco presenta 11 canciones que se caracterizan por un eléctrico impacto sonoro. Desde el primer momento da la impresión de estar metiendo los dedos en el enchufe.

Por momentos la crudeza de las baterías parece la de Paul Cook (Sex Pistols), los abundantes sintetizadores y el bajo casi siempre a cargo de Fernando Ruiz Díaz, matizando ese groove característico de la banda, dan una sensación de caos, un caos simétricamente situado.

Otra característica es la voz de Fernando, casi siempre limpia en primeros planos, por momentos desgarrada, transmitiendo mucho más de lo que dice.

Las abundantes capaz sonoras parecen huir de la melodía, parecen desprenderse, pero terminan ubicándose de forma precisa. Al principio, da emoción de incomodidad, pero lentamente se van ubicando armoniosamente.

De allí parte el concepto del disco, de simetría.

Matemática, azar y causalidad están todo el tiempo dando vueltas.

El concepto de “moebius” da la idea de algo “no orientable”, algo extraño, raro, pero que siempre termina en el mismo lugar.

Así es el disco; un recorrido por un camino incierto, oscuro, que termina siempre en el punto de partida, en sus propias raíces. Es un disco que tiene origen en caminos recorridos. En “Anacrusa”, tracks numero 3 del álbum, Fernando sacude este concepto: “Obertura del concierto, prefacio de lo que vendrá”.

“Confusión” es e primer corte. La noche siempre presente, desde el comienzo. Una chancha (batería) y bajo al mando van alimentándose de muchos sonidos (sintetizadores) que pasean convidando matices para un collage, en una de las canciones más ambiciosas del disco.

Sintetizadores tétricos abren juego en “Piano RD”, rápidamente guitarras distorsionadas y bajo van machacando el ritmo. “fuera de mí, cambié la piel” se destroza cantando Fernando en el estribillo.

“Juego sagrado”, es una de las pocas canciones sin uso de sintetizadores. Un ritmo a cargo del bajo, da sensación de misterio, convidando un exquisito groove mientras la voz de Fernando parece salida de un sueño inconsciente.

“Cosas de goces” una balada que comienza silenciosa hasta convertirse en una melodía, apoyada en las guitarras acústicas de Ruiz Díaz, rápidamente nos transporta a su disco El Número Imperfecto (2004).

“Víbora vientre” presenta al primer invitado, Javier Wientraub en violines. Una melodía oscura que llega con los arreglos del propio Javier a un clima radiante.

Metáforas borgeanas abren la puerta a “Nuevo libro”, la canción que más rápido se acurruca al oído. Otro invitado, esta vez Mariano Bilinkis en percusión. Fernando demuestra otra vez sus capacidades técnicas para ejecutar guitarras criollas; destellos de flamencos le dan un brillo excelente a la canción. Lo mismo sucede en “simetría de moebius barolo y salvo”, combinación de guitarras españolas y sonidos tétricos. La canción va recorriendo diferentes climas, llegando a ser la más diversa de la producción.

Catupecu se caracteriza por incluir en sus discos algún cover. Influencias. Esta vez la influencia de Catupecu Machu es Catupecu Machu. Aparece una versión de “Batalla”, canción que se encuentra en su disco “Cuadros dentro de cuadros” (2002). Aquí florece el último invitado, Gillespie en trompeta y flugelhorn. Las primeras palabras están siempre vigentes: “infierno, un tormento resetear, resetear”.

Catupecu volvió a demostrar ser una de las bandas mas originales de la escena nacional, exhibiendo un material insaciable. Un disco que necesita de un tiempo para digerir y para disfrutar.

“Simetría de Moebius” es sin dudas una de las buenas nuevas del 2009.

Ficha técnica:

Fernando Ruiz Díaz: voces ,coros, guitarras eléctricas y criollas, bajos y teclados.

Macabre: coros, pianos, sintetizadores y bajos.

Sebastián Cáceres: Guitarras y bajos.

Herrlein: baterías y percusiones.

La producción artística estuvo a cargo de Fernando Ruiz Díaz y Macabre.

Gabo Ferro deja fluir su propio manantial.

2009-11-26T12:30:00.000-08:00

Disco: Boca Arriba.

Artista: Gabo Ferro.

Año: 2009.

Por Santiago Ramos.

Gabo Ferro mantiene la sana costumbre de convidar un disco por año, éste es el quinto de su discografía, álbum más vinculado a su tesis de doctorado en historia ya que algunas canciones reivindican la memoria, materia prima del pasado.
Ciertas poéticas que requieren mucha abstracción y otras más directas son el contenido letrístico de baladas, ritmos folclóricos, y rock.
“Seré tu ajuar” comienza el álbum con melodía y armonía en cierto modo spinetteana, es una bella balada cantada con susurros por momentos y en otros con más énfasis.
“Pájaro tuerto” trae consigo ritmos folclóricos y guitarras con arreglos. La metáfora viene a través del recurso de la comparación entre el ave y el artista: “pájaro tuerto con el pico quebrado, el que canta verdades suena afinado…hay pájaros que sus dueños los quieren hacer volar, y entregan toda su pluma por ir a algún festival”.
“No te mires en el agua”, armoniza en clave de balada y mantiene un arpegio durante todo su desarrollo.
El ritmo más festivo viene con “En algún punto del mar muerto” que se puede asemejar a algunos temas bailables de María Elena Walsh. Lo paradójico es, que mientras el ritmo trae aparejada alegría, la letra hace referencia a una situación dramática: “si el dolor fuera una flor, esto es pura primavera, nunca cambia la estación” manifiesta el estribillo. Aquí el artista hace uso de diferentes registros y por momentos utiliza falsetes.
En muchas ocasiones a Gabo se lo ha comparado con Miguel Abuelo, no porque sea una copia ni mucho menos, sino porque presenta alguna conexión en su forma de cantar, siempre manteniendo el estilo propio. Dicha conexión se da en “Solo tenemos ciencia” que presenta un vínculo con “El muelle” del disco Et Nada de Abuelo; hay arpegios de guitarras, mientras la melodía se ejecuta como mantra con algunos coros que acentúan. “Tan pobres somos que solo hay ciencia frente a tanto dolor” reniega el estribillo. Por su parte en las estrofas se van describiendo diferentes escenas.

La potencia roquera aparece en “Hay una guerra”, el bajo tocado por Pedro Aznar hace la base, junto a una batería frenética. Aznar también canta en el estribillo y en una estrofa. La canción es una rareza en la discografía de Gabo porque no se había mostrado así en su etapa solista.
En “De tanta y tanto” hay susurros y diferentes climas, mientras que en “Carne Fría” aparece un mezcla no tan definida de reggae con tango.

El drama existencial de nuestra especie se ve reflejado en “Con su perfume y su olor”, en el cual se muestran dos caras antagónicas: la muerte y el amor, ambas interdependientes entre sí; para que exista una, debe existir la otra. Es sorprendente el uso de los silencios, que también comunican.
“Me voy al suelo” es una canción de sensaciones provocadas por el amor. La melodía es tan bella que resulta familiar, es un potencial clásico.
Sobre el cierre del álbum, Gabo expresa: “Desembala la memoria que no hay cosa que no sirva, te va a servir lo amarrado y lo que anda a la deriva” en “Por que no llorás un poco”. Este tema apunta a la reflexión, desde el punto en que el presente es único y lo que da vida al pasado es la memoria, incluso puede marcar el final del fin. También evoca a la sensibilidad apuntando al costado emocional del llanto, no vinculado a la tristeza.
Boca Arriba es una obra de mucha calidad en todos los aspectos: arte de tapa, poética, musicalidad y sonido. Quienes ya conocen de la música de Ferro sabrán que se trata de una nueva perla en su discografía, quienes no, pueden sorprenderse gratamente.

El Idolo de los Quemados

2009-11-25T17:52:00.001-08:00

Canción: El ídolo de los quemados

Disco: Bandidos Rurales.

Año: 2001.

Artista: León Gieco.

Por Santiago Ramos.

Foto: santiago Ramos.

El pasado 20 de noviembre León Gieco cumplió 58 años. Este artista que supo mixturar los ritmos del Folckie y del rock con el folclore argentino, es uno de los principales referentes de la música de nuestro país, capaz de tocar para una audiencia juvenil o para un grupo de jubilados, para gente del campo y gente de la ciudad, para roqueros y para folcloristas. En épocas de tantos antagonismos es bueno encontrar el punto que une las partes en otra dimensión, la artística.

Sus quehaceres musicales transitan por estos días en versionar clásicos de todas sus épocas junto al grupo de metal D-emente. Lo que demuestra que no tiene, ni tuvo reparos en vincularse con diferentes camadas del rock a lo largo de su trayectoria.

El tema que los invito a escuchar muestra un poco su historia como músico; cuando desembarcó en Buenos Aires en la pensión ubicada en Moreno y Defensa, a pasos de La Plaza de Mayo. Toda la letra muestra la postura de León ante aspectos sociales, y ofrece una auto-definición de si mismo: “el ídolo de los quemados”.

Les recomiendo utilizar alto el volumen, a disfrutarlo.

Escuchar Canción

Carta abierta de Pity Álvarez.

2009-11-23T15:50:00.000-08:00

Después de los hechos del pasado 14 de noviembre en el estadio Vélez Sarsfield. Pity Alvarez, líder de la banda Viejas Locas, (que hacía su regreso) expresó casi a forma de crónica, lo que vivió antes de subir al escenario.

El músico pide disculpas a los chicos que no pudieron disfrutar del show y una mención para la salud de Rubén Carballo, joven herido la noche de los incidentes.

Fotografía: fabricio Álvarez

Noche del 14 de noviembre de 2009, llego al estadio y en un ratito tengo que estar arriba del escenario. Con un auto prestado voy tratando de llegar lo más rápido posible y veo la situación en la que se encuentran los alrededores del estadio. Si describiría lo antes mencionado diría que veo mucha pero mucha gente caminando de un lugar a otro y en ningún momento vi violencia o problemas entre los chicos que esperaban para entrar, todo tranquilo y me sorprendió. Por otro lado, a lo lejos, veo personal policial en gran cantidad los cuales me pararon muchas veces para pedirme los datos y al reconocerme me dejan ir y todo sigue tranquilo, esto se repite alrededor de cinco ocasiones. Los demás músicos, que se encuentran desde temprano en el estadio no deben saber que es lo que sucede en la Avenida Juan B. Justo.

Si esto fuese un censo trasladémoslo a estadística, tenemos 40 mil personas que asistieron al show y hay un porcentaje que no está bajo su control y además hay 400 efectivos uniformados, móviles, carros hidrantes, brigada y efectivos de civil (los cuales desconozco en ese momento la cantidad). No voy a decir que vi represión (en ese momento preciso) ni gente descontrolada, solo vibré que la gente disfrutaba de sus caminatas y que no estaba en la maternidad.

No sé quienes son los inocentes ni los culpables pero hay una justicia, ley que no manejan los hombres, ojalá se cumpla.

Lo sentimos y pedimos disculpas a los chicos y chicas que no pudieron disfrutar esa noche. Rogamos que no se genere más violencia de la que hubo, con manifestaciones puedan provocarla. Hoy en día estamos hablando de hechos lamentables los cuales repudiamos totalmente y no de música como quisiéramos.

Esperamos la pronta mejoría de Rubén acompañando a su familia en este momento que nadie hubiera deseado.

En nombre de Viejas Locas, Cristian "Pity " Álvarez

Respeto.

2009-11-23T11:10:00.000-08:00

Canción: Nunca es igual.

Artista: Andrés Calamaro.

Disco: Alta Suciedad.

Año:1997

Por Guillermo Romani

Ver pasar los días desde la infancia es una delicia, un sueño; pero no es igual a medida que vamos creciendo, nos ponemos notablemente más temerosos, parece que retrocediéramos ante la valentía adquirida al dar nuestros primeros pasos que dependen única y exclusivamente de nosotros mismos.

Por lo general la prevención es lo más recomendable, pero si nos lo tomamos a pecho también puede ayudarnos a no dar ni un solo paso, porque se genera temeridad y desconfianza, y eso es un error grave. A menudo solemos confundir términos o encontrar sinonimias donde no las hay y así vamos generando prejuicios, pre conceptos de lo que nos sucede; separamos vida de muerte y pensamos que una es mejor que la otra, cuando en realidad no nos damos cuenta que las cosas que más duelen pasan en la vida justamente, que la vida es dura y estamos vivos para sentir esa adrenalina. Si nos toca vivir, nos toca morir también. Tampoco es recomendable pensar que cada vez que nos sentimos mal nos vamos a morir, porque no es así y lo único que lograríamos es conseguir miedo y alejarnos de poder comprender lo que significa estar vivo. Por eso es necesario continuar dando pasos, sin temeridad pero con respeto y eso nos hará valientes.

A consecuencia del respeto a la vitalidad es que os invito a degustar auditivamente un reggae gaucho, que nos invita a saber que nunca las cosas son iguales y a reflexionar sobre la temeridad, la valentía, pero sobre todo el respeto…:Res-pe-to… eso pasa poco ahora. Respeto.

Escuchar Canción

El Minúsulo: Carta de Alberto Castillo, integrante de Polcastillo

2009-11-23T09:20:00.000-08:00

PUNILLA ROCK = IMPRESENTABLES

Nos hiciste concursar en un PRE-PUNILLA ROCK con los peores equipos y el peor sonido de la historia y ni un vaso de agua nos diste... no dijimos nada...Nos dijiste que tocabamos el VIE a las 18.00 Hs, mientras que en los afiches y gigantografias estabamos anunciados para el domingo, dijimos SI...Me llamaste desesperado para que cierre la noche del VIE a las 03.00 AM, ya que nadie queria hacerlo, te dijimos SI...Cuando llegamos, no pudimos ingresar el vehiculo, exponiendolo a robo. No dijimos nada...Cuando ingresamos al predio, nos diste 4 sandwich de miga y una coca, sobre un tablon sucio y ni siquiera una silla para sentarnos, mientras que al resto de las bandas le diste BOUCHERS para comida y bebida... no dijimos nada...Me entero por terceros que me metiste de pecho 3 bandas mas y que ahora, en vez de cerrar la noche a las 03.00 AM, cerrabamos a las 05.00 AM... dijimos SI...A las 03.15 AM apagan las luces del escenario, te busco PUNILLA ROCK y nos decis que un tal "PITUFO" se rayó, y no dejo que ninguna banda toque. Este "pitufo" era el jefe de escenario, no creo que yo como organizador le daria jamas a un jefe de escenario la posibilidad de que él eliga que banda toca o no...La cana y la organizacion nos echan del predio sin ningun tipo de explicacion, mientras la Banda Don Genaro toma el escenario y la Banda Alma esta a punto de trompearse con la "organizacion"... no dijimos nada.. nos retiramos en silencio...Cuando nos estamos llendo encima vos, PUNILLA ROCK, pretendes que nos quedemos y te esperemos porque queres hablar con nosotros... eso ya era el colmo... Nos retiramos inmediatamente...RESULTADO: No tocamos.Al dia siguiente, despues de tratar como un perro a Victor Hamudis (que encima renego con vos PUNILLA ROCK para que le habilites los pasajes, los cuales, se los entregaste recien 12Hs antes de su show), dejarlo a la deriva en Carlos Paz y hasta negarle un desayuno, ademas de que el hotel que le ofreciste parecia una barraca militar... vino la cana y los desalojo a todos del escenario natural... Victor tampoco pudo tocar y el resto de las Bandas fueron trastaladas 1KM al escenario principal...Mientras las bandas sigamos apañando a estos mamarrachos, van a seguir existiendo un "Ruben" y un "Chili", como cara de una organizacion que estafa al musico, un tal "Guillermo" que nunca es posible comunicarse con el y cabezas ejecutivas totalmente anonimas...TODOS ESTAFADORESTODOS IMPRESENTABLESEncima, me juego la cabeza que si esta misma gente, el año que viene organiza un XXX ROCK, la mitad de las Bandas que han participado en esta tremenda estafa y maltrato, se ofrecen... y gratis!Por favor, hagamos mea culpa y reflexiones sobre esto para tratar de evitar que vuelvan a suceder estas cosas...Agrego un par de cosas mas:Quiero comentar sobre lo que los chicos de DOBLE N comentaron en una carta abierta que hicieron sobre el PUNILLA ROCK, que "no se juega con el Rock & Roll".. no chicos de Doble N... NO SE JUEGA CON LA ILUSION Y LA BUENA FE DE LAS PERSONAS... EL ROCK & ROLL ME TIENE SIN CUIDADO!Otras cosas que me entere es que recibieron multa por pegar las gigantografias sin autorizacion municipal y que es cierto amigos de Bluesers, Valuka y Finisterre se bajaron del evento 2 semanas antes que comience todo debido a importantes desprolijidades e irregularidades... pero nosotros seguimos adelante...Lo unico que puedo decir es que me hago cargo de toda mi responsabilidad como musico y artista independiente sobre el caso, ya que esto nos paso sinceramente por querer tocar en cualquier evento medianamente importante para mostrarnos, sin siquiera averiguar referencias... quizas eso demuestre mi desesperacion como artista de cordoba al cual no dan mucha pelota por sumar un punto mas al curriculum del proyecto... Hago mea culpa por ser parte de los musicos y artistas que alimentaron esto, se los puedo asegurar.

Alberto Castillo

El Minúsulo: La Sonora Ludovica

2009-11-23T08:44:00.000-08:00

La Sonora Ludovica es un grupo de la ciudad de Córdoba que fusiona rock bien potente y reggae, con un abanico amplio de propuestas intermedias que costean el sonido latinoamericano.
Hace dos meses editaron su primer EP de seis temas propios con sonido bien trabajado, y dos videos clips interactivos. El fin de semana se presentaron en el festival Punilla Rock de Santa María de Punila.
En el minúsculo te presentamos un grupo con mucha dedicación y estilo.

¿Cómo y por qué el nombre del grupo?
El nombre surgió cuando decidimos armar una nueva banda con Julián (guitarrista) y Santi (batero). La idea era empezar de cero y hacer algo distinto entonces necesitábamos un nuevo nombre. Después entro Manu (voz) y empezamos a buscar y buscar hasta que salió primero “la sonora”, que lo tomamos de La Sonora Matancera (la banda de Celia Cruz) porque nos representaba algo latino y nos daba esa idea de banda como un todo, como algo también casi anónimo. Después nos pareció que sonaba bien mezclarlo con “Ludovico” que es el tratamiento conductista que utilizan en la película La Naranja Mecánica (que no consigue cambiar la personalidad de Alex) y por eso quedó La Sonora Ludovica.

¿Cómo se definen y cómo definen su estilo?
Bueno…lo del estilo es medio complicado de explicar. Nosotros siempre decimos que hacemos “rock-reggae alternativo” pero sabemos que eso no alcanza para determinar nuestro estilo. Tenemos todos influencias muy distintas que van desde Bob Marley hasta Queens of the Stone Age pasando por Mano Negra o Animal por decir algunas bandas. Podríamos decir que lo que hacemos es una mezcla media rara que pasa por momentos tranquilos de un reggae muy poco ortodoxo (somos solo cuatro integrantes) y momentos al palo de un rock bien potente

¿Cuántos integrantes son?
Somos cuatro integrantes nada más, una formación clásica de rock: batería, bajo, guitarra y voz. Por eso también lo del estilo particular, cuando decimos que hacemos rock-rggae alternativo y decimos que somos tres, nadie entiende nada. En este sentido muchos nos califican como un power trío con voz pero creemos que tampoco entramos precisamente en ese estilo.

¿Por qué lugares tocan más seguido?
Con el tema de las fechas siempre nos manejamos en un circuito “alternativo” si se quiere. Si bien hemos tocado en el Abasto, tratamos de evitar lugares que nos representen un costo más que un beneficio. El año pasado tocamos mucho en pequeños lugares de Nueva Córdoba y el Centro que ya han dejado de existir o no tienen habilitación para música en vivo. Respecto a este tema a las bandas chicas se nos complica bastante, pero por suerte no hemos dejado de tocar. Creo que a la mayoría de las bandas de Córdoba se les complica conseguir lugares para tocar sin tener que estar poniendo plata de su bolsillo. Por las disposiciones municipales son muy pocos los lugares habilitados y por ende la mayoría son carísimos. Nosotros nos manejamos solos y cuando organizamos una fecha tratamos de que nos puedan cerrar los números, que sea un lugar que nos guste y también que se manejen precios accesibles (entrada y bebida).

¿Cuál es su plan o sus planes?
En este momento estamos promocionando nuestro primer trabajo que prácticamente recién lo acabamos de sacar. Por ahora la idea es seguir tocando seguido en distintos lugares para difundir lo que hacemos y así poder ir ganando un espacio en el rock local.
Para lo que se viene tenemos la idea de sacar un demo con dos temas nuevos que estamos trabajando para principios del año que viene. La idea es tener un material nuevo y agitar un poco estos dos temas que son pensados para el corto de unos amigos que están terminando la carrera de cine.

¿Por qué medio difunden su música y cuánto material tienen compuesto o grabado?
Materiales grabados de buena calidad tenemos nada más este primer EP que sacamos hace no más que dos meses. Contiene seis temas propios grabados en directo en Mandala Estudio que muestran el verdadero sonido de la banda y los diversos matices que recorre la musica que hacemos. Además contiene un track interactivo con dos videos para ver en la PC.
El EP se puede conseguir en El Perro, Octubre, Lado B y David Tattoo a diez mangos pero también está para descargar libremente de nuestra web (http://www.lasonoraludovica.com.ar/). En este sentido el Internet es la herramienta que más usamos para difundirnos y hasta ahora nos ha servido bastante, esperamos en lo pronto poder subir nuevas grabaciones para seguir mostrando lo que hacemos.

Resistiendo con la fuerza del mar

2009-11-22T16:31:00.000-08:00

Disco: Con la fuerza del mar.

Artista: Resistencia suburbana.

Año:2009

Por: Fabricio Álvarez

Con La Fuerza del Mar, sexto trabajo de Resistencia Suburbana. Una de las bandas más combativas de reggae nacional.

Este grupo se caracteriza por un reggae ortodoxo, aportando algunas particularidades como los oscuros arreglos de guitarra. En éste disco, están presentes desde la primer canción.

El álbum convida diez tracks que, siguen la línea de sus discos anteriores, aportando algunos matices nuevos. Uno de ellos es el recorrido lírico, un poco más optimista que antaño. Siguen apareciendo canciones para descomprimir el discurso contestatario, en este caso: “No cierres la puerta”, canción agradable que muestra algo de sarcasmo desde la música hasta la letra. “ pago eso y mucho mas” sacude Luís Alfa en el estribillo.

Otra de las curiosidades y novedades que presenta el disco es, una versión bien lograda de "Plus ríen ne m'étonne" que pertenece a Tiken Jah Fakoly.

“Elevar” abre el disco con unas guitarras registradas de la banda antes que, Alfa comience con “Resistencia suburbana sonando en el salón, mensaje de conciencia que sale del corazón”. Frase que presagia algo recurrente a lo largo del álbum.

El segundo tema es el que da nombre al disco, presenta unos vientos que trasladan las pensamientos a los Fabulosos (Cadillacs) década 90. El ritmo reposa en guitarras y teclas, es un reggae más salvaje, cerca del ska. Llega también, el primer solo de guitarra. Clásico. Una de las canciones mejor logradas del disco.

Surge “El cerco”, teclas precipitan una intro de guitarra antes que la melodía termine de armarse. Un reggea alegre, también respaldado en las teclas.

Nuevamente teclados pop pronostican un pequeño arpegio, mientras la melodía reggea va tomando las riendas. La canción se llama “la luz” y es una de las más armoniosas, con un viento de esperanza.

“No lo hagas más” es un reggea acelerado a cargo del bajo que lleva ritmo de trote. Una canción cruda y desgarradora sobre la realidad de los jóvenes. “Ni un estéreo, ni una zapatilla valen el dolor de tu mamá”. El ritmo acompaña las sensaciones de la letra.

Llegando a la recta final aparecen, “Con el viento” que habla sobre la libertad y las razones del cantar y “El fantasma”, una melodía alegre que cierra esta producción.

Resistencia cierra su 2009 con nuevo material, sin demasiadas novedades, con la salvedad de esa brisa de optimismo más marcado que en otras producciones.

Maratónico show de Manu Chao en Córdoba

2009-11-21T14:08:00.000-08:00

Show: Manu Chao "Radio Bemba Tombolatour".
Lugar: Estadio Cubierto de Juniors.
Fecha: Viernes 20 de Noviembre, 2009.
Ciudad: Córdoba.

Por: Santiago Ramos. Fotografía: Fabricio Álvarez.

Ante un estadio repleto, el artista francés brindó un concierto de casi 3 horas de duración en el cual repasó gran caudal de su obra solista y algunas gemas de su ex grupo, Mano Negra.
Después de que una murga local invitara a la audiencia a bailar, subió al escenario en forma escalonada el grupo que lo acompaña, Radio Bemba. Cada integrante fue tomando su instrumento: Angelo Mancini (trompeta), Julio Lobos (teclado), David Bourguignon (batería), Phillipe Teboul (percusión), Madjid Fahem (guitarra), e iniciando una breve introducción a la espera del frontman.
Cuando éste ingresó, marcó el comienzo demoledor a través de una seguidilla de canciones: “Panik Panik” con ritmo punk-hardocre, enganchado por “El Hoyo”, ambas de su disco La Radiolina.
La energía que transmitió el grupo fue demoledora, con sonido súper ajustado y coordinación perfecta. Ritmos como el reggae, el ska, la rumba, el flamenco, el punk, y hasta el cuartetazo inundaron las diferentes canciones.
Así llegaron: “Desparecido”, “Clandestino”, “Me gustas tú”, en versiones similares a las que aparecen en los discos. También hubo lugar para versiones muy sentidas de “Welcome to Tijuana”, y “Día luna..día pena”, ambas fueron entonadas por todos los presentes del lugar.
El costado más antropológico del músico se pudo apreciar cuando invitó a subir al escenario a Carlos La Mona Jiménez a cantar “El marginal”. La Mona se adueñó del estadio y se dio el lujo de invitar a los presentes a asistir a su baile: “cuando salgan de acá, vayan a verme al Sargento que queda a 6 cuadras” expresó. Radio Bemba se pareció a una típica orquesta de cuarteto, con el agregado de arreglos de flamenco magistrales por el guitarrista Madjid Fahem. Por supuesto que Jiménez se retiró de las tablas ovacionado. Pegado a eso llegó un solo de alto vuelo interpretado por el guitarrista, mostrando sus virtudes en la interpretación del flamenco.
Acto seguido llegó la presentación de un tema nuevo, con íntegra letra en francés y ciertos aires cuarteteros.
Un aspecto característico de Manu Chao es su vínculo y compromiso con sectores sociales marginales y de lucha por la ecología, es por eso que muchos sectores de Juniors estaban adornados por banderas cuyas consignas rezaban: “defendamos los bosques y los glaciares”, “la minería a cielo abierto extermina la vida”, etc. Incluso en el intervalo del show, cuando casi promediaban las dos horas, subieron diferentes agrupaciones al escenario a leer manifiestos en contra del desmonte y la minería a cielo abierto.
Es para destacar el despliegue escénico de todos los músicos que no pararon de arengar en todo el recital, incluso saltando y correteando por todos los sectores de las tablas.
Hubo lugar también para algunos temas de Mano Negra, como Casa Babylon., que el público supo agradecer. Algunas versiones respetaron su forma original.
“La Vaca loca”, “Tristeza Maleza”, “Rainin in Paradize”, “Politik kills”, “Otro Mundo”, “Bongo Bong”, “La vida tómbola”, fueron llevando el concierto hacia el final. “La despedida” auguraba que todo iba a terminar ahí, con la dedicación: “esta canción es vuestra; dice que siempre nos veremos Córdoba”.
La gente se sacó las manos aplaudiendo, y por momentos completó frases que inició el músico como si se tratara de un rezo.
El show no llegó al final porque el francés decidió hacer la fiesta interminable, y volvió subir al escenario en miles de ocasiones a perpetuar el festejo con ritmos balcánicos. El único punto flojo fue el excesivo uso de muletillas como el: “oh oh oh”, “Radio bemba, radio bemba”, o el “próxima estación esperanza” que se repitió durante casi todo el show. Aunque lo importante es que el público recibió gustoso esos clichés, sirvieron para solidificar el intercambio entre artista y audiencia.
Manu Chao dejó en claro que Córdoba le sienta súper bien y que tiene un caudal artístico extraordinario. Seguirá con su tránsito esperanzador y clandestino por la "Patria Grande".

Las crónicas del viento. Cosas de un soñador.

2009-11-19T16:52:00.000-08:00

Disco: Las crónicas del viento.

Artista: Lisandro Aristimuño.

Año: 2009

Sello: Viento Azul.

Por Guillermo Romani.

Lisandro Aristimuño editó su cuarto disco y dobló la apuesta lanzándolo en un formato poco habitual: un disco doble y además estrenando sello propio ( Viento Azul).

Las crónicas de viento se constituye de dos discos y dá pié a otra etapa del sureño. Uno de los discos fue grabado en Argentina y el segundo grabado en España, con la característica de intimidad marcada.
Lisandro pareciera proponer un reconto de los momentos de su pasado que lo ayudaron a encontrar su búsqueda. El primero de los capítulos es bien conceptual, las canciones se entrelazan y se nutren de buenos invitados.
El disco abre con “ABC” donde aparecen vocecitas con tetricismo, que luchan por no ser tapadas por el beat electrónico que se impone. Hacia la coda final se suma un corito pop agudo,apoyado en la temática de la letra, que trata demostrar los conflictos del ser interior y que cuenta del paso del tiempo.
Casi sin darnos cuenta comenzamos a transitar por un viaje conceptual, iniciado por “Es todo lo que tengo y es todo lo que hay”, donde las cuerdas proponen la parte épica con una melodía que irrumpe con alegría y matizada con diversos efectos sonoros.
Las crónicas del viento presenta una conexión con el "planeta Spinetta", se puede notar en el tratamiento de las melodías y en el abanico musical que lustra a momentos como “Fin 2, 3”, que da lugar a “Cosas de un soñador”: el track número cinco que transmite la emoción de Lisandro Aristimuño, amplificada por la presencia de otro artista de intensidad como lo es Palo Pandolfo; folclore, charangos, guitarras, una delicia de melodía y canon de voces perfilan a este tema para entrar en el cancionero popular e invita a danzar bajo un aire de carnavalito.
Es un disco de letras libertarias que cuentan historias de soñadores, de amantes, de juventud, contextualizados en una atmósfera de aldea juglaresca, también hay elementos barrocos (si se quiere), Las crónicas del viento denota crecimiento.
Lisandro se dio unos merecidos gustos, tales como contar con la presencia de Fito Páez en la precisa “Desprender del sur”, de batería marcada y enmarcada por justas cuerdas, tema con aire rockero hacia el final de los estribillos.
Una sonoridad más emparentada con la urbanidad nocturna podría encontrase en “¿Y vos donde estas?”, con la participación de Diego Frenkel y la novedad del rappeo de prédica subtropical (toda una novedad, ya que en ningún otro disco del artísta aparce este elemento), en una atmósfera lírica en contacto con el pulso de tango; además del rapeo Frenkel hace las voces más altas logrando el contraste con las de Lisandro (más graves).
“Cuentan” continúa con el aire tanguero, por momentos, más bien relacionado con los modernos (tangueros) por su fraseo: "No te enojes, no te vayas. Ya no sufras. Recordame que te voy a dar la fruta, que nos dio el más grande rey…”, todo elevado y sostenido por un colchón de cuerdas tensas, de tonalidad cercana al silbido de una pava con agua en ebullición.
Una sensación épica recorre a “Puentes”, de magnifico xilofón, cuerdas y guitarra; una canción aldeana que cierra la primera parte.
La segunda parte del disco se torna más intimista y fue grabada en el invierno boreal. “Fecundación (te llamo sin parar)”, “Hoy” y “Ella” nos llevan rumbo a la mitad de la segunda mitad que llega con “Caminata”, donde se emulan sonidos onomatopéyicos de un resorte alegre en el que se monta esta canción, especie de vals ligero. En el segundo disco florece el folclore y hay momentos más contemplativos, ondulaciones cercanas al reagge de modo acústico (“Días breves”) y sólo una colaboración: Quique Gonzalez en “Otras canciones de cuna”.
En este disco Lisandro utilizó oraciones en inglés, resolviendo métricas y generando apertura multicultural. Las crónicas del viento parece ser el disco mejor logrado que dio el presente año, y demuestra que el manejo artístico en libertad e independencia está a la altura de cualquier circunstancia.

Relacionadas : Entrevista con Lisandro Aristimuño.

Resplandor de un sur oculto

2009-11-18T07:08:00.000-08:00

Show: Sur oculto.

Lugar: Cine Club Municipal Hugo del Carril.

Fecha: Martes 17 de Noviembre.

Ciudad: Córdoba.

Por: Fabricio Álvarez.

Foto: Fabricio Álvarez.

Sur Oculto, el trío instrumental formado por: Sebastián Teves (bajo), Pablo González (batería) y Fabricio Morás (teclados), se presentó en el espacio“Ensayo de Orquesta” que el Cine Club Municipal Hugo del Carril brinda a la música.
Una larga cola que llegaba hasta fuera de las instalaciones, presagiaba que el comienzo a las “20:30 puntual” como anuncia la folletería no sería tan puntual, y eso fue una buena noticia, la gente colmó la sala principal de cine a la espera del trío cordobés.
Poco después de las 20:50 la banda comenzó su show a cargo de dos canciones: “Just another victim” y “El tema que Mariano sabe de memoria”, este último formará parte de su nuevo trabajo que verá luz el año que viene.
Luego, Sebastián agradeció a los presentes, como así también la posibilidad de estar nuevamente allí: “es un día especial para nosotros, y por eso el concierto será mucha improvisación, vamos a invitar a otros músicos amigos para que toquen hoy acá”. “Primero las damas”, dijo Seba, antes de invitar a Brenda Martín (Eruca Sativa) al escenario. Esa fue la primera improvisación de la noche.
Mientras afuera comenzaban a caer las primeras gotas, en el escenario, un dúo de bajos escoltado por una batería siempre al galope, encontraba en las teclas de Fabricio la cuota mas oscura a la espontaneidad sonora. Martin se destacó aportando sutiles arreglos a la vorágine de Teves.
El segundo invitado fue Pedro Ferreira en teclas (Rompecabezas) quien convidó de su estilo a la fusión de jazz que se estaba viviendo. Por momentos el sonido se acercaba al “trip hop”. Los dos teclados presentes ayudados por un sintetizador generaban un clima tenso y eléctrico.
El tercer invitado fue Feliz Scotto (Los dientes, Armando Flores), éste contribuyó con una cuota de funk a la tercera improvisación. Guitarra limpia y con mucho brillo matizaba sutilezas al conjunto de ruidos.
Promediando el show la banda volvió a su originalidad (trío) para presentar algunos temas nuevos. Éstos verán la luz en el disco que, estará terminado en 2010.
“Perro nervioso” y “Elefante”, antes de esto la banda se destacó con una canción de su disco anterior “A paid”.
Para terminar un show eléctrico y a toda orquesta, los invitados subieron nuevamente, esta vez todos juntos, para una nueva zapada.
Éstas fueron divididas en dos partes, separadas por la clásica “¡otraaaa!, ¡otraaaa!” del público. Mas de seis minutos cada improvisación cargada de sonidos totalmente funcionales entre sí.
Mientras afuera volvía la tan esperada lluvia en la capital cordobesa, dentro del Cine Club, Sur Oculto mostró credenciales de una puesta tan jugada como interesante.
Mucha improvisación, mucho ruido y muchas nueces.
80 minutos de la música instrumental más potente del rock cordobés.

Don Vilanova enojado con ciertos aspectos del rock actual

2009-11-17T21:18:00.000-08:00

Por ser un espacio de difusión del rock argentino, a continuación exponemos una carta enviada a todos los medios del ramo por Don Vilanova (ex Botafogo). Sus palabras llegan tras la muerte de Rubén Carballo, brutalmente golpeado en las inmediaciones del Estadio de Vélez Sarsfield la noche en que volvió Viejas Locas. Del hecho todavía no hay responsables, pero se sospecha de la policía.
En la carta Vilanova dispara contra las corporaciones del rock, Pity Álvarez, y Callejeros, entre otros.
En esta sección de mirada que tienen los otros sobre el mundo del rock (LA MIRADA DE LOS OTROS), ponemos a su disposición el texto que envió el guitarrista de blues a muchos medios de nuestro país.
Sería óptimo la opinión de ustedes.

Yo, don Vilanova, más conocido como Botafogo, en honor a mis cuarenta años de ruta junto al rock y el blues y a mis libros de enseñanza de música que han influenciado a varias generaciones de músicos, muchos de los cuales forman parte hoy de lo más valioso de la escena del rock actual: declaro responsables y culpables de la muerte de ciento noventa y ocho personas en Cromagnon y del cráneo destrozado de Rubén en Vélez, a las empresas discográficas, medios gráficos, radiales y televisivos, managers y representantes, que dieron difusión a grupos de mierda integrados por pseudo músicos horribles e hijos de puta que desde sus canciones y sus escenarios hablan de que está todo bien con el descontrol, la autodestrucción con la “merca”, el “paco”, el alcohol, los psicofármacos… Ellos cobran dinero de SADAIC, regalías de la venta de sus discos, dinero fresco en sus shows… pueden robar un remís en Rosario y entrar por una puerta de la comisaría, firmar un autógrafo al comisario y salir por la puerta de atrás como si nada grave hubiera sucedido… Pueden salir al escenario con un porro de paco colgando de sus labios dando un ejemplo a sus seguidores que no están cubiertos por SADAIC, por una empresa discográfica multinacional, que no tienen una obra social como la de SADAIC o la de SADEM, que no tienen un mánager que les va a procurar un buen abogado… son muy injustos, muy cínicos, y muy poco concientes de lo que están haciendo… ¡Ustedes son culpables y cómplices de estas desgracias!¿Vieron ustedes el bochorno de Pity “cantando” (graznando desafinadamente ) con Fito Páez? … ¿¡Qué mierda es eso!? ¡¡¡¡¡Eso es pura bosta!!!!! Sin embargo goza de la aprobación y la difusión y de los favores de quienes acuso más arriba… ¿Y los Callejeros? ¡¿Qué es esa basura?!... ¡¿Por qué difunden esa mierda que ni siquiera puede ser considerada música mala?!
Recientemente pedí apoyo al Zar del rock y pop porteño para un show mendigando un poco de difusión y como respuesta recibí un: -“No me interesa porque vos tocaste con Petinatto”- ¡¡¡¿¿¿ ¿??!!!Yo en mis temas hablo del amor, de los sueños, de las estrellas, de los vínculos, de la introspección, de los átomos, de la magia y el misterio de la vida, de volar con la mente, de imaginar un mundo mejor… y me veo obligado a andar mendigando un poquito de difusión…Si ustedes difunden a Pity, a los Callejeros, y a un montón de grupos más que bajan línea de que está todo bien con el reviente -aunque algunos de ellos envían mientras tanto a sus hijos a colegios de curas ¿¡?! y ostentan símbolos nazis como adornos de sus escenografías-… ustedes son cómplices de difundir el consumo de paco, merca, alcohol… ¿de qué lado están?... ¿qué ganan ustedes con esto?... ¿qué oscuros intereses están favoreciendo?
Yo pertenezco a la generación de pibes influenciados por Almendra, Manal, Pappo’s Blues, Pescado Rabioso, Invisible, Aquelarre, Arco Iris, Vox Dei, Los Gatos, La pesada del Rock and Roll, etc., etc., etc.….. que me dieron ganas de ser músico y de cambiar el rumbo de mi vida hacia algo mejor que la mediocridad de aquellos días. Me mostraron que entre el negro y el blanco de la “argentinidad al palo” había un hermoso arco iris… jamás me hablaron de drogas sino de despertares…Gracias a ellos hace cuarenta años que me gano la vida honestamente como músico, gracias a ellos evolucioné como ser humano, intelectualmente, psicológicamente, espiritualmente, emocionalmente.
Los autos importados y las casas de los “countries” en las que habitan estos “Rey Midas del rock”, las compraron gracias a ese rock argentino que puso la piedra basal de este negocio, pero parece no recordarlo. Como ya se ha dicho, sus billeteras están forradas con la “piel de los músicos”…
Mucha de la pibada de hoy está descorazonada, desconcertada, frustrada, sin ilusiones, sin sueños, sin posibilidades, no cree en un porvenir y mucho peor: ¡están muy enojados! Es nuestra obligación, es vuestra obligación, hablarles de que un mundo mejor es posible, para lo cual deben cuidar su cerebro de las drogas y el alcohol, porque el cerebro es el templo del alma, es un regalo del misterioso universo creativo con el que nos contacta la música, la buena música.Agradeceré la difusión al menos de este reclamo que no es sólo a título personal.
Don Vilanova, alias Botafogo.
Firma: Miguel Ángel Vilanova.
DNI: 11.956.658.
Mat. Prof. de Músico: N° 4. Otorgada por la Sociedad Argentina de Músicos.

Era de tontos.

2009-11-16T22:45:00.000-08:00

Canción: Era de tontos.

Artista: L.A. Spinetta.

Disco: Spinettalandia y Sus Amigos.

Año: 1971

Por Guillermo Romani.

Muchas veces se tienen ganas de algo, pero pocas veces se hace algo con ganas, y si ganas faltan, sumas una mediocridad.

Por lo general ocupamos lugares que no nos importan, porque queremos llegar, porque queremos porvenir y por venir sólo estarán los taxis que nos alejen cada vez más de la meta del presente.
No nos podemos teletransportar de un lugar a otro, ni de una época a otra; pero sí podemos situarnos en el contexto mutable de las cosas y así poder generar sorpresa ante la cotidianeidad, que cómoda nos espera para que la rellenemos con pensamientos inocuos para el desarrollo natural de la vida en la naturaleza urbana, campestre, o terrícola.

En tiempos de redes sociales y berrinches informáticos que nos mienten, que nos miran el culo cuando vamos al baño porque se lo permitimos, es necesario observar que podemos estar en peligro de convertirnos en un gran hermano mundial, o una gran policía, alimentada por moralidad que amordaza y dice que está bien o que esta mal, que genera esteriotipos (cuerpo – mente) cuando en realidad somos monos aurales en la era de tontos.

Escuchar Canción

Tributos, compilados y otras yerbas.

2009-11-16T20:56:00.000-08:00

Poner la vista en versiones, homenajes y tributos es algo que puede entretener y sorprender a la vez. De un tiempo a esta parte, para algunos, los tributos se han convertido en compilados de auto ayuda de las FM´s, pero también pueden ayudar a derrivar prejuicios, que es lo que más interesa. Por ello mediante dos entregas repasaré, a modo de informe, algunos de los tributos, homenajes, compilados y covers que se generaron dentro de la atmósfera rockera del país. Tributos, compilados y otras yerbas, en los especiales de El Mundo Entre Las Manos. ¿Se puede dejar de ser original? Primera parte.

Por Guillermo Romani.

Hablar sobre homenajes y covers es algo que a muchos no les cae bien, tal vez por acusar de falta de creatividad, pero pocos tienen en cuenta lo valorado al hacer, con el respeto que se merece, una versión libre o una versión fiel de un tema en cuestión.

Para traer algunos a la memoria podemos comenzar a hablar de homenajes como Escúchame Entre el Ruido, comandado por Litto Vitale, con el apoyo de la Secretaría de Cultura de la Nación.
Desde su nombre, este homenaje (en celebración de los cuarenta años del inicio rockero en nuestro país) deja entrever algo más que simples versiones.
Para llevarlo a cabo, Vitale se encargó de los arreglos y de armar una banda para lograr un sonido estable, intervenido con el perfil de cada uno de los artistas que reinterpreta grandes momentos de la historia rockera; en algunas más acertadas que en otras, pero en todas es notable el cuidado artístico.
Si bien no están todos los grupos, ni todas las canciones, la esencia de algunos apareció en temas de otros. El homenaje cuenta con momentos como el de “Avellaneda blues”, donde David Lebón cristaliza un clásico de la primera hora del rock argentino, o con la versión de “El Samón” a cargo de Carlos Solari, entre varias de alto vuelo. Éstas versiones dejan oír más de lo que dicen, nos entrometen en una trama de conceptualidad organizada por Vitale, que viaja por cuarenta años de historia.
Es preciso subrayar el carácter historicista del trabajo, y también que las ventas para nada acompañaron a este disco doble por separado (como es la tendencia en la actualidad: discos dobles por separado, o Cd + más dvd) que deja entrever el estilo de producción Litto Vitale (guste o no).
Attaque 77, uno de los grandes ausentes en Escúchame entre el ruido, es una de las bandas más acertadas a la hora de brillar con versiones de otros compositores; inclusive externos al rock, aggiornándolos con sonido propio (o estilo) ; su principal bastión en el ramo de los covers es “Otras canciones”(1999), donde la banda punk argenta dedica todo un disco con versiones de temas de autores diversos como Alberto Cortez, Roberto Carlos o temas emblemáticos, para algunas generaciones, como el de la banda Erasure junto a clásicos de Gilda o The Who. Attaque supo tener una excelente mirada de grandes canciones y englobó a sus influencias generando desprejuicio.
Dentro de tributos antojadizos, Antojo de Palo Pandolfo además de hacer notar el quiebre en el rumbo artístico del músico, nos pasea por canciones de diferentes estilos como pueden ser "Mala vida" (Mano Negra) o "Volaré" (Domenico Modugno), junto a traducciones acertadas de canciones como "Ceniza a cenizas" (ashes to ashes David Bowie) o "Ella" (she -Charles Aznavour).
Con Antojo, Pandolfo también fue blanco de críticas por su versión del tema de Radiohead “Karma police”, donde el ex visitante se suelta a la suerte de melodía natural de algunas palabras. Arbitrariamente Palo trajo al oído pasadizos casi secretos de la historia del rock, como lo son: “La búsqueda de la estrella” del disco Spinettalandia y sus amigos del año 71, e “Hipercandome” de La máquina de hacer pájaros de 1977. Antojo ha dejado en claro que riegos se corren al cambiar el contexto sonoro de una canción, y ha dejado en claro que el prejuicio es una de los males más grandes que hay en el mundo de la música.
Covers o versiones son términos casi iguales, ya que no hay una diferencia estricta entre ellos; son nóminas que siempre serán distintas, desde el momento que se empuñan las guitarras para la interpretación “sobre” la versión original.

La discografía de tributos u homenajes dentro del rock criollo varía según la época, los intereses y los aniversarios. De la década del noventa podemos mencionar a Fuck you: un tributo a Sumo donde participaron, sobre todo, artistas en proceso de crecimiento, o “under´s” (Vía Varela, Massacre, Biranbent, etc) que se mezclan con artistas de renombre como Pedro Aznar (Mañana en el Abasto) o bandas como Los Auténticos Decadentes (Que me pisen) y Attaque 77 (Pinnini reagge). Pese a que pudo haber servido como plataforma de muestreo de nuevas bandas, Fuck You 1 y 2, es un disco de poca trascendencia, al igual que el Homenaje a las madres de plaza de mayo (de pésimo sonido 1996), que reúne versiones de cada uno de los grupos que participaron de aquel acto: Divididos, Las Pelotas, Los Caballeros de la Quema y hasta el mismísimo Bono de U2.
A todo esto algunas bandas parecieran ser abonadas a los discos homenajes y versiones, como lo son: Divididos, Attaque 77, Los caballeros de la Quema, entre otros, que coincidieron con Bersuit, Los Visitantes, Los fabulosos Cadillacs en Tributo a Sandro (Un disco de rock): un homenaje en vida a Sandro editado hacia el final de la década de las privatizaciones, y comandado por Afo Verde como productor, un especialista ya en dirigir producciones de homenajes en vida.
El tributo a Sandro congregó a las bandas de mayor evolución, y proyección de aquel fin de siglo.
Ya en el nuevo milenio los homenajes se multiplicaron y mutaron de uno a dos discos por homenajeado, y también fueron producidos por el ex Zimbawe Afo Verde.
Conforme a esto Calamaro Querido! (cantando al salmón 2006) es el primero de la lista en editarse, y celebra (de alguna manera) la vuelta al ruedo de Andrés Calamaro a los escenarios. Artistas de primera línea como León Gieco, Fito Páez, Kevin Johansen, etc. con sus improntas, reelaboran canciones del ex Rodriguez; bandas protagonistas de radios como La Mancha de Rolando y Los Tipitos, sumaron sus versiones para uno de los dos discos. Muchas de las canciones que los artistas intervienen tratan de ampliar el espectro, apuntando a dejar flotando atmósferas de otros temas, además del versionado: así se puede escuchar “Los aviones” por Javier Calamaro sobre la música de "Alfonsina y el mar".
Otro de los grandes que han tenido su homenaje es León Gieco, Gieco Querido! es bastante fresco y se editó en dos discos por separado; el compendio de artistas es notable y aunque repite algunos nombres que participaron del homenaje a Calamaro, sirve para bancarse algún que otro grupo que no nos guste, cantando una canción que nos encante.
Casi en paralelo y con una intención especial una FM (FM d- Rock) marplatense reunió versiones de temas de Gieco y lo editaron como “Guardado en la memoria” un homenaje que continúa el camino que abriera “Al flaco dale gracias”, un homenaje a Luis Alberto Spinetta, que se suma a la larga lista de homenajeados; A la edición triple de Al Flaco Dale Gracias se le anexó otro volumen (el cuarto), que cuenta con la participación (entre otros) de Litto Nebbia, haciendo la versión de “Finale” de Almendra. Tanto Al Flaco Dale Gracias como Guardado en la Memoria son álbumes que destinan sus regalías para la beneficencia y son una buena opción para revalorar canciones o bandas.
Si bien la lista de discos de versiones y homenajes es larga, ayuda a revalorizar muchos aspectos de la denominada cultura rock, es un aporte al aporte histórico cultural que puede significar una composición musical, que forja una influencia de las diferentes épocas.
Todavía nos quedan por recordar los tributos post mortem y los compilados con conceptos, pero eso será en la segunda parte, y en la segunda mitad de la semana.

Juntos a la par

2009-11-13T12:56:00.000-08:00

Tema: Juntos a la par.

Artista: Pappo.

Disco: Buscando un amor

Año: 2003.

Por: Fabricio Alvarez

Norberto Napolitano fue quizás el guitarrista mas virtuoso de nuestro rock; sin dudas el mejor bluesman de esta parte del mundo. Supo coronar su capacidad compartiendo en varias ocasiones, escenario con el legendario B.B. King. Sin ir mas lejos le dedicó una canción en su último disco, “tributo a B.B. King”. Aquel material de estudio también traía entre sus sonidos esta canción, “Juntos a la par”. Estamos hablando del álbum “Buscando un amor” (2003)

Pappo sobresalió por su virtuosismo pero también supo convidar canciones como ésta. Una balada melódica con arreglos justos a la orden de la armonía.

“No hay nada como ir juntos a la par” canta Napolitano en el estribillo, mostrando su parte mas sensible y mas directa.

Hoy me acorde de este gran músico que ya se despidió del mundo, antes de eso, supo dibujar con su música una profunda cicatriz en el rock nacional.

No creo demasiados en las fechas para recordar o para celebrar, cualquier momento es un buen momento para rendir gratitud a un artista del talento de Pappo.

Escuchar Juntos a la par

Relacionadas: 25 de febrero, día del guitarrista criollo.

Las Habladurías del Mundo.

2009-11-12T21:13:00.000-08:00

Desde los tiempos más remotos se ha oído hablar de todo. Con el habla comenzó el entendimiento y las convenciones, las mentiras y las verdades. Los murmullos mundanos con el paso del tiempo se transformaron en habladurías del mundo: aquellas voces que respiran en sincronía diacrónica, generando el verdadero ruido blanco que ruge porque tiene algo que aportar.

Por EMELMV

Conspirando hemos decidido decorar el ruido blanco y dar la posibilidad de conectarnos auditivamente, de esta manera dar inventiva a una nueva sección, que trás una ardua sintonía llega hoy para convertirse en un soporte fónico: "Las Habladurías del Mundo". Sección donde estarán publicados audios originales de entrevistas, de intervenciones en programas radiales, de canciones y muchas cosas más, con la finalidad de darle el toque de distinción que se merece el rock criollo.

Los invitamos a degustar la paleta sonora de Las Habladurías Del Mundo... entre las manos.

Escuchar Presentación.

Callejero.

2009-11-11T23:09:00.000-08:00

Tema: Callejero.

Artista: Attaque 77.

Disco: Otras Canciones.

Año: 1999

por Santiago Ramos.

En Córdoba, el paisaje de Ciudad Universitaria, como muchos otros puntos, se ve adornado por perros sin dueños. Algunos, cerca de la facultad de Psicología, ladran a la nada misma; otros, en las inmediaciones de la Escuela de Ciencias de la Información, practican el ocio de manera envidiable; también están los que con cierta perspicacia buscan ser adoptados y persiguen a transeúntes por largas cuadras. Por las calles céntricas buscan alimentarse de lo que puedan encontrar (hace unos días vi a uno arrebatarle el pancho de manera magistral a un tipo en la parada del bondi),
Para algunos pueden representar ternura, para otros rechazo, para quien escribe representan la libertad absoluta y la vida bohemia.
Si hablamos de perros callejeros, o chocos como le dicen en mi pago, la canción que mejor describe su sensibilidad y su valor ciudadano es la de Alberto Cortez , titulada “Callejero”.
En este caso los invito a escuchar la versión reggae grabada por Attaque 77 en el gran disco de versiones que lleva por nombre Otras Canciones. ¡Vayan pues estas líneas para todos los naúfragos de la calle!

Escuchar canción

De Bueyes es una gestalt

2009-11-10T06:31:00.001-08:00

Disco: Más que una yunta.

Artista: De Bueyes.

Año: 2009.

por Santiago Ramos.

El pop se puede entender como popular, o también como un estilo en el cual caben muchos ritmos. Esta segunda acepción es la que mejor le cabe al disco debut de De Bueyes -Más que una Yunta- porque diversas propuestas musicales como el punk, la balada, o la chacarera, toman forma de canción.

De Bueyes es una agrupación constituida por Oscar Righi, Pepe Céspedes, Dani Suárez, Cóndor Sbarbati, todos miembros de Bersuit Vergarabat, más la participación de Martín Pomares. En un principio iba a ser un disco solista de Righi, pero la propuesta terminó tomando forma de grupo.

La obra comienza con una canción titulada “Transparencia” donde se destaca la armonía a través de un piano, los arreglos vocales, y su bella melodía.

El rock más vernáculo se viene con “Un dicho popular”, que se puede vincular a los temas más roqueros de Andrés Calamaro. La letra tiene intención humorística: “cuando pienso en el amor, pienso en vos y en otra mujer… un dicho popular dice que no hay dos sin tres”, una manera de reírse de ciertos dichos populares que están instaladas como verdades irrefutables, y también podría referirse porque no, a la expresión de una fantasía sexual.

El clima romántico se asoma en “Me da igual”, una perfecta balada amparada en guitarras acústicas y una gran entonación.

“De una pasión” se acerca a esas canciones de Bersuit de los últimos discos que tienen un clima oscuro. Las guitarras son muy sólidas, el bajo marca con contundencia las bases y los efectos desde los teclados diseñan esta gema.

El ritmo de chacarera aparece en “Decisiones”, con piano y guitarra criolla.

“Canción Instantánea” es una mezcla de un blues no tan puro, con aires más poperos; se hacen juegos con la voz, desde tonalidades bajas y falsetes, hasta elongaciones muy precisas. Se podría establecer una conexión por el clima de la canción con “Los tipos duros no bailan”, de Ariel Rot. Es un punto alto del disco.

Mixturas entre ritmos rioplatenses con bellas melodías da como resultado “Tardecita”, una letra de amor, que con el relato trae aparejada imágenes, no le hace falta video clip.

Machaques de guitarras distorsionadas a lo Sonic Youth conforman la base de “Anclado”, la letra presenta cierto sarcasmo.

El último tramo del álbum puede acercarse en cierta medida a la filosofía bersuitera: “Dartagnan”, balada con sello propio de interpretación desgarrada; “Entrega” que tiene una melodía muy pegadiza con arreglos vocales, “La Parada”, si bien su ritmo es punk, la letra tan visceral: “no ves que tengo la pija parada” retrotrae a alguna de las tantas zarpadas de Bersuit; para finalizar con “Maricón”, que pertenece al Pelado Cordera.

El trabajo contó con la participación en batería del crédito cordobés Gabriel Pedernera (Eruca Sativa), el ex El Otro Yo, Ray Fajardo, entre otros músicos. También hubo algunas sugerencias de Andrés Calamaro. Por su parte la producción de Pepe Céspedes y Righi es impecable.

Siempre son bienvenidas las bellas canciones, siempre son bienvenidas las nuevas apuestas, siempre es bienvenido el sarcasmo. Por eso es bienvenido Más que una Yunta, el debut discográfico de De Bueyes.

Lejos en Berlín

2009-11-09T10:07:00.000-08:00

Canción: Lejos en Berlín.

Artista: Fito Páez.

Disco: Ey.

Año:1988.

Por Guillermo Romani

Desde 1961 a 1989 Alemania estuvo dividida por el muro de Berlín que fué un icono de la guerra fría, como también lo fue su demolición, su caída (die Wende) que significó un nuevo momento que siempre alienta pero que puede doler al envejecer.

Todos ya hablaron hoy de Perestroika, del principio del fin, y otros términos, además (en estos momentos) en Alemania se están produciendo muchos actos en conmemoración de aquel día, que significó el fin de la guerra fría, del mundo partido en dos. Fue un cambio realmente; lo cierto es que a partir de ese momento el mundo pareció acelerarse vertiginosamente y la sombra estadounidense se expandió de manera hegemónica.
Veinte años pasaron de aquel suceso, momento de emoción en llanto y risa; muchos escalaron el muro, mientras que otros a pico y maza ayudaban a romper para unir.
En consecuencia a estos hechos históricos es que hoy propongo sintonizar (y tal vez profundizar) sobre como se va escribiendo la historia, a través de una canción de Fito Paéz, de su disco Ey!, donde el rosarino desde el título propuso despertar: “Ey!”, como un llamado de atención, de que estaban pasando cosas y había que estar sintonizado. Ahora también están pasando cosas y aún quedan mil “muros de Berlín” por derrumbar de un cross o de un flash.

Sí estás haciendo algo y está desafinado, vos seguí, seguí, seguí. Seguí igual para que las cosas que pasan, no pasen siempre así, lejos en Berlín.

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El Minúsulo: Doble N en la Ciudad de las Artes

2009-11-08T17:58:00.000-08:00

Los chicos que se volvieron malos.

En el auditorio Ciudad de las Artes se presentó el viernes pasado la banda de hard-rock, Doble N, fue con motivo de mostrar formalmente su material discográfico: Pedazos
Para Armar, y también para el estreno de algunos temas nuevos junto a músicos invitados. El show tuvo duración de hora y media, aproximadamente, con buena concurrencia de público. El espectáculo fue producido en su totalidad por la banda.

Por Yusúf Oliva.

Fotografía: Yusúf Oliva.

La noche amenazaba con una fuerte tormenta a la hora de inicio del show, alrededor de las 23. A esa altura el público e invitados ya habían ocupado sus sitios en las butacas del coqueto auditorio de la Ciudad de las Artes, en el barrio Rogelio Martínez de nuestra ciudad. Algunas indicaciones para la seguridad del espectáculo se dejaron escuchar momentos antes de que el rock duro de la banda se desplegara por la sala. Tras ello, todo lo programado dio paso a una noche frenética dividida en tres partes. Dos de ellas fuertes en sonidos, y una intermedia acústica, y más volada. La formación que lidera Lucas Alaniz, cantante de la banda, introdujo su música con dos temas casi seguidos, “Sucio y Añejo”, y “Oh! Carol”, a puro rock. Con el saltaron al ruedo Franco Lunghitano, primera guitarra y coros, Carlos Righetti, segunda guitarra y coros, y los hermanos Mozetich, Damián en bajo, y El Oso Christian, a la bata.
Tras presentar sus dos primeros invitados para el tercer tema, Carolina Merlo, en coros, y Julián Coronel, en saxo, cerraron esta primera parte con una canción nueva: “Fino Cache”. La banda sonó muy fuerte, y la estridencia de la voz cantante despedía ráfagas zepellinescas sobre la familiar platea del auditorio.
La parte acústica, que prosiguió al torbellino duro de la banda, mostró el perfil más elaborado del show. De la formación inicial sólo Franco Lunghitano, guitarra acústica y Alaniz, permanecieron en el escenario. Además se Incorporaron dos cuerdas: Leandro Liuzzi, violín, y Pablo Dolinski, violoncelo, con quienes entregaron un set exquisito en armonías y letras, con la participación en teclados de Ignacio Rubioli.
La tercer parte repitió el carácter de la primera, el que identifica a los Doble: guitarras potentes al frente, el firme apoyo del bajo en las bases, y estridencia en la voz.
Sobre un escenario, que desafía por su imponencia, los chicos “dobles” fueron duros y malos, desprejuiciados y agradecidos, en medio de la oscura tormenta del parque. Quizás pecaron de familieros entre la formalidad del entorno, pero brindaron toda su fibra al momento de pelar. Se destacó también, como viene ocurriendo con casi todas los espectáculos de rock local: el esfuerzo de producción, la buena asistencia de público, virtud del responsable de prensa del show -Marcelo Gómez-, y el privilegio de poderlo llevar a cabo en un ámbito muy confortable para la familia, pero frío para la atmósfera del duro rock. Describieron los sonidos emitidos por la banda Germán Falfan en imágenes, y estallaron en los oídos de la concurrencia, por obra de Javier Pedrocca desde la consola de sonidos. Por una hora y media, algunos fueron malos y otros fueron chicos. ¡Felicitaciones por lo producido!

Toco y me voy

2009-11-06T16:27:00.000-08:00

Canción: Toco y me voy.
Álbum: Hijos del culo.
Artista: Bersuit Vergarabat.
Año: 2000.
por Fabricio ÁLvarez.

El viernes es el día del puntapié inicial. Día que el fútbol comienza a rodar por los rectángulos nacionales buscando esa alegría, símbolo de máxima pasión: el gol. La música y el fútbol muchas veces se cruzan, se saludan, se respetan.

El pelado y “su” Bersuit dedicó, por momentos de forma metafórica, casi siempre literal, la pasión de juego en este hermoso tema: “Toco y me voy”.

Aires de murga y alegría visten ésta canción. Cualquier firulete con este sonido parece más elegante, no hace falta mas que buscar.

“Te la toco de primera, vos si querés la agarrás” , arranca las voz del pelado con ritmos rioplatense a la espera de los coros murgueros del estribillo.

La canción tuvo lugar en su disco Hijos del Culo, que apareció por el año 2000 con buenas canciones, ésta es una de ellas.

Los viernes el fútbol sale a la cancha, a correr, a gritar, a disfrutar de una pasión tan loca como la música.

No importa cual sea el color.

Entrevista a Loquillo.

2009-11-06T13:45:00.000-08:00

Por estos días en nuestro país se encuentra presentando su primer disco en solitario un artista español de vasta trayectoria, lleva casi treinta años tocando rock and roll, nos referimos a Loquillo. Por ello decidimos tomar contacto con Jorge Rodríguez, nuestro colaborador del otro lado del atlántico, para que comparta con nosotros una entrevista que nos ayude a ahondar un poco más sobre este gran músico que generó una de las emblemáticas bandas españolas: “Loquillo y los Trogloditas” y que se pasea por estos días por Argentina. En Nuevo proceso artístico el rockero español dialogó con Jorge Rodríguez en el programa “Dos son Multitud”que nuestro colega conduce, emitido por Radio Alma en Bruselas.

Actitud de Rock and Roll

Por Jorge Rodríguez Barbón en colaboración con El Mundo Entre Las Manos.

Crédito foto

Cuando tienes la suerte de entrevistar a alguien que con sus letras o melodías ha marcado parte de tu vida, es un gustazo conversar con esa persona. Sensación que podría definir, de forma superficial, la entrevista que tuve con Loquillo junto a mi compañero en las ondas: Pablo Pérez. Hablamos de de su evolución musical, de su último disco y de otros aspectos, como el vínculo entre rock y poesía.

Cuéntanos del nuevo trabajo ‘Balmoral’, que ha teniendo buena acogida y está marchando bastante bien.

Bueno… fuimos nominados a los premios Grammy, entonces cualquier trabajo que de repente tenga este tipo de repercusión, evidentemente después de treinta años de trayectoria, enorgullece a uno. Pero vamos, es un disco realizado en 2 años y medio, y las cosas, cuando se hacen bien, terminan dando buenos resultados.

Un trabajo (Balmoral) que habla del final de una época. Es una referencia a un local que significa el final una época. Balmoral es, más que nada, un mundo personal; es un concepto muy de fin de siglo, de final de época, de final de una etapa ¿no? Y bueno… detuve mi marcha de los Trogloditas y lo que es un disco, que sería el primero en solitario, puede convertirse en el principio de una cosa y en el final de otra. O sea, que se encuentra en un cruce de caminos interesante.

¿Es difícil reinventarse, pasar de una época de los '80 y los '90 a otro estilo como el que has emprendido hace unos años? Sobre todo para el público... No, porque forma parte de una evolución personal. Yo pienso que los artistas que decaen son aquellos que no van en consonancia con su propio crecimiento personal. Aquellos que se aferran a tener siempre veinte años cuando ya no los tienen. Si mantienes tu manera de entender la vida y eso lo plasmas en canciones se trata de algo coherente. Las canciones propias tienen también el crecimiento tuyo, a lo largo de tu vida y eso tiene que notarse también.

Yendo un poco hacia atrás, ¿qué te supuso tener que irte a la ‘mili’ (Servicio Militar) cuando empezaste con Loquillo y los Trogloditas en plena efervescencia? Pues me pillas con treinta años de diferencia (risas)...No es que suponga nada; suponía para mí y para todos los españoles que tenían que cumplir con el servicio militar… no era algo que me sucediera sólo a mí. Luego eso ya ha pasado a la historia y la gente no ve interrumpido su crecimiento o sus planes de futuro por culpa de ello. En realidad, lo pasé como cualquier hijo de vecino.

¿Imaginaste cuando en tus inicios, cuando tenías diecisiete años, que ibas a llegar a dónde estás?

Lo tenía muy claro. No sé cómo, pero sabía que lo iba a hacer. Básicamente porque es lo que tenía en la cabeza desde que tengo uso de razón. Supongo que hay una parte de disciplina, otra dedicación y también de trabajo.

Estuviste por Argentina y Uruguay, ¿qué tal por ahí?

Son países perfectos. Es evidente que la lengua española facilita mucho las cosas, y sobre todo en países muy rockeros como son Uruguay y Argentina, son cien por cien rock. En ese sentido, me siento muy cerca, y disfrutamos mucho cuando estamos ahí tocando. Es como estar en casa.

Estuviste nominado como mejor álbum de rock en los Grammy con Balmoral y al final se lo llevó un amigo tuyo: Andrés Calamaro, otro grande.

Que te den un premio es lo de menos. Lo de más es que de repente con una trayectoria sigas estando y sigas haciendo metas que no habías conseguido. Con mi primer disco en solitario estar nominado es algo de lo que uno se tiene que sentir orgulloso, porque eso dice mucho del trabajo hecho. Digamos que nuestra trayectoria habla por nosotros mismos y respecto a los premios, supongo que llega un momento en que te los empiezan a dar. A esta edad, sobre todo te quedas con otra cosa: la trayectoria.

¿De dónde fluye el interés por la literatura, la poesía? ¿Nace con el rock o es algo que vas cultivando de a poco?

Para mí la poesía y el rock es lo mismo. La poesía es la ecología de la literatura, es por otro lado lo más cercano al rock and roll; en el sentido de capacidad de resolución, y sobre todo de trasmitir imágenes, y eso tiene que ver mucho con mi lenguaje. El rock and roll es la poesía más clara, y en estos momentos, como decía Lou Reed: "la música de rock y la poesía es la perfección". Por eso, cuando trabajo con Gabriel Sopeña y lo hacemos ‘musicando’ a poetas contemporáneos, la verdad es que la pasamos muy bien, porque ellos nunca imaginaron que sus textos podrían acabar con una base de rock. Eso es algo que nos convierte en privilegiados y en definitiva, me ayuda a equilibrar mi otro punto de vista que es el rock.

Links: Jorge Rodríguez.

No dejes que llueva

2009-11-04T16:13:00.000-08:00

Canción: No dejes que llueva.
Álbum: Piano.
Artista: Daniel Melero.
Año: 1999
por Santiago Ramos.

La provincia de Córdoba está en emergencia hídrica. Ante esto, las conversaciones pasajeras y corrientes en lugares de paso como la verdulería, el almacén o el ascensor giran en torno al deseo de que llueva, cómo dicho deseo parece no tener resultado, desde aquí propongo lo contrario: que no llueva.
“No dejes que llueva” extraída, no del álbum original (Conga) en el que fue editada, sino la versión sentida del disco Piano. Melero supo cómo darle énfasis con aires más tristes a ese tema, acompañándolo con un piano tan simple como preciso.
Una divina canción para que se provoque el efecto paradojal de la lluvia, que la disfruten.

Relacionadas: Daniel Melero (entrevista)

Dicho y Hecho por un Noble

2009-11-04T14:15:00.000-08:00

Disco: Dicho y Hecho.

Artista:Iván Noble.

Año: 2009.

Por Fabricio Alvarez.

Iván Noble presenta nuevo material después de dos años. Intemperie (2007) fue el último. Esta vez,un disco en vivo (También un dvd con más canciones) que recorre toda su trayectoria. Desde Los Caballeros de la Quema, pasando por su etapa solista.

El disco se las trae con 13 canciones bajo el nombre de “Dicho y Hecho”. Dos de Caballeros, “Avanti morocha” y “Hasta estallar”; tres temas nuevos: “Dame un motivo”, “al grano” y “Un día más”; el resto de las canciones pertenecen a su etapa solita.

La versiones o mejor dicho, las re-versiones, están bajo las riendas de teclados que son acompañadas por guitarras, como mucho wah wah (algo funks) y vientos estilo soul, sin dejar pasar los coros que dan matices nuevos a canciones no tan nuevas.

El disco se presenta homogéneo en la búsqueda sonora. Hay una intención de ambientar el murmullo al jazz. Con arreglos de blues y soul, y por qué no también, algunos sonidos tangueros (guitarras y armónicas).Por estos motivos, reversiones calza justo con esta producción.

El material cuenta con la participación de Fabiana Cantilo en “A soñar un rato”. Los arreglos están a cargo de Mariano Otero (contrabandista de las tierras del Jazz).

“La chica que nadie saca a bailar”, abre el álbum. Esta canción de su disco Nadie Sabe Donde (2004) mantiene el mismo registro de voz, se diferencia por los arreglos de guitarra de Patricio Carpossi. Otro aspecto nuevo de su versión original es el cuarteto de coro en el estribillo y los arreglos de trompetas a cargo de Juan Cruz de Urquiza.

“La propina”, del mismo disco, es el tema que continúa la lista. Base de teclas entonan la melodía, mientras guitarras lentas pasan al frente en la intro. Los coros vuelven a engordar de sonidos los estribillos. Se destaca de esta versión los arreglos de teclados. Pegadito y para terminar esta sección de Nadie sabe donde, surge “Como el cangrejo”, con el tempo más lento que la original, se convierte en una balada con arreglos de teclados, vientos y cuerdas.

“Dame un motivo” es el primer tema nuevo que aparece. Fiel sus metáforas, Iván, sigue su línea compositiva; aires de perdedor, de buscador... buscando un motivo. Guitarras rítmicas nuevamente bajo el efecto del wah wah. Con precisos coros hacia el final de la canción y una fuerte presencia de bajos da la impresión de ser funk suavecito.

Llega “A soñar un rato”, un balada de cuna, con vientos somníferos acompañado por la inconfundible voz del rock femenino, Fabiana Cantilo. Sintetizadores de fondo y guitarras limpias llevan la rítmica.

“Hasta estallar”, es el primer tema de su época de Caballeros de la Quema. Esta canción cuenta en su versión original con León Gieco en voz y armónica, pertenece al álbum “Perros perros y perros (1996). Acá el arreglo de armónica se transformó en uno de guitarra. Nueva versión con aroma Jazz.

“Un minuto antes de dejar de quererte” de su primer disco solista, Preguntas equivocadas (2003) es el único presente de aquella placa. Es la versión mas Jazzera del disco, con arreglos en armónicas que hacen acordar a los tangos de Hugo Chávez.

En “Al grano”, otro de los temas nuevos, Iván le muestra los dientes al tiempo, madurando como sus letras: “ ante ladraba pero hoy voy al grano” dispara en el estribillo . Nuevamente armónicas, esta vez con ritmo de blues.

“Bienbenito” y “Avanti morocha” se asemejan en la propuesta. Respaldados por un teclado que mantiene el ritmo y armonía durante toda la canción, mientras son protegidos por la voz de Iván. “Avanti morocha” es el otro tema de su etapa de Caballeros. Canción que abrió la puerta a la popularidad de la banda. Mientras que “beinvenito” es un tema escrito a su hijo.

“El mundo tampoco hace las cosas demasiado bien” y “Olivia” son los últimos temas reversionados. “Olivia” cierra el disco con mucho ritmo, guitarras con wah wah y vientos de todo tipo (trombón, saxo, trompeta) van persiguiendo la melodía. Se destaca de “El mundo tampoco hace las cosas demasiado bien”, el solo de guitarra, mezclando blues y tango.

“Un día más” es la última canción nueva del disco. Con una letra realista y bastante frontal: “Un día mas que puede ser un fiasco, que puede ser grandioso”.

Iván sale a la cancha con varios jugadores veteranos y algunos debutantes, combinando varios estilos siempre a las ordenes de los teclados. La dirección artística estuvo a cargo de Mariano Otero.

El material fue grabado en vivo en los estudios Circo Beat de Bs. As. a cargo del director Nahuel Lerena quien se encargó de la producción del Dvd. El proceso de edición y mezcla fue en estudio “Casa de la música”, Villa Mercedes, San Luís.

Despertar

2009-11-02T14:19:00.000-08:00

Canción: "Me tengo que levantar".
Artista: Pablo Grinjot.
Año: 2006.
Por Guillermo Romani.

El calor es insoportable sólo mentalmente. Nuestro cuerpo se las arregla para sudar todo lo posible de ser sudado, para liberar la térmica corporal, que al evaporarse buscará altura y encontrará frío para ayudar a la conformación de algunas nubes, que tendrán que esperar que el viento las amontone, precipitar y concedernos un poco de fresco necesario para continuar. Pero para sudar hay que estar en acción, para quemar calorías y grasas mentales que pueden acumular pensamientos innecesarios: como agolparnos mentalmente con el calor entre el que existimos, que a veces cobija la idea de no hacer nada.
Ayudar a la conformación de nubes no está nada mal, y así despejar dudas. Es Una Nube.
Sudar la camisa cada día un poco esta en nosotros. Pero para que eso suceda tenemos que crear acción, y empezar por levantarse es fundamental.
Por eso para el comienzo de la semana el elegido es justamente "Me tengo que levantar" de el cantautor Pablo Grinjot, que tras una larga introducción a modo del zumbido del viento, que bien podría representar el instante previo a abrir los ojos o al estado de enmodorramiento que provoca la inactividad; todo esto logrado con una instrumentación basada en violines que anteceden al "andantino"(o por ahí anda) que repite "Me tengo que levantar" a modo de estrofa, y "Todo el día estoy así" a modo de estribillo. Con la mántrica fórmula de repetición de dos afirmaciones, con instrumentación sofisticada y un concepto cien por ciento acústico, Pablo Grinjot ayuda a que el tiempo sude distinto y cambie.

Bunbury brindó un show de luxe

2009-11-02T14:12:00.001-08:00

Show: Enrique Bunbury.

Lugar: Estadio cubierto de Juniors.

Fecha: Jueves 29 de Octubre.

Ciudad: Córdoba

Por: Martín Kardaz.

Foto: Sergio Calfuquir.

El cantautor español se presentó en Córdoba en el marco de la gira “Helville de Luxe Tour”, en la que se encuentra presentando su último trabajo discográfico. 21:30 hs se apagaron todas las luces del estadio y las pantallas de leds, ubicadas una de cada lado de la batería, comenzaron a proyectar un video en el que a parte de gente bailando se podían leer palabras como “relax” y “beautiful”.

De a uno los músicos ocuparon sus lugares y después totalmente vestido de negro y vistiendo un característico sombrero hizo su aparición en escena el ex Héroes del Silencio para despertar la primera ovación de la noche. “El club de los imposibles”, en una versión mas enérgica que la original abrió la noche. “Buenas noches cabrones, ustedes tienen un calor del carajo”, dijo el músico, haciendo referencia a los 40º que hicieron ese día.

A pesar del calor de afuera que se potenció en el estadio cubierto de Juniors, el público salto y cantó cada una de las canciones que sonaron, y en la que Bunbury hizo un repaso por varios de sus discos, sin hacer hincapié en ninguno en especial. Las cervezas corrían de boca en boca tratando de disipar un poco la temperatura, que a esa hora era insoportable.

“Esta es una noche para tocar rock, al que no le gusta, esto le va doler”, esa expresión dio paso a “Bujías para el dolor”, y la gente le regaló al español la segunda ovación de la noche, confirmando que ellos también fueron a buscar una noche de rock. “No fue bueno, pero fue lo mejor” del disco “El tiempo de las cerezas” realizado junto a Nacho Vega también fue parte de la lista.

Después de abandonar el escenario por algunos minutos, Bunbury volvió y el show pasó por diversos momentos en los que hubo algunas baladas y otras reversiones. Desde el comienzo del recital desde el campo salieron cantos y gritos pidiendo por temas de los Héroes, y la banda cumplió “Apuesta por el rock’n roll”, dio paso a uno de los momentos mas altos de la noche.

Casi sin pausa sonó “Lady Blue” del disco Flamingos en una versión más poderosa, como para no bajar los descibeles de una noche que ya había superado las dos horas de show. También hubo un momento para el brindis, Enrique abrió una botella de vino blanco, y después de llenar dos copas brindó con su guitarrista, todo el hielo de la frapera, que ya era agua terminó derramado sobre el eufórico público, que agradeció tal gesto.

Las luces del escenario se apagaron y todos los músicos abandonaron el mismo Volvieron, esta vez para cerrar un gran show. “La chispa adecuada”, también de su antigua banda, fue la canción elegida para cerrar la presentación. La noche combinó glamour de la mano de la vestimenta del frontman, con mucho rock que salió desde el escenario y se retroalimento con el calor del publico que deliró con cada canción.

Entrevista a Héctor "el perro" Emaides.

2009-11-01T16:02:00.000-08:00

"El lugar ideal para hacer shows es La Vieja Usina".

El Perro Emaides es un productor de espectáculos que se ha caracterizado por apostar a lo nuevo, esos riesgos han dado por resultado importantes eventos del rock de nuestro país, como el ya famoso “Nuevo Rock Argentino”, que sirvió de plataforma de despegue para la nueva cara de la música de los ’90: Babasónicos, Pez, Peligrosos Gorriones, Illia Kuryaki, Juana La Loca, Todos Tus Muertos, La Renga, etc. El “Cosquín Rock” por el año 2001, cuando en el ámbito nacional era impensado que los festivales de rock volvieran a copar la escena, el regreso de “La Falda Rock”, el primer desembarco de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota en La Docta, o “Mundo Mestizo” que incluía charlas y cuyo objetivo era desterrar prejuicios sobre el rock y otras músicas (tal es así que en la grilla original figuraba en el mismo cartel Jorge Drexler y La Mona Jiménez).
En esta ocasión prepara dos nuevas producciones: “Rock Criollo” donde actuarán entre otros: Palo Pandolfo, Arbolito, Orquesta Típica Fernández Fierro, Alfonso Barbieri, etc. y la sexta edición del “Nuevo Rock Argentino” con la participación de Estelares, Adicta, Bicicletas, Banda de Turistas, Juan Terrenal, Eruca Sativa, etc. a llevarse a cabo el próximo jueves 5, y viernes 6 de noviembre en La Vieja Usina.
En una breve charla, mientras organizaba un recital de Los Álamos, nos brindó sus opiniones a cerca de las productoras locales, los lugares para tocar que hay en Córdoba y el fallo sobre República de Cromagnón.

Por Fabricio Álvarez y Santiago Ramos.

Fotografía: gentileza : el diario Info Negocios TV.

¿Cuál es tu opinión sobre el fallo de Cromagnon?
En realidad para mí Cromagnón fue un Homicidio Culposo, no sé si saben lo que es eso: vas en un auto a 200km por hora, en un lugar que podés ir a 40, y matás a 3 personas. Toda la gente que estaba involucrada en eso iba manejando ese auto. Es un accidente, no fue a propósito pero sucedió. Una vez que sucede y mueren 193 personas ya entra en el orden de la justicia ver. Lo que pasa es que no mataste a dos personas, y no iba una sola persona manejando, sino que eran unas 20 o 25 personas que estaban implicadas.
No estoy muy de acuerdo en que le den 20 años a (Omar) Chabán y 18 a (Diego) Argarañaz (mananger de Callejeros) , y bueno la gente de la municipalidad… en eso no me meto. Pero la gente que estuvo implicada en el show en particular, ese show era un 70/30 (%); en la historia del rock se da muy claro cuales son esas responsabilidades: 30% Chabán, y 70% la banda. El mananger es un representante de la banda pero funciona como un grupo por eso la responsabilidad también recae sobre ellos. Yo pienso que de alguna manera no tendrían que meter preso a nadie, en eso estoy de acuerdo, pero fundamentalmente lo que creo es que Callejeros no tendría que tocar más y Chabán no dedicarse nunca más al show business, por una cuestión ética de cada uno de los músicos y de Chabán. No tocar más ni con ese nombre, ni con otro nombre, porque les tocó en la vida esa tragedia ¿entendés?
¿Para vos le podría haber pasado a cualquiera? ¿A vos te podría haber pasado?
Sí, sí.
Hay algunos errores que yo no cometí nunca en mis 30 años de productor; que es por ejemplo clausurar una salida de emergencia, pero en La Vieja Usina y algunos otros lugares hubo bengalas y yo nunca me pregunté si el techo de La vieja Usina se podía prender fuego o no, si alguien tiraba un tres tiros o todo lo demás. En los Cosquín Rock, calculá que en el último (el día de Charly) manejé 80.000 personas, lo manejé yo solilto porque José (Palazzo) estaba desmayado, y Constantino no estaba, mis socios, el día que se armó el quilombo con Charly y no hubo ningún accidentado, ni muerto , ni nada en un desorden de una magnitud bastante interesante, o sea que realmente la seguridad y la policía estaba preparada para un accidente de esa magnitud.
En La Vieja Usina junto con el Pocho, manánger de Piojos, hemos dejado afuera a veces, 4, 5 mil personas, siendo que el lugar tenía capacidad para 7.000, dejamos entrar 5.500 por un problema de seguridad .Lo he hecho con Piojos, con La Renga, charlando con los manangers. No tengo un lugar propio, nunca lo tuve, siempre produje en lugares de terceros, o sea que nunca podría haber estado en la posición de Chabán.
Ahora, sí me podría haber pasado que una bengala, en vez de salir para arriba, saliera para un costado, le pegara a alguien , se armara un quilombo hay en el medio y empezara a correr la gente y murieran asfixiados 10 o 20 personas. Creo que a eso uno está expuesto cuando mueve más de 2.000 o 3.000 personas, ya estás expuesto a que te pase algo así. ¿Y cuál es el grado de culpa de cada uno? Bueno, depende de eso que te digo, lo que pasó en Cosquín de alguna manera sucedió, se movieron 20.000 personas que había esa noche para todos lados y no pasó absolutamente nada porque estaba más o menos bien armada la cosa, las salidas de emergencia y todo lo demás.
¿Qué opinás sobre los lugares que hay para tocar en la ciudad de Córdoba?
Bueno, no puedo ser muy objetivo con Captain Blue XL porque ahí produce lo que sería empresarialmente mi contra. Me parece un lugar horrible, o sea, desde mi subjetividad me parece que es un lugar horrible en todo sentido.
Creo que hay unos 10 pubs en Córdoba que son lugares lindos para que toquen ante 300 o 400 personas, más de eso no. Lamentablemente por una cuestión económica tenés que meter a veces más gente, lo que hace que la gente esté incomoda. Sólo eso, que la gente esté incomoda y no pueda disfrutar el show cómo debería ser, ¿no es cierto? Si vos acá en Casa Babylon hacés un show para 350 personas, la gente lo ve muy tranquila y muy cómoda. Ya si sube esa cifra, aunque esté autorizado por la municipalidad, se pone un poco más difícil.
Creo que el lugar ideal para hacer shows, aún hoy en día sigue siendo La Vieja Usina.
¿Más que el Orfeo Superdomo?
Estamos hablando de rock, en el caso del Orfeo si hablamos de rock, sí. Y es como comparar el Luna Park con Obras; y Obras tiene como una trayectoria en ese sentido, y de alguna manera convoca un cierto tipo de público. Y el Luna Park tiene otra trayectoria, yo no veo una banda como La Renga tocando en el Luna Park, pero sí veo Piojos ¿viste? Viéndolo desde esa perspectiva... de cualquier manera el Orfeo permite a ciertas bandas llevar gente que no le gusta estar parada ni amontonada, entonces de repente el Orfeo te permite tener gente en tribunas y gente adelante, pero eso también se logró en La Vieja Usina, o sea que creo que los dos lugares están bastante aptos. El Orfeo es más frío, se pueden hacer cosas más tirando a lo clásico o con un armado un poco mejor, y en La Usina hay más ambiente, más feeling. Después sé que hay otros lugares que se están abriendo, no los he chequeado todavía, pero yo me muevo entre Casa Babylon, 990, como pubs, y Vieja Usina si quiero hacer para mayor cantidad de gente, que se puede hacer Usina chica: para 2.000, Usina grande: si corrés la cortina tenés para 4.000, si la volvés a correr tenés para 6.000, ya estamos. Y si quiero hacer algo mega, lo hago en el Orfeo.

Experimentación folkclórica: Mariana Baraj en Córdoba

2009-10-31T21:30:00.000-07:00

Show: Mariana Baraj

Lugar: CCEC.

Fecha: viernes 30 de octubre

Ciudad: Córdoba.

El viernes 30 de octubre Mariana Baraj compartió por primera vez sus canciones en territorio mediterráneo; fue el Centro Cultural España Córdoba (CCEC) en el marco del ciclo "La tierra tiembla". Tal vez como contraste a lo ocurrido hace 517 años la producción del CCEC organizó un ciclo de conciertos que alentó a música de raíz y la multicultura.

Por “La tierra tiembla” pasaron: EMM (Ensamble de músicas del mundo de villa maría); Pachangomama (San marcos sierra) y como clausura la presentación deMariana Baraj.

Por Guillermo Romani

Foto: Guillermo Romani

Ante un recinto repleto Mariana Baraj se presentó con su repertorio basado en un sonido de raíz; donde canciones de grandes autores se mezclaron con composiciones propias, que la percusionista interpretó con excelencia acompañado por el charrúa Juan Pablo Chapital en guitarra, Quique Ferrari en el bajo y Rodrigo Quirós batería, percusión y voces.
Mariana Baraj propone un folclore sofisticado de experimentación, logrando una atmósfera de concentración y acuna su voz en vidalas, chacareras, coplas, etc. mezcladas con ritmos de conexión candombe.
Con gran respeto se dirigió a la asistencia comentando en que discos fueron editados junto a los nombres de los autores de los temas que sonaron en una tarde/noche calurosa.
La composición de Atahualpa Yupanqui: "Los ejes de mi carreta" fué interpretada previo a que Mariana se cargara de accesorios percusivos, que parecían representar el sonido del roto carruaje que pregona la canción; excelente momento del show que recién comenzaba.
Hacia la mitad del concierto se oyó "Chacarera santiagueña" en una versión sostenida por la percusión (de alto vuelo) y su voz, dándole lugar a "Margarita y Azucena" donde utilizó algunas pistas de voces para lograr un canon hipnótico.
Durante todo el concierto Mariana Baraj rotó en varios instrumentos como el charango, el bombo legüero, entre otros; además de aprovechar sus tobilleras de pesuñas para afirmar el ritmo desde sus pies. También utilizó la kalimba en "agua negra": un pasaje mántrico de sonido alentador. Hubo lugar para momentos totalmente a capela como “Jatum ilumani” a modo de plegaria según sus palabras.
Alrededor de quince canciones fueron parte del show. Para los bises llegó la interpretación de "Y Ya me voy" totalmente en solitario. En el cierre final la banda se sumó é hicieron participe al público proponiéndoles melodía y canto.
Un fuerte rasgo aborigen sobrevuela en las versiones de la artista, que junto al impacto de su "actitud inspirada" hacen de sus conciertos una experiencia que vale la pena.
La Baraj se mostró agradecida de encontrarse en Córdoba y anticipó la salida de próximo trabajo discográfico para finales de este año o comienzos del próximo.
La música de raíz folclórica goza de buena salud y excelente silueta.

Guasones, reyes de la noche en Córdoba

2009-10-31T16:14:00.000-07:00

Show: Guasones.

Lugar: Studio Theater.

Fecha:30 de octubre.

Ciudad: Córdoba.

Por: Fabricio ALvarez
Foto: Fabricio Alvarez

Poco antes que el reloj se alojara en las 11 (p.m.) los fans comenzaron a caminar casi hipnotizados hacia el escenario. Los plomos estaban afinando instrumentos y ponían la puesta a punto mientras aquellos se unían en canto repetitivo de “Vamos los Guasones…”.

Minutos más tarde la banda liderada por Facundo Soto salió al escenario para la presentación de su show.

Unas breves palabras de Soto “¡Que buen lugar para tocar!” anticiparon el primer riff de “Una noche más”. Luego siguió otro rock and roll “Me muero” track que pertenece a su álbum Como Animales (2003).

Una seguidilla de su último disco, Esclavo (2008) hicieron delirar al público más nuevo; “Como un lobo”, “Todas quieren rock” y “Farmacia”; este último uno de los temas mas difundidos de la placa. El segmento a puro riff terminó de la mano de “Fiebre”.

Llegó momento de guitarra acústicas y baladas, “My love” y “Sueños son” acompañados por momentos de improvisación muy cerca del blues más ortodoxo.

El rock sucio volvió con “Estupendo” y llegó a su fin junto a “Con la casa en orden”.

Una versión de “Down” diferente a la original, mezclando muchos silencios y arreglos a cargo de Maximiliano Tymzcyzcyn generaron un clima intenso en el público, inmediatamente llegó uno de sus clásicos “100 años” y una versión estilo Muddy Waters de “Desiree I” y “Desiree II” finalizada con una zapada entre los dos violeros.

En seguida otro tema de su último trabajo “Hay momentos”, sonaba esta balada algo melancólica mientras Soto interactuaba con el público bajando micrófono para escucharlos.

Llegó el momento de su canción más reconocida, “Reyes de la noches”, en una versión musical bastante parecida a la original con algunos arreglos improvisados y con la particularidad de la entonación de Soto que se acercó casi en forma de tributo al gran Bob Dylan.

La lista de te mas terminó con “Gracias”, “A mi lado”, y “Dame”.

Guasones se presentó en un show de más de 90 minutos de mucha intensidad, sin cortes y sin vueltas. Mucho rock and roll, baladas para descomprimir y poco para decir. Sólo tocar y tocar.

Para destacar el sonido del lugar y la climatización que hacia olvidar a los presentes la tremenda sensación térmica que se vivía en las calles cordobesas.

Báilame

2009-10-30T06:00:00.001-07:00

Canción: Báilame.
Artista: Ella es tan cargosa.
Disco: Ella es tan cargosa.
Año: 2007.
Por: Fabricio Alvarez

“ Báilame… dale música a tus huesos, si bailas es mas fácil de olvidar”. Así empieza a cantar Rodrigo Manigot de “Ella es tan cargosa” en “Báilame”. Track numero dos del su disco debut homónimo a la banda que se dio a conocer en el año 2007 y fue foco de excelentes críticas y algunas nominaciones.

Una canción que enchufa letra y música por la misma dirección. Acompañada de buenas excusas para bailar aparece un "Funk-disco" muy bien logrado que hace mover cualquier par de piernas.

Bailar parece ser una buena receta para “darle franco a las penas” o para descoser la locura, lo canta Cerati en una de sus canciones “será la música lo que nos hace bailar”.

Para destacar el groove que propone el bajo de de Maximiliano Chercover y los arreglos de guitarras de Ildo Baccega que le dan gamas sonoras muy elegantes

Viernes, baile, disco-funk es la propuesta de este segmento que llamamos “ El mundo cabe en un canción”.

El minúsculo en vivo:Siderama en el Hugo del Carril

2009-10-29T05:36:00.000-07:00

Camino a las estrellas

Por Yusúf Oliva.

Fotografía: Yusúf Oliva.

Este martes pasado se presentaron en el ciclo “Ensayo de Orquestas”, que organiza el cine club municipal Hugo del Carril, las chicas de la banda Siderama. Fue la ocasión para presentar su primer trabajo discográfico: El camino sideral; material que se comenzó a grabar en el 2008, y que salió a la luz de sus seguidores en agosto de este año. La formación liderada por Gabriela Banner, en voz, Any Riwer, guitarra líder, Trinidad Bertero en bajo, Javier Fonseca, batería, coros, y programación, brindó un prolijo show en dos partes de hora y media aproximadamente de duración.

Cuando el reloj marcó las ocho y cuarenta, el escenario del cine club Hugo del Carril, mostró una enorme pantalla que proyectaba el nombre de la banda: Siderama. El off de la sala narró una mística historia acerca del origen de dicho nombre; quizás referida a una civilización venida del espacio. El cartel se fue elevando mientras dejaba ver tras de sí, cuatro siluetas vestidas de negro encaje, portando instrumentos musicales en sus manos; estos obviamente dotados de sonidos. Oculto en el fondo un hombre y una batería. Luces, música, show sideral. ¡Ma que civilización extraterrestre, rocanroooooooll! Todo el misterio se diluyó.
Gracias a todos por estar aquí, dijo Gabriela, la cantante de la banda, tras introducir al público en el espectáculo; agradeció “a los que vinieron puntualmente, y a todo el resto que esta presente”. Surgieron aplausos, y el freezer que parecía el cine club, poco a poco comenzó a deshielarse. También anunció que habría algunas sorpresas, e inmediatamente invitó a sumarse al escenario a Ricardo Torres, teclas, con quien compartieron: “Espías”, “Lo que yo creo”, “El tiempo”, y un tema dedicado a toda la familia de la banda; entre rocanrolles, canciones y funkis. Después y para concluir con la primera parte de show hicieron: “Vamos a levantar”, el corte del disco llamado: Sideral.
El espectáculo continuó con un intervalo inusual en el que Paula Nieto, y Jorge Galicia, percusión y guitarra respectivamente, le pusieron clima más tántrico. Por su parte la coreuta acompañó con acrobacias en tela.
Tras el bonus la banda volvió al escenario con la fuerza roquera de dos covers interpretados con mucha solvencia: “Humo sobre el agua”, de Deep Purple, y “La ciudad de la furia”, de Soda Stéreo. Ambos con una exquisita performance de la banda. Tras ello, subió “el huevo” Agustín Heder en viola eléctrica, para un nuevo cover. Cerraron el show con “Cara de piedra”, pero antes sonó “Esto es una banda de rock”, y el despliegue musical de Javi Fonseca, con un solo de batería, programación de por medio, que le sumó destreza a toda la calidad demostrada por las Siderama en el resto del concierto. No faltaron los agradecimientos infinitos a todos los convocados, a los organizadores y a la superproducción del show. El proyecto Siderama se suma así al gran esfuerzo que están poniendo las bandas locales para jerarquizar la movida musical del rock de la Docta. Que sus sueños se encuentren infinitamente ligados a ese camino de estrellas del que imaginan ser sus habitantes quienes construyeron dicha senda.

Ratones Paranoicos. No es solo rock and roll

2009-10-28T11:22:00.000-07:00

Disco: Ratones Paranoicos.
Banda: Ratones Paranoicos .
Año: 2009.
Por: Fabricio ALvarez

Los Ratones Paranoicos volvieron a salir del estudio (varios) con nuevo material. Esta vez, disco homónimo que presenta algunos matices nuevos si lo comparamos con su último trabajo “Sigue Girando” (2004). A diferencia de aquel que mostraba un sonido mas crudo y directo éste nuevo material presenta un resonancia con mas capaz sonoras. Sin salir de su clásico estilo la banda vuelve a pisar otros géneros mas cerca del blues, momentos folks, y también algunas guitarras funks.

Otro cambio esta dado por la producción artística que contó con la participación de Andrew Loog Oldman, ex manager de The Rollings Stones. (“Sigue girando” fue producido por Guyot y Thot).

Entre los invitados al disco se destaca el “flaco” Luís Alberto Spinetta en “Sacrificio Japonés” y Pereza (España) en “te extraño”. Otra colaboración a cargo de Alex Lora del TRI (Méximo) en “Ruda Hembra”.

La apertura esta a cargo de “No Llores” quizás el tema mas "stone", con presencia de vientos y arreglos en segunda guitarra que se encuentran en un lejano plano sonoro. Letra directa sin demasiada ambición, la cual está inmortalizada en la voz de Juanse “Yo se muy bien que no es lo de antes pero es lo que hay, espero que alcance”. Es la canción con mas arreglos del disco.

A continuación llega, “Sacrificio Japonés” canción compuesto por el “Flaco” (especialmente para el disco) y que fue arreglada en el estudio por Juanse y Mouro. Ésta presenta una fusión de rock and roll y cicatrices pop. Algunos pasajes de la letra proponen un realismo brutal “ si mañana no amanezco nada cambiara”.

Eléctrico riff abre camino a “Toda la ciudad” que se descomprime en el estribillo para volver a estrellarse en el primer plano sonoro.

Momento de balada para “Hotel Babylon”, canción que se envuelve en un “wah wah” de guitarras pseudos-funk. Acompañado de delicados arreglos la canción nunca despega y mantiene un clima distendido hasta el final. “flor de fliz” es otra balada que presenta el disco, en esta ocasión mas clásica con guitarras limpias y arreglos en armónicas; también se escucha de lejos unas teclas que acolchonan la melodía.

“Chuto” el track mas bluesero de la placa llega a su máxima expresión en el estribillo mas "hitero" del disco “dámelo dámelo aunque no quiera”.

“Cara verde” es otra canción que combina aristas de balada y guitarras funks. En un estribillo punk, Juanse dispara “anticristo por acá anticristo por allá todo esta aburridamente igual”.

Aparece el rock mas acelerado de la mano de “Manicomio”. El estribillo parece salido de alguna canción de los Beatles cantada por Mick Jagger. Hacía el final del tema aparece uno de los pocos solos del disco que se aleja del clásico solo blusero para arrimarse al pop.

Una base de blues aligerada presenta “Ruda hembra” donde aparece Alex Lora de ElTri (México) invocando el espíritu rockero de los setenta con voces desgarradas atrás de guitarras desprolijas. Uno de los aspectos mas optimistas del disco aparece en esta canción “siempre algo hay en el camino”.

Una intro estilo blues surge antes del coro de voces que recuerdan alguna canción clásica. Así empieza “Te extraño”. Juanse se muestra algo ambivalente “ te extraño pero no puedo verte ahora porque voy cambiando”; Pereza aporta al tema arreglos de guitarras y coros.

El último tema de la producción lleva de nombre “Cuando te vea”. Otra balada que presenta armonía simple atrás de una guitarra acústica y un solo silbado por el propio Juanse.

Después de cinco años los Ratones Paranoicos aparecen con un disco con mucho trabajo de producción y con invitados que le dan un salto de calidad. La banda mas referente del rock and roll nacional volvió a la escena con una placa que presentan nuevos matices.

Once canciones que cantan a mujeres, excesos y un guiño, a veces tácito otras no tanto, al paso del tiempo.